Amateurs de cinéma, attachez votre ceinture pour une critique du nouveau « Road House ». Ce n’est pas le film de bagarre dans les bars de ton père (même si, soyons honnêtes, c’était plutôt sympa). Ce #RoadHouse remanié nous jette des coups sérieux, des blagues hilarantes et tout un tas de soleil de Floride. Décomposons cela en bons, mauvais et beaux combattants torse nu (en vous regardant, Jake Gyllenhaal). Le bon : attachez votre ceinture, bouton d’or, c’est une course folle Les Florida Keys n’ont jamais été aussi belles. Sérieusement, les cinéastes ont dû passer un pacte avec le diable car chaque plan crie pratiquement « temps de vacances ». Les palmiers se balancent, l’eau turquoise scintille : de quoi vous faire oublier la scène folle des clubs de combat qui se déroule à deux pâtés de maisons. Et la chorégraphie du combat est au rendez-vous. Cette première bagarre donne le ton à tout le film : brutalballetique et garanti pour vous faire grimacer (dans le bon sens). Ce film sait bien rire. Les blagues sont opportunes, les dialogues gardent les choses intéressantes et il y a une certaine absurdité dans l’ensemble de la situation qui la rend d’autant plus agréable. Nous parlons de méchants avec des goûts douteux en matière de pilosité faciale et d’un bar si beau qu’il devrait figurer sur une carte postale. Ce film ne vous fait pas perdre de temps avec de longs discours ou des expositions ennuyeuses. L’histoire se déroule à travers de l’action, un travail de caméra intelligent (comme cette superbe photo à travers la fenêtre du bateau avec l’entraînement de Jake G dans le rôle d’Elwood) et des séquences de rêve vraiment bizarres (bonjour, hanté par votre carrière passée à l’UFC ?). Brant, le méchant, est à la fois terrifiant et hilarant. Ses crétins forment une équipe hétéroclite, l’un d’entre eux étant même un peu fan d’Elwood Dalton. C’est comme regarder une convention de super-vilains tourner mal, et honnêtement, nous sommes là pour ça. Les groupes du Road House jouent sur NO MATTER WHAT. Il y a une bagarre dans un bar ? Continuez à jouer ces douces mélodies ! Quelqu’un se fait jeter par la fenêtre ? Ne manquez rien ! C’est un détail bizarre qui fonctionne parfaitement dans ce monde farfelu. La confrontation finale est glorieuse. Il y a la récompense, il y a la rédemption, et il y a une bonne dose de « putain de merde, c’était génial ! » De plus, la fin laisse les choses ouvertes pour une suite, ce que, honnêtement, cela ne nous dérangerait pas de voir. Le mauvais : quelques ratés sur la route de l’enfer Notre homme principal, Elwood Dalton, est un peu une énigme. On a un aperçu de son passé de combattant de l’UFC, mais ses motivations et sa personnalité restent un peu opaques. Bien que l’humour sec de Jake ajoute du charme à son personnage, on a le sentiment que sa personnalité pourrait être plus profonde. Peut-être qu’ils gardent ça pour la suite (voir ci-dessus). L’intérêt amoureux semble quelque peu intégré à l’histoire, manquant du développement nécessaire pour avoir un sens vraiment significatif. Une minute, Elwood est un videur stoïque et dur à cuire, la suivante, il embrasse le shérif dans un cadre romantique. Ce n’est pas nécessairement une mauvaise chose, mais la transition semble un peu précipitée. On nous laisse croire que Post Malone pourrait être un personnage récurrent, mais alors… pouf ! Il disparaît plus vite qu’une bière gratuite lors d’une soirée fraternelle. Opportunité gâchée ou cliffhanger rusé pour l’avenir ? Seul le temps nous le dira. Le verdict : Road House (2024) – Un KO (avec un côté rire) Écoutez, ce film n’essaye pas de gagner des Oscars. Il est là pour vous divertir avec une bonne dose d’action, d’humour et d’étrangeté de Floride. Et c’est divertissant. Si vous recherchez un film avec une intrigue plus serrée que l’emprise d’un boa constrictor, ce n’est peut-être pas celui-là. Mais si vous voulez voir Jake Gyllenhaal libérer son dur à cuire intérieur tout en craquant, alors « Road House » (2024) est votre confiture. Prenez simplement du pop-corn, suspendez votre incrédulité pendant quelques heures et préparez-vous pour une course folle. Ce film a du punch (et une punchline) qui vous laissera dire : « Whoa, c’était amusant ! » Disons simplement qu’il y a un alligator impliqué, et restons-en là. Tout ce que vous devez savoir, c’est que cet alligator mérite son propre film (désolé, pas désolé, les crocodiles). Agissant – 8/10 Cinématographie/Effets visuels – 8/10 Intrigue/Scénario – 7/10 Cadre/Thème – 8/10 Observabilité – 9/10 Re-regardabilité – 8/10
Le documentaire “Stormy” ouvre le SXSW le 8 mars 2024
Le documentaire « Stormy » a eu sa première mondiale le vendredi 8 marsème, au SXSW à Austin, Texas. Il sera présenté en première sur Peacock le 18 marsème. Réalisé par Sarah Gibson et produit par Judd Apatow, le film était un regard sympathique sur Stormy Daniels. Il s’agissait d’un film réalisé par Stephanie Clifford (Le vrai nom de Daniels) tourné précédemment pour tenter de réaliser son propre documentaire. Sara Bernstein a produit le film, tandis qu’Erin Lee Carr a produit, et Ben Kaplan et Inbal B. Lessner ont fait un excellent travail de montage. La partition a été fournie par Jeff Morrow pour le film de 104 minutes. Avec le Stormy Daniels « Hussia » (Corruption) l’affaire devrait être portée devant le tribunal le 25 marsème c’est en effet un film qui arrive à point nommé. Et un bon. Ne le manquez pas. LE DÉBUT Stormy Daniels et la réalisatrice/productrice Sarah Gibson sur scène au SXSW (8 mars 2024. Photo de Connie Wilson). Lorsque l’actrice porno Stormy Daniels a rencontré Donald J. Trump lors d’une partie de golf en juillet 2006 à Lake Tahoe, dans le Nevada, elle ne pouvait pas savoir que son association avec l’homme qui était alors la star de « The Apprentice » mènerait à des problèmes financiers. la ruine, la fin de son mariage et des menaces de mort incessantes. Elle avait 27 ans ; il avait 60 ans. La fille de Stormy, issue de son troisième mariage, avait 7 ans. Donald J. Trump a invité Stormy à dîner. Elle est arrivée tôt à la porte de la chambre d’hôtel du Donald. Il était vêtu d’un pyjama en satin noir. Stormy a dit : « Va mettre des vêtements. Hefner veut récupérer son pyjama. Trump l’a fait et ils ont parlé pendant trois heures. Mais quand Stormy est sorti des toilettes de Trump (où elle a remarqué des objets dorés partout et de l’eau de Cologne Old Spice) Trump a agi sur elle, sexuellement. Elle n’a pas dit non (même si elle aurait aimé l’avoir). Trump a dit à Stormy qu’il voulait la mettre dans son émission télévisée “The Apprentice”. De son livre « Full Disclosure », nous apprenons que les deux ont regardé « Shark Week » ensemble dans la chambre d’hôtel du Donald. Hillary Clinton a appelé pendant le programme. Trump a appelé Stormy pendant des mois par la suite, l’accompagnant de cette promesse et suggérant d’autres réunions. Il a finalement admis qu’il ne pouvait pas la faire participer à son émission. Stormy a arrêté de répondre à ses appels après 18 mois, en disant : « Je pensais que nous avions fini. » L’histoire a commencé en 2006, lorsque Barron Trump avait 4 mois (Melania Trump venait de donné naissance à leur fils mesurant désormais 7 pieds.) L’histoire a refait surface en 2011. ARRIÈRE-PLAN Stormy a grandi à Baton Rouge, en Louisiane, avec une mère quelque peu indifférente dans un foyer dont le père était absent. (Elle n’a pas parlé à son père depuis qu’elle avait 17 ans). Agressée sexuellement par un voisin à l’âge de neuf ans, elle déclare : « Je me suis fait arnaquer par tout le monde. » On apprend qu’une de ses meilleures amies a tenté de vendre l’histoire de Stormy/Trump aux tabloïds. Son premier avocat, Michael Avenatti, qui lui a obtenu le contrat de livre pour « Full Disclosure » en septembre 2018, a volé 300 000 $ des bénéfices du livre de Stacey. Avenatti a fini par être emprisonné pendant 4 ans pour avoir fraudé Stormy et a été condamné à plus de peine pour avoir fraudé Nike et d’autres clients. Il est en prison depuis le 7 février 2022 et risque désormais 19 ans sans possibilité de libération conditionnelle. Il lui a envoyé un SMS d’excuses. La trahison de la soi-disant amie de Stormy et de son premier avocat donne du crédit à son accusation selon laquelle elle a été arnaquée par tout le monde. LE TROISIÈME MARI DE STORMY Stormy Daniels avec la réalisatrice Sarah Gibson dans le hall du Stateside Theatre du SXSW (vendredi 8 mars). (Photo de Connie Wilson). Tout au long du documentaire présenté à SXSW, l’amour et l’inquiétude de Stormy pour son troisième mari, Brendon Miller, et sa fille sont évidents. Le mari de Stormy a assumé la responsabilité principale des soins et de l’alimentation de leur fille lorsque Stormy a participé à des concerts, notamment lors de sa tournée «Making America Horny Again». Lors d’une de ces tournées, elle a été arrêtée au Siren’s Club à Columbus, Ohio. Deux policières ont assisté à son spectacle, se sont bien amusées, puis ont contacté les autorités pour la faire arrêter pour agression (navigation de plaisance). Les accusations ont été abandonnées dans les 24 heures lorsqu’il est devenu évident que les deux hommes étaient des partisans de MAGA. Le procès de Stormy contre la ville de Columbus lui a valu une indemnité de 450 000 $ lorsque la partialité des agents a été révélée. Il y a eu un incident à la frontière canadienne lorsque la patrouille frontalière a déclaré qu’elle ne pouvait pas entrer dans le pays parce qu’elle avait 17 accusations d’agression dans son dossier du FBI. Le dossier FBI de Stormy avait été falsifié. Cela s’est produit pendant la présidence de Trump. C’est encore un autre exemple de la raison pour laquelle Michael Cohen, qui est allé en prison pour avoir versé de l’argent à Stormy Daniels, lui a envoyé un texto et lui a dit qu’il était sérieusement inquiet pour sa sécurité à l’approche de la date du procès du 25 mars. De telles craintes ont empêché Mme Daniels de fouler le tapis rouge. Elle est arrivée en retard avec quatre gardes du corps costauds. Les photos de Stormy Daniels sur scène montrent une femme très stressée. Elle a fondu en larmes à certains moments. Elle a été menacée continuellement depuis le rendez-vous avec Trump en 2011. Ces menaces se sont intensifiées à mesure que
Dev Patel l’écrase au SXSW avec “Monkey Man”
Gardez votre pop-corn car SXSW vient de recevoir une sérieuse dose d’adrénaline ! Nous parlons de la première mondiale de « Monkey Man SXSW », le premier film de nul autre que Dev Patel, le mec qui a volé nos cœurs dans « Slumdog Millionaire ». Et laissez-moi vous dire que ce n’est pas le film de bien-être de votre maman. Patel ne se contente pas de réaliser et de produire « Monkey Man », il est aussi la star, et disons simplement qu’il se déchaîne comme si de rien n’était ! Le film lui-même ? Une montagne russe brutale et émotionnelle sur un gars nommé Kid cherchant à se venger de la mort de sa mère. Pensez aux ruelles sombres, aux bagarres sanglantes et à tout un tas de courage. Et devine quoi? Le Paramount Theatre d’Austin est devenu absolument fou (jeu de mots) pour cela ! La foule était si déchaînée qu’elle a pratiquement ovationné Patel. Oui, tu as bien entendu. Debout. Ovation. Pour un réalisateur débutant ! Mais voilà : ce film n’est pas né avec une cuillère en argent. Apparemment, Patel a versé son sang, sa sueur et probablement quelques larmes pour le réaliser. Il a même plaisanté en disant que les internautes se demandaient s’il avait disparu de la surface de la Terre ! Eh bien, considérez-le de retour et plus méchant que jamais. Voici le scoop sur le parcours du film, directement de la bouche de Patel : tourné dans le plus grand bidonville d’Inde, Covid a mis un frein majeur aux travaux, et tout ce qui pouvait mal tourner, eh bien, a mal tourné. Mais alors, entrez le super-héros Jordan Peele ! Oui, le génie comique derrière « Get Out » a vu le potentiel de « Monkey Man » et est intervenu comme un sauveur du cinéma. Peele a même changé de studio pour aider à projeter ce film sur grand écran ! En parlant d’inspiration, Patel a eu envie de films d’action après avoir regardé des films de Bruce Lee lorsqu’il était enfant. Il voulait créer quelque chose de brut, quelque chose de réel, quelque chose qui montre les luttes et les triomphes des opprimés. Et c’est exactement ce que propose « Monkey Man ». Patel lui-même ? Il décrit le protagoniste du film, Kid, comme quelqu’un qui « n’a pas de boutade pour chaque scénario, n’est pas le plus gros mec de la pièce et n’a pas l’air de gagner ». Semble familier? C’est parce que Patel lui-même s’est probablement senti plus d’une fois comme cet outsider. Mais voici la beauté de « Monkey Man » : c’est une histoire sur le dépassement de ces sentiments, sur la recherche de force dans des endroits inattendus et sur le pouvoir de l’unité. De plus, il y a des séquences d’action vraiment époustouflantes qui vous tiendront sur le bord de votre siège. Oh, et ai-je mentionné que Patel est devenu une figurine humaine pendant le tournage ? Il s’est cassé le pied deux semaines avant le tournage, puis s’est cassé la main pendant le tournage (on peut même voir le bandage dans le film !). Parlez de dévouement! Alors, quel est le verdict ? “Monkey Man” est un incontournable pour tous ceux qui aiment l’action, le drame et les bonnes histoires d’outsider. De plus, voir Dev Patel donner un coup de pied à l’écran ? Cela vaut le prix d’entrée. Marquez vos calendriers pour le 5 avril car ce film sort en salles et ça va être un coup de grâce ! Source : Date limite
SXSW 2024 : Switch Up Review : des montagnes russes de rires et d’amour
Si vous vous êtes déjà demandé ce qui se passe lorsque le monde d’un homme riche est bouleversé plus vite que vous ne pouvez parcourir votre collection de montres, alors « Switch Up », la nouvelle comédie dramatique de Tara Pirnia, pourrait bien être votre confiture. Attachez votre ceinture, car nous faisons une balade hilarante avec Ricardo de la Cruz (Cristian de la Fuente), un animateur de talk-show dont la vie passe très vite du luxe à « vivre dans une boîte en carton ». Le bon: Ce film ne fait pas perdre de temps. Les blagues volent comme des confettis lors d’une fête, avec un esprit vif qui nous a fait rire tout au long. La meilleure partie? L’humour est pertinent. Nous avons tous ressenti cette rage envieuse envers quelqu’un affichant sa richesse (comme la collection de montres ridiculement chères de Ricardo). Les coups comiques frappent fort dans ce film, comme un match pour le titre des poids lourds dans une cantine de lycée. Les plaisanteries entre Ricardo et son ennemi juré, Fernando, ressemblent à un combat verbal, et les blagues atterrissent avec précision et timing. Leurs coups sont brutaux mais hilarants, et toute la phrase « tu as l’air plus jeune à la télé » ? Classique! Il y a une belle tournure avec la productrice de Ricardo, Marie (Shondrella Avery), que nous ne gâcherons pas ici, mais disons simplement qu’il s’agit d’une performance qui vole la scène. Ricardo, joué par le suave Cristian De La Fuente, respire la fraîcheur et le charisme, vous donnant envie de le soutenir même lorsque son privilège de milliardaire brille un peu trop fort. Cristian de La Fuente est aussi doux que du beurre que Ricardo. Il commence comme un gars arrogant et très réussi, mais le scénario lui permet intelligemment de conserver ce charme même lorsqu’il n’a pas de chance. Alors que l’intrigue s’épaissit et que la vie de Ricardo plonge, le rythme du film reste constant, sans jamais perdre son élan. Même dans les moments les plus sombres, l’écriture précise et pleine d’esprit vous permet de rester engagé et de vous divertir. Le portrait de Cassie par Julieth Restrepo apporte une présence fondamentale au chaos, équilibrant l’humour avec une sincérité sincère. Son personnage sert de point d’ancrage dans la mer orageuse de troubles de Ricardo. Le film n’hésite pas à explorer des thèmes plus profonds comme le sans-abrisme et les luttes de la communauté Latinx. Le voyage de Ricardo, de la richesse aux haillons, est à la fois humoristique et poignant, offrant un aperçu de la résilience de l’esprit humain. D’accord, donc Ricardo touchant le fond et vivant dans une boîte en carton, c’est un peu dramatique. Mais bon, ça nous fait sympathiser avec le gars ! Le film ne craint pas les luttes liées aux sans-abri, et la camaraderie que Ricardo trouve avec un collègue vétérinaire nommé Charlie (Jeff Fahey) est touchante. Le mauvais: Le rythme rapide et le style de plaisanterie du film semblent plus adaptés à une sitcom qu’à un long métrage. Cela pourrait vous donner envie d’un peu plus de profondeur dans certaines scènes. Bien que l’humour et le rythme du film soient excellents, il y a des moments où l’intrigue semble un peu prévisible, en particulier lors de la transition de Ricardo de la richesse aux haillons. Les rebondissements, bien que divertissants, ne vous prennent pas toujours au dépourvu autant que vous le souhaiteriez. Certaines scènes, en particulier celles impliquant Maria prise en otage, n’ont pas le même punch comique que les moments précédents du film. Le changement de ton semble parfois discordant, vous sortant de l’expérience immersive. Et puis il y a le nom du chien. Bien que cela puisse être conçu comme un clin d’œil à « The Walking Dead », cela apparaît un peu trop sur le nez, à la limite du cliché. Dernières pensées: “Switch Up” est une délicieuse aventure à travers les hauts et les bas de la vie, de l’amour et du rire. C’est un film amusant et réconfortant avec beaucoup de cœur (et de commentaires sociaux… en quelque sorte). Même si l’intrigue ne vous surprendra peut-être pas, l’écriture soignée et les performances hilarantes vous divertiront. Avec son écriture pointue, ses performances stellaires et son message de rédemption réconfortant, c’est un film qui vous laissera certainement sourire. Même s’il n’est pas sans défauts, les bons l’emportent de loin sur les mauvais. Alors prenez votre pop-corn, attachez votre ceinture et préparez-vous pour une balade folle avec « Switch Up ». Ne vous attardez pas trop sur les parties prévisibles et le nom douteux du chien. Changer Agissant – 7/10 Cinématographie/Effets visuels – 8/10 Intrigue/Scénario – 7/10 Cadre/Thème – 7/10 Observabilité – 9/10 Re-regardabilité – 7/10
American Dreamer Review : des ambitions notables qui manquent la cible
Rêveur américain, réalisé par Paul Dektor dans son premier long métrage et écrit par Theodore Melfi, se positionne dans le domaine de la comédie noire, un genre connu pour sa capacité à tirer l’humour de situations que d’autres pourraient trouver désespérées ou moroses. S’appuyant sur un scénario qui captive au départ en raison de son principe original et d’un casting d’ensemble mettant en vedette Peter Dinklage et Shirley MacLaine, le film cherche de manière ambitieuse à offrir à la fois des rires et des observations poignantes sur la quête américaine du bonheur et l’idée d’accession à la propriété. Cependant, il livre finalement un sac mélangé qui laisse le public aux prises avec un potentiel inexploité et un sentiment de déséquilibre entre ses éléments comiques et dramatiques. Le bon: Au coeur de Rêveur américain est le Dr Phil Loder, décrit avec le charme et la profondeur caractéristiques par Dinklage, un professeur adjoint d’économie de bas niveau avec de grandes aspirations mais une situation de vie loin d’être grandiose. Ses désirs se manifestent en un désir presque palpable lorsque l’opportunité de sa vie se présente : la chance d’acheter un vaste domaine pour une somme absurdement petite à Astrid, une veuve solitaire jouée par la vénérable Shirley MacLaine. La prémisse est pleine de potentiel, tirant parti d’un crochet narratif classique qui promet de l’intrigue, de l’humour et éventuellement une touche sombre. Le portrait d’Astrid par MacLaine mélange un humour ironique avec des couches de tristesse, offrant un contrepoint à l’optimisme frénétique de Loder. Les scènes partagées par Dinklage et MacLaine sont parmi les plus fortes du film, faisant allusion à une profondeur et à une nuance que le reste du film a du mal à maintenir de manière cohérente. Les personnages secondaires interprétés par Kim Quinn, Danny Pudi, Danny Glover et Matt Dillon s’ajoutent à la riche tapisserie du film, même si leurs performances donnent souvent l’impression qu’ils sont confinés par les limites du scénario, incapables d’explorer pleinement ou de se libérer des moules stéréotypés. Le mauvais: Où Rêveur américain faiblir est dans son exécution du genre de la comédie noire. Malheureusement, il ne parvient pas à maintenir un équilibre tonal stable. Les éléments comiques du film se heurtent parfois maladroitement à ses tentatives de profondeur, laissant le spectateur incertain s’il doit rire ou contempler les fondements les plus sombres du récit. De plus, alors que la prémisse promet une plongée profonde dans les absurdités et le désespoir inhérents au rêve américain, en particulier l’obsession de la propriété, l’intrigue vire parfois dans les domaines de l’invraisemblable sans l’esprit ou l’acuité satirique requis pour ancrer de tels détours. Le réalisateur Paul Dektor fait un vaillant effort dans ses débuts, présentant des moments d’une véritable beauté et intelligence cinématographique. Cela se remarque particulièrement dans son utilisation du cadrage et de la couleur. Le rythme du film et certains développements de l’intrigue nuisent à l’impact et à la cohérence d’ensemble. Le scénario de Theodore Melfi comporte des dialogues brillants, vifs, intelligents et révélateurs. Le récit ne parvient pas à maintenir la cohérence et la concentration nécessaires pour réaliser pleinement ses ambitions thématiques. De plus, la fin du film semble quelque peu abrupte, laissant plusieurs fils narratifs non résolus et les arcs des personnages semblant incomplets. Il s’agit peut-être d’un choix intentionnel, conçu pour refléter la nature souvent incertaine de la vie et la nature insaisissable des rêves. Cependant, cela crée également du mécontentement, car le voyage manque de récompense concluante ou de jugement moral. Dans l’ensemble: Rêveur américain réussit sur plusieurs fronts. Il présente une histoire unique inspirée d’un segment de l’émission de radio This American Life. Il présente également des performances d’un casting sans aucun doute talentueux, et comporte des moments d’humour et de perspicacité authentiques. Mais ses difficultés avec le ton, le rythme et le développement des personnages limitent son potentiel. Rêveur américain est un film avec des ambitions notables et une configuration convaincante qui, malheureusement, ne fait pas tout à fait mouche. Il s’agit cependant d’un début décent pour le réalisateur Paul Dektor. Il contient des performances que les fans du casting apprécieront probablement. Ceux qui recherchent une comédie noire équilibrée risquent d’être déçus. Revue du rêveur américain Agissant – 6,5/10 Cinématographie/Effets visuels – 5/10 Intrigue/Scénario – 4/10 Cadre/Thème – 4/10 Observabilité – 5/10 Re-regardabilité – 4/10
Revue imaginaire : un film d’horreur que vous voudrez oublier
Lorsqu’il s’agit d’horreur surnaturelle, le concept de peurs de l’enfance se manifestant par des horreurs tangibles à l’âge adulte présente une voie propice aux récits effrayants et à une exploration psychologique intense. C’est donc une déception que Jeff Wadlow Imaginaire ne parvient pas à capitaliser sur son principe prometteur, livrant un film qui semble sous-développé et insatisfaisant. Le film est centré sur Jessica (jouée par DeWanda Wise), qui déménage dans la maison de son enfance avec ses belles-filles, Alice (Pyper Braun) et Taylor (Taegen Burns), et son mari, Max (Tom Payne). Parmi les reliques de son passé, Jessica découvre Chauncey, un ours en peluche qui fut autrefois sa confidente. Ce qui commence comme une découverte nostalgique se transforme rapidement en cauchemar alors que Chauncey se révèle avoir un lien sinistre avec l’enfance de Jessica et commence à terroriser la famille. Sur papier, le concept a le potentiel d’approfondir les impacts psychologiques des traumatismes de l’enfance et la manière dont ils façonnent nos réalités en tant qu’adultes. Malheureusement, l’exécution manque de profondeur et de cohérence, rendant le film plus frustrant qu’effrayant. L’un des principaux problèmes liés à Imaginaire réside dans le développement de son caractère, ou plutôt dans son absence. Jessica, conçue comme la protagoniste, est étonnamment plate et peu engageante. Le récit fournit peu de matériel avec lequel DeWanda Wise peut travailler, malgré ses talents, ce qui donne lieu à une performance déconnectée des enjeux élevés décrits dans l’histoire. Ce détachement émotionnel imprègne l’ensemble du casting, aucune des relations ou interactions ne se sentant véritablement percutante ou crédible. Alice et Taylor, les enfants pris entre deux feux de la colère de Chauncey, sont particulièrement mal servis par le scénario. Plutôt que de proposer un regard nuancé sur leur terreur ou leur lien face à l’adversité, le film opte pour des représentations superficielles qui laissent le public indifférent à leur sort. Il s’agit d’un grave faux pas pour un genre qui s’appuie souvent sur un fort engagement des personnages pour amplifier ses frayeurs. Le portrait de Max par Tom Payne est tout aussi oubliable. L’expérience du personnage en tant que musicien ajoute peu à l’histoire ou à la dynamique familiale. Ceci est symptomatique du problème plus large du film avec les détails – il y en a beaucoup, mais peu semblent avoir de l’importance ou contribuer au récit ou à l’atmosphère globale. Le plus décevant est peut-être la gestion de l’antagoniste du film, Chauncey. L’idée d’un jouet d’enfance devenu malveillant aurait pu constituer un antagoniste unique et profondément troublant. Au lieu de cela, le film tombe dans le piège de s’appuyer sur des clichés d’horreur et des frayeurs prévisibles qui ne parviennent pas à susciter une véritable terreur ou intrigue. Les éléments de production d’Imaginary ne font pas grand-chose pour sauver l’expérience. La cinématographie et la conception de la production, bien que compétentes, ne font rien pour améliorer l’ambiance ou la tension du film. Ils semblent remarquablement génériques. Il ne parvient pas à utiliser le support visuel pour approfondir l’horreur psychologique. Compte tenu du matériel thématique potentiellement riche fourni par le principe, il s’agit d’une opportunité d’exploration manquée importante. De plus, le film souffre de problèmes de rythme, avec une structure narrative qui semble parfois décousue et sans but. Le point culminant semble prévisible et non mérité. Ce manque de cohésion narrative rend l’expérience visuelle non seulement décevante mais parfois laborieuse. Le réalisateur Jeff Wadlow, malgré son ambition, semble incapable de marier le potentiel conceptuel du film avec sa réalisation. Le scénario a nécessité une phase de développement plus rigoureuse pour affiner ses personnages. Il fallait également clarifier ses thèmes et construire un arc narratif plus convaincant. L’implication de Blumhouse fait ImaginaireLes défauts sont encore plus déroutants. Imaginaire est un film d’horreur surnaturel qui gaspille ses prémisses intrigantes sur une exécution terne et un développement superficiel des personnages. Le film manque de profondeur et d’originalité, s’appuyant sur des frayeurs génériques au lieu d’explorer les peurs de l’enfance. Malgré un casting talentueux, Imaginaire ne parvient pas à avoir un impact significatif. Il s’agit finalement d’une entrée inoubliable dans le genre de l’horreur. Pour le public à la recherche d’une expérience cinématographique véritablement effrayante et stimulante, Imaginaire est peu susceptible de satisfaire. Agissant – 5/10 Cinématographie/Effets visuels – 5/10 Intrigue/Scénario – 3/10 Cadre/Thème – 2/10 Observabilité – 2/10 Re-regardabilité – 1/10
Tous les gagnants des Oscars 2024
Après une année de réalisation cinématographique phénoménale et innovante, les lauréats des Oscars 2024 sont enfin là pour nous dire ce que nous savons déjà : ce fut une grande année pour le cinéma. Mais il ne s’agit pas uniquement d’opinions personnelles sur ce qui fait un bon film. Il s’agit d’équipes travailleuses en coulisses, d’acteurs talentueux et de passion pour le médium. Les Oscars mettent en lumière certaines des personnes les plus talentueuses, et nous avons enfin nos gagnants ! Alors, examinons la liste des gagnants des Oscars 2024 et voyons qui a remporté l’or de la 96e cérémonie des Oscars organisée par Jimmy Kimmel ! Les nominés aux Oscars 2024 qui ont gagné gros La plupart des adeptes de la saison des récompenses avaient de grandes prédictions pour Oppenheimer et pour de bonnes raisons. Le film a remporté 13 nominations, y compris dans les plus grandes catégories. Juste derrière dans les nominations étaient Pauvres choses, tueurs de la lune fleurie, et puis Barbie à la traîne. Sans surprise, la plupart des films ont remporté des prix bien mérités, notamment Pauvres choses et Oppenheimer remportant chacun plusieurs prix. La zone d’intérêt a été un autre grand gagnant de la soirée, remportant deux victoires. Il n’y a eu aucune folle surprise avec aucune des victoires. Certaines courses étaient trop serrées pour être annoncées avant le début de la soirée, mais Cillian Murphy pour le meilleur acteur et Emma Stone pour la meilleure actrice étaient passionnantes à voir en direct. Pourtant, la victoire de Lily Gladstone aurait marqué l’histoire et cela aurait été agréable de la voir sur scène. Image via Searchlight Pictures. Faits saillants de la cérémonie des Oscars Les lauréats des Oscars 2024 sont le point culminant de la soirée, mais la cérémonie est une autre raison importante pour laquelle les fans se rassemblent pour regarder. La cérémonie de cette année n’a pas manqué de moments passionnants, de grands discours et de belles performances. La cérémonie a ramené une vieille tendance selon laquelle les anciens lauréats remettaient les prix dans les catégories d’acteur. Cela a permis de mettre en lumière des rôles incroyables tout en faisant ressortir certains de nos précédents gagnants préférés, notamment Christoph Waltz, Nicholas Cage, Jessica Lange, Jennifer Lawrence, et plus encore. L’un des événements les plus attendus de la soirée a été la performance de Ryan Gosling de « I’m Just Ken » de Barbie. La star n’a pas déçu, amenant des dizaines de Kens sur scène et faisant lever tout le monde de son siège. Un autre moment fort de la cérémonie a été l’inclusion de Messi, la nouvelle star canine, sur le tapis rouge. Messi a été un joueur clé dans Anatomie d’une chute et aurait remporté le prix du meilleur garçon s’il y en avait eu un. Il a été ramené pour la fin de la cérémonie, où l’animateur Jimmy Kimmel a poursuivi sa tendance à se moquer de Matt Damon à chaque occasion en faisant pipi à Messi sur l’étoile de Damon sur le Walk of Fame. La liste complète des gagnants des Oscars 2024 Meilleure image Fiction américaine Anatomie d’une chute Barbie Les restes Tueurs de la Lune des Fleurs Maestro Oppenheimer – GAGNANT Vies antérieures Pauvres choses La zone d’intérêt Meilleure réalisation Justine Triet (Anatomie d’une chute) Martin Scorsese (Les Tueurs de la Lune Fleurie) Christopher Nolan (Oppenheimer) – GAGNANT Yorgos Lanthimos (Les pauvres choses) Jonathan Glazer (La zone d’intérêt) Meilleur acteur dans un rôle principal Bradley Cooper (Maestro) Colman Domingo (Rustin) Paul Giamatti (Les Holdovers) Cillian Murphy (Oppenheimer) – GAGNANT Jeffrey Wright (fiction américaine) Meilleure actrice dans un rôle principal Annette Bening (Nyade) Lily Gladstone (Les Tueurs de la Lune des Fleurs) Sandra Hüller (Anatomie d’une chute) Carey Mulligan (Maestro) Emma Stone (Les pauvres choses) Meilleur acteur dans un second rôle Sterling K. Brown (fiction américaine) Robert De Niro (Les Tueurs de la Lune des Fleurs) Robert Downey Jr. (Oppenheimer) – GAGNANT Ryan Gosling (Barbie) Mark Ruffalo (Les pauvres choses) Meilleure actrice dans un second rôle Emily Blunt (Oppenheimer) Danielle Brooks (La couleur pourpre) Amérique Ferrera (Barbie) Jodie Foster (Nyade) Da’Vine Joy Randolph (The Holdovers) – GAGNANT Meilleure écriture (scénario adapté) Fiction américaine – GAGNANT Barbie Oppenheimer Pauvres choses La zone d’intérêt Meilleure écriture (scénario original) Anatomie d’une chute – GAGNANT Les restes Maestro mai décembre Vies antérieures Meilleur film d’animation Le Garçon et le Héron – GAGNANT Élémentaire Nimone Rêves de robots Spider-Man : à travers le Spider-Verse Meilleur long métrage documentaire Bobi Wine : Le Président du Peuple La mémoire éternelle Quatre filles Tuer un tigre 20 jours à Marioupol – GAGNANT Meilleur long métrage international Je suis capitaine (Italie) Jours parfaits (Japon) Société de la Neige (Espagne) Le salon des professeurs (Allemagne) La Zone d’Intérêt (Royaume-Uni) – GAGNANT Meilleur court métrage d’animation Lettres à un cochon Quatre-vingt-quinze sens Notre uniforme Pachyderme La guerre est finie! Inspiré par la musique de John & Yoko – GAGNANT Meilleur court métrage d’action réelle L’après Invincible Chevalier de Fortune Rouge, blanc et bleu La merveilleuse histoire d’Henry Sugar – GAGNANT Meilleur court métrage documentaire L’ABC de l’interdiction des livres Le Barbier de Little Rock Île entre les deux Le dernier atelier de réparation – GAGNANT Nǎi Nai et Wai Po Meilleure cinématographie Compter Tueurs de la Lune des Fleurs Maestro Oppenheimer – GAGNANT Pauvres choses Meilleure conception de costumes Barbie Tueurs de la Lune des Fleurs Napoléon Oppenheimer Pauvres choses – GAGNANT Meilleur maquillage et coiffure Golda Maestro Oppenheimer Pauvres choses – GAGNANT Société de la Neige Meilleure chanson originale “The Fire Inside” de Flamin’ Hot (musique et paroles de Diane Warren) « Je suis juste Ken » de Barbie (musique et paroles de Mark Ronson et Andrew Wyatt) “It Never Went Away” de American Symphony (musique et paroles de Jon Batiste et Dan Wilson) «Wahzhazhe (A Song for My People)» de Killers of the Flower Moon (musique et paroles de Scott George) «Pourquoi étais-je fait?» de Barbie (Musique et paroles de Billie Eilish et Finneas O’Connell) – GAGNANT Meilleure musique
Première mondiale de « 7 Beats Per Minute » au SXSW 2024
Le documentaire « 7 Beats Per Minute », réalisé par le réalisateur canado-chinois-mongol Yuqi Kang, a eu sa première mondiale le 8 mars.ème, vendredi, premier jour de SXSW. Yuqi Kang, le réalisateur de « A Little Wisdom », nous offre un magnifique film. Chaque image de cette histoire sur les apnéistes est superbement composée. C’est une promenade à travers une exposition de peintures ou de photographies de classe mondiale, avec une cinématographie experte supervisée par Kalina Bertin et Alex Lampron. Le documentaire suit l’apnéiste chinois Jessea Lu (Lu Wenjie) alors qu’elle tente de battre le record du monde d’apnée. Jessea a remporté 15 médailles d’or en compétition internationale. Elle semble avoir envie d’aller plus loin et de se forcer « si près de la mort et si près de l’abîme ». Pour les non-initiés, l’apnée apparaît moins comme un sport qu’une pulsion suicidaire. Jessea Lu s’entraîne à retenir sa respiration pendant de longues périodes, mais lors de sa tentative de record du monde de plongée, elle reste inconsciente pendant près de 8 minutes après avoir atteint la surface. 7 battements par minute Son expérience de mort imminente l’amène à revenir sur les lieux de ce qu’elle appelle sa « renaissance » aux Bahamas, au Blue Hole. Elle a même changé sa date de naissance sur les réseaux sociaux en indiquant la date à laquelle elle a failli mourir. La cinéaste Yuqi Kang a suivi Jessea Lu dans sa quête pendant cinq ans. Ils sont devenus proches et Yuqi lui a même servi de plongeuse de sécurité aux Bahamas. Tout au long du documentaire, Yuqi demande à Jessea Lu de répondre à la question « Quel est ce besoin d’approfondir ? » LE BON Les images de « 7 Beats Per Minute » sont d’une beauté phénoménale. Ils sont absolument frappants. Qu’il s’agisse de Jessea Lu debout sur une falaise surplombant l’océan ou de la lune dans un ciel sombre et nuageux, chaque image est magnifiquement composée et photographiée. La musique originale (Frannie Holder, Mario Sévigny, Lauren Belec) et la conception sonore (Sasha Ratcliffe), qui rappellent les bruits des baleines, contribuent à l’attrait du documentaire. LE MAUVAIS Les personnages entrent dans le cadre et parlent sans introduction. Il n’y a aucune identification de qui est Francesca, ni de qui Kirk, (à l’écran faisant plusieurs déclarations douteuses) pourrait être. Nous apprenons finalement que Kirk dirige l’école pour former des plongeurs de sécurité. Ainsi, la magnifique photographie est d’une beauté à couper le souffle. L’attention portée aux détails de qui parle à un moment donné : moins impressionnante. Il y a quelques sous-titres pour le chinois parlé, mais une grande partie du film est en anglais. LE PSYCHOLOGIQUE Jessea Lu et Yuqi Kang dans « 7 Beats Per Minute » au SXSW 2024. La plongée proche de la mort en 2018 est le point culminant dramatique du film. Il semble étrange qu’après que Jessea Lu ait failli mourir en essayant de battre le record du monde et reste là, sur le pont, inconsciente pendant 8 minutes, que le film montre plus tard l’équipe célébrant ce jour comme sa « renaissance ». Jessea Lu a même changé sa date de naissance sur ses plateformes de réseaux sociaux pour refléter le jour où elle a failli mourir aux Bahamas. Bien sûr, elle A FAIT survivre et, par conséquent, c’est un jour heureux pour elle, mais l’est-il vraiment ? La question de savoir ce qui pousse Jessea Lu à plonger toujours plus profondément trouve une réponse partielle dans sa réponse selon laquelle elle se sent en sécurité et satisfaite dans l’océan. Son existence diminue lorsqu’elle est dans l’eau. Elle se sent particulièrement en sécurité lorsqu’elle est entourée des plongeurs de sécurité qui accompagnent un apnéiste jusqu’à la surface. Ils lui ont sauvé la vie. La question de l’état émotionnel de Jessea Lu ne se pose pas immédiatement. Jessea Lu explique que son objectif en apnée (qu’elle n’a commencé à pratiquer comme sport qu’à l’âge de 30) est « de m’aider à avoir une vie plus agréable ». Jessea Lu est titulaire d’un doctorat en pharmacologie, mais elle semble avoir besoin d’un autre significatif dans sa vie. Elle décrit « 20 ans de lutte dans mon cœur ». Elle nous effraie en parlant de la façon dont l’océan, comme le liquide amniotique qui soutient un enfant avant sa naissance, pourrait « inviter les enfants oubliés à revenir ». HISTOIRE DE FAMILLE Jessea Lu raconte sa première tentative de suicide à l’âge de six ans. Issue de l’enfance chinoise, sa mère et son père se sont séparés quand elle était jeune. Quand Jessea avait huit ans, sa mère lui a dit qu’elle se porterait mieux si Jessea Lu était morte. Les mots qui décrivent Jessea Lu sont « solitaire » et « le cœur brisé ». Jessea Lu dit : « J’ai toujours été malheureuse en grandissant. » Elle décrit des violences verbales et physiques. Jessea Lu n’a reçu aucun câlin de sa mère et est décrite comme une âme brisée. Elle veut que quelqu’un comble ce vide de son enfance, cherchant de manière obsessionnelle quelqu’un qui soit constamment à son côté, la protégeant et la défendant. Pour survivre aux premiers abus psychologiques, Jessea Lu a appris à se concentrer sur sa survie. Les propos blessants de sa mère l’ont blessée. Jessea Lu a porté cette capacité à se concentrer sur la survie vers de nouveaux sommets (ou profondeurs) via la plongée en apnée. Elle demande à Yuqi de devenir son plongeur de sécurité ; Yuqi est d’accord. Plus tard, Yuqi se demandera si une ligne a été franchie entre le réalisateur et le sujet en disant : « Peut-être suis-je devenu un intrus, émotionnellement coincé dans un endroit sombre… Je me sens coincé, mais j’avance avec Jessea Lu parce que nous sommes une équipe. Yuqi dit à Jessea Lu : “Je suis là pour te soutenir, mais à un moment donné, cela devient trop.” La voix de Yuqi semble très irritée. CONCLUSION A la fin du film, Jessea Lu (qui dit qu’elle n’a
SXSW 2024 : intrigues du Resynator | Le blog du cinéma
Alison Tavel a réalisé un documentaire intrigant présenté en première le 10 mars 2024 au SXSW sur l’invention de son père, le Resynator, l’un des premiers synthétiseurs, une avancée pionnière dans la musique électronique. Son père, Don Tavel, alors âgé de 36 ans, est décédé dans un accident de voiture en 1988 alors qu’Alison avait 10 semaines. Don, un pionnier dans le domaine de la musique électronique, était un pionnier génial dans l’avancement de la musique électronique. Don Tavel a commencé à travailler sur le Resynator à l’âge de 25 ans après avoir obtenu son diplôme de l’Université de l’Indiana. Il jouait de 17 instruments différents. Un professeur de musique au Département d’ingénierie de la musique électronique de l’Université de l’Indiana a qualifié l’invention de Tavel de « moment charnière pour la technologie musicale ». L’objectif de Don était de repousser les limites musicales et de créer un moyen permettant à un musicien de « jouer » ou de chanter dans la machine et de la modifier électroniquement de manière à conserver également un semblant de voix ou d’instrument d’origine du musicien, contrairement à d’autres synthétiseurs qui simplement imite le son d’un instrument ou d’une voix particulière. Resynator au SXSW 2024 Alison travaille pour la chanteuse/compositrice Grace Potter. Au cours de ce voyage dans le temps pour tenter de découvrir qui était réellement son père, elle s’entretient avec des musiciens comme Kenny Aronoff (batteur de John Cougar Mellencamp), Peter Gabriel, Ornie McIntyre du Average White Band, Butch Vig (Nirvana, Déchets), Money Mark des Beastie Boys, Fred Armison et Rami Joffee (Foo Fighters). Toute sa vie, Allison a entendu des histoires sur les rencontres de son père avec des artistes célèbres comme Stevie Wonder, BB King, Peter Gabriel et Paul McCartney. Elle n’a jamais su si ces histoires étaient vraies ou simplement des légendes familiales. Le film commence comme un mystère sur l’instrument électronique inventé par Don Tavel. Le Resynator a été abandonné pendant des décennies et a fini par être caché dans une boîte dans le grenier de la mère de Don à Indianapolis, Indiana. Trouver cet « objet perdu semblable à Indiana Jones » commence comme une enquête simple. En utilisant un vieux film familial de son père et en utilisant la voix off, Alison partage les nombreuses histoires familiales positives sur son père primé. Ensuite, les choses prennent une tout autre tournure. Les informations partagées par les anciens amis, la famille et les collègues de Don mènent à un endroit très sombre et créent une histoire réelle, brute et honnête. Il y a tellement de choses sur la famille de Don qui, à mesure qu’elles émergent, nous laissent perplexes. Par exemple, Don avait un frère jumeau identique, Ron – RJ – mais Alison ne l’a jamais rencontré. En fait, lorsque Ron, 64 ans, rencontre Alison pour la première fois, il lui dit : « Quand Don est mort, notre mère m’a exclu de sa vie. » Qui fait ça ? Pourquoi quelqu’un ferait-il ça ? Pas de réponse. La grand-mère d’Alison, Kitty Tavel, dit : « Lorsque vous franchissez cette porte, si vous faites le bien, cela nous rejaillit. Si vous faites honte, nous partageons votre honte. C’est une matriarche imposante, mais peu chaleureuse. Alison admet : « Il y avait tellement de choses dont je ne pouvais pas parler avec grand-mère Kitty. » (maintenant décédé.) Money Mark (Beastie Boys) et Alison Tavel avec le Resynator. Pour la première fois, Alison apprend des choses peu positives sur son père génial. Son tempérament changeant n’avait jamais été évoqué auparavant. Les lettres que Don a laissées disent : « Je ne dois pas me permettre de gâcher la dernière moitié de ma vie. Je me suis senti mal aimé toute ma vie… Au lieu d’amour, j’ai reçu des récompenses. Je n’ai jamais réussi à te faire m’aimer. Ces aperçus déchirants de la psyché de Don Tavel font pleurer la mère d’Alison, Tamara. Alison finit par emmener le Resynator jusqu’à Minca, en Colombie, pour le réparer et, plus tard, dans des lieux tels que le salon NAMM, où il a été présenté en 1980, 44 ans plus tôt. On apprend que seuls 2 Resynators complètement fonctionnels ont été fabriqués, alors qu’il y avait 6 prototypes et 200 ont été commandés, mais non produits (3 commandés par Peter Gabriel). Ses collègues racontent comment Don a semblé perdre son enthousiasme pour le projet après un voyage à Londres en 1982 pour faire une démonstration de l’instrument à Paul McCartney. Les frictions entre Tammy et Don sont pleinement révélées à Alison pour la première fois. Nous entendons plus de questions que de réponses. À différents moments, une animation intelligente est utilisée pour combler les lacunes de l’histoire.. Danny Madden a fait un excellent travail d’animation et la musique, supervisée par Chris Ruggiero, est excellente. L’audio du père d’Alison chantant « A Song for You » de Leon Russell à la fin du film est particulièrement touchant. Ce documentaire a été une véritable révélation ; le synopsis ne fait aucune allusion aux rebondissements à venir. Don Tavel a eu un accident de voiture le 28 novembre 1988. Il a été déclaré en état de mort cérébrale le 3 décembre 1988. Alison venait d’atteindre l’âge de 2 mois et demi le 14 septembre 1988. De toute évidence, sa vie a grandi avec sa mère et son beau-père. Alen Rosenberg, qui est entré dans sa vie en 1997, était idyllique. CONCLUSION Alison Tavel, directrice de « Resynator » au SXSW 2024. Le documentaire SXSW « Resynator » est à la fois éclairant, informatif et intéressant à deux niveaux : le niveau musical et le niveau psychologique. S’il est vrai que ceux qui s’intéressent uniquement aux origines techniques de la musique électronique pourraient être moins intéressés par les discussions psychologiques, le film d’une heure et 36 minutes vaut bien la peine d’être vu. C’est une réalisation majeure pour Alison Tavel, musicienne/cinéaste. Cela nous fait espérer que le Resynator renaîtra de ses cendres, à la manière du Phénix,
Damsel Review : Un sombre conte de fées magnifiquement dévoilé
À une époque où les frontières entre les récits de contes de fées classiques et la dark fantasy s’estompent, le roman de Juan Carlos Fresnadillo Demoiselle émerge comme une réflexion poignante sur la force, le sacrifice et la survie. Scénarisé par Dan Mazeau, le film se taille un espace unique dans le domaine du cinéma dark fantasy, agrémenté par un casting exceptionnel comprenant Millie Bobby Brown, Ray Winstone, Nick Robinson, Angela Bassett et Robin Wright. En son cœur, Demoiselle est l’histoire de l’esprit indomptable d’une jeune femme prise entre les dents d’une tradition ancienne et d’un danger surnaturel. L’intrigue tourne autour d’Elodie, interprétée avec une profondeur et une résilience remarquables par Millie Bobby Brown, une jeune noble qui entre dans un cauchemar voilé comme un honneur. Prête à épouser le prince Henry (Nick Robinson) dans ce qui semble être un rêve devenu réalité, le récit se transforme rapidement en une sombre histoire lorsqu’elle apprend que son destin n’est pas celui d’une princesse mais celui d’un pion sacrificiel. Le film est une montagne russe d’émotions, ancrée dans la performance de Brown, qui résume à la fois la vulnérabilité et le courage d’Elodie. Sa transformation d’une jeune fille protégée en une formidable survivante est au cœur du film, gagnant l’empathie et l’admiration du public à chaque tour de l’intrigue. La mise en scène de Fresnadillo veille à ce que le rythme narratif garde le public en haleine. Il mélange magistralement les moments de tranquillité avec la pure terreur. Le talent du réalisateur pour créer une tension atmosphérique est palpable. Cela donne vie aux éléments anciens et mystiques de l’histoire d’une manière obsédante. Le décor de la grotte du dragon, où se déroule une partie importante de l’histoire, est rendu avec tant de détails qu’il devient un personnage à part entière, incarnant à la fois la terreur et l’émerveillement de l’inconnu. Le scénario de Dan Mazeau est serré et bien conçu, offrant de nouvelles variantes du trope conventionnel de la « demoiselle en détresse ». En centrant l’histoire sur l’action et la ruse d’Elodie, Mazeau défie les attentes du public. Il livre un récit à la fois stimulant et stimulant. Les dialogues sont vifs, porteurs de poids et de sagesse, notamment dans les interactions entre Elodie et Lady Bayford, interprétée par Angela Bassett. Bassett apporte une férocité digne à son rôle, fournissant un repoussoir complexe à l’innocence et à la détermination d’Elodie. Les performances de soutien ajoutent de la richesse au tissu du film, notamment Ray Winstone dans le rôle du menaçant Lord Bayford. Également Nick Robinson, qui insuffle au prince Henry une vulnérabilité nuancée qui transcende l’archétype du prince de conte de fées. L’alchimie entre les acteurs est palpable. Cela élève les enjeux émotionnels et entraîne le public plus profondément dans le monde sinistre mais enchanteur du conte. La photographie de Larry Fong est un autre point fort. Il capture le contraste saisissant entre l’opulence de la vie noble et la beauté étrange du repaire du dragon. La musique renforce la tension et la profondeur émotionnelle du film. Malgré ses nombreux atouts, Demoiselle n’est pas sans défauts. Le rythme est inégal, surtout dans le deuxième acte, s’attardant trop sur les scènes troglodytes. Bien que ces moments soient cruciaux pour le développement du personnage, un montage plus serré aurait pu maintenir plus efficacement l’élan de l’histoire. De plus, certains peuvent trouver les thèmes sombres et les séquences intenses du film accablants, bien qu’ils fassent partie intégrante de l’impact du récit. Demoiselle se démarque comme une exploration d’une beauté sombre de la force face à des épreuves inimaginables. Le film est une entrée convaincante dans le genre dark fantasy avec des performances stellaires, notamment de Millie Bobby Brown. Il résonne profondément avec son récit stimulant, son développement riche en personnages et ses visuels saisissants. Agissant – 8/10 Cinématographie/Effets visuels – 8/10 Intrigue/Scénario – 7/10 Cadre/Thème – 7/10 Observabilité – 8/10 Re-regardabilité – 7/10