Bien, AVECilyplongeons-nous ! vingt-huit épisodes plus tard, DEPUIS La saison 3, épisode 8, intitulée « Seuils », apporte enfin des réponses tant attendues que nous implorions. Mais comme toute bonne émission policière, chaque réponse ne fait qu’accumuler davantage de questions, transformant les secrets de la ville en un terrier de lapin plus profond que jamais. Cet épisode a servi une assiette pleine de drames familiaux, d’histoire sombre et de révélations sauvages, avec juste une touche de voyage dans le temps pour nous garder tous sur nos gardes. Décomposons tout ce qui s’est passé dans ce chapitre passionnant. Boyd est officiellement notre père de l’année. Dans un moment tendu et sincère, il emmène sa belle-fille Fatima dans un hangar pour la protéger des regards suspects de la ville. “Boyd a l’énergie de son père jusqu’à 11, protégeant les siens même si cela signifie garder Fatima enfermée dans un hangar!” Fatima avoue avoir eu des crises de rage qu’elle ne peut pas expliquer, que Boyd relie instantanément à son propre incident de ver dans la saison 2. Est-elle infectée ou s’agit-il de quelque chose de plus profond ? Boyd ne le sait pas, mais son engagement envers sa sécurité est clair, même si cela signifie la cacher du monde, à la manière d’une recette familiale ! L’aventure chronophage de Julie « Julie peut vraiment voyager dans le temps ! Elle a jeté la corde ! Les scénaristes ont dit : « Vous voulez des réponses ? Voici une tournure qui va vous déranger la tête ! » Puis, dans un rebondissement que personne n’a vu venir, nous voyons Julie voyager dans le temps. Non seulement elle revient sur le moment charnière de la saison 2 avec Boyd et la corde, mais c’est en fait elle qui le lui a lancé ! C’est vrai : l’aventure du voyage dans le temps de Julie la connecte à un réseau de secrets qu’elle ne comprend pas entièrement. Son voyage nous montre les liens profonds entre le donjon effrayant de la ville, les grottes et les mystérieux enfants d’Angkooey, mais nous nous demandons jusqu’où iront ses pouvoirs (ou sa malédiction). Victor renverse le thé sur le garçon en blanc «Victor laisse tomber toutes sortes d’histoires comme s’il attendait de tout se débarrasser de son cœur. Où était ce souvenir des trois dernières saisons ? Victor dévoile enfin son histoire, révélant des secrets comme s’il les avait mis en bouteille depuis trois saisons. Les enfants d’Angkooey, explique-t-il, sont « nés dans le noir et sont morts dans le noir », soi-disant aux mains des personnes qu’ils aimaient le plus. Victor raconte les tentatives infructueuses de Christopher pour les sauver et le pouvoir du mythique Arbre lointain, tout en laissant entendre qu’une histoire encore plus sombre pourrait être au coin de la rue. Mais juste au moment où cela semble clair, la série lance une courbe, révélant que c’est le garçon en blanc – et non Jasper – qui parlait depuis le début. C’est le genre de retour qui ne manquera pas de susciter une controverse parmi les fans. Le rôle d’Elgin dans le mystère « Elgin est toujours là avec son mystérieux Polaroid comme s’il s’agissait d’un défi TikTok à l’ancienne. Où va ce type ? Elgin reste notre énigme résidente. Son étrange attachement à son Polaroid, qui semble prédire un avenir sanglant, ne fait qu’alimenter le mystère. Mais c’est son comportement effrayant autour de Fatima qui fait monter en flèche le facteur de refroidissement de cet épisode. Non seulement il prend une autre photo, mais il persuade aussi Fatima de se cacher. Et quand elle hésite, il l’entraîne lui-même jusqu’à la cave ! L’influence croissante d’Elgin sur les événements de la ville pourrait être synonyme de danger, et à mesure que le générique avance, nous nous demandons quels sombres secrets il découvrira ensuite. Pensées finales Dans « Seuils », DEPUIS s’appuie vraiment sur le mystère époustouflant qu’il fait le mieux, répondant enfin à des questions de longue date tout en nous envoyant sur des chemins encore plus étranges. L’histoire de Boyd a eu ses moments sincères, le choc du voyage dans le temps de Julie ne manquera pas de susciter des théories, et l’histoire de Victor ouvre la porte à un nouveau niveau d’intrigue dans l’histoire de la ville. La tournure du voyage dans le temps soulève autant de questions qu’elle n’en répond, mais s’il y a une chose que les fans savent à propos de cette série, c’est que de la patience (et peut-être un organigramme) est nécessaire. Et avec seulement quelques épisodes restants, nous sommes tous prêts pour la folle aventure à venir. FROM Revue de l’épisode 8 de la saison 3 : rebondissements, surprises et réponses Agissant – 8/10 Cinématographie/Effets visuels – 8/10 Intrigue/Scénario – 7/10 Cadre/Thème – 9/10 Observabilité – 9/10 Re-regardabilité – 6/10 Avis d’utilisateur 0 (0 voix) Résumé L’épisode 8 de la saison 3 offre de grandes révélations, des rebondissements et même des voyages dans le temps. Cet épisode répond enfin à certains des plus grands mystères tout en nous laissant deviner. Continuez à lire pour une ventilation ! Avantages Grandes révélations: Enfin des réponses ! L’histoire de Victor et le voyage dans le temps de Julie ajoutent de nouvelles couches à l’histoire. Arcs de personnages: L’énergie du père de Boyd, l’évolution de Julie et le surprenant « arc Vegeta » de Randall donnent de la profondeur aux personnages. Des rebondissements pleins de suspense: La série laisse les fans deviner avec des retours inattendus et des mystères étranges. Inconvénients Chronologie confuse: Les éléments de voyage dans le temps, bien qu’excitants, ajoutent une couche de complexité qui pourrait perdre certains fans. Reconnaissances: Le renversement de l’intrigue de Jasper semble être une sortie bon marché pour les téléspectateurs de longue date. Des cliffhangers à gogo: Le comportement sommaire d’Elgin et le sort de Fatima nous laissent désespérément en quête d’une solution. Par intérim Cinématographie/Effets visuels Intrigue/Scénario Cadre/Thème Observabilité Rewatchabilité Résumé: DE la saison 3, l’épisode 8 (« Seuils ») apporte enfin des réponses tant attendues,
DE la revue de l’épisode 6 de la saison 3 : « Tissu cicatriciel » déballe les blessures
Dans l’épisode 6 de la saison 3 de FROM, nous plongeons profondément dans les tensions des personnages, les traumatismes non résolus et les mystères étranges qui maintiennent les résidents (et nous) en haleine. L’épisode 6, intitulé Scar Tissue, prend du recul par rapport à l’horreur implacable pour nous montrer combien de cicatrices émotionnelles portent ces personnages. Et ce ne sont pas seulement les personnages qui montrent des blessures de combat ; même les mystères de la ville nous épuisent ! Voyons où va la série après cet épisode 5 paralysant. Tissu cicatriciel : des relations en crise Dès le départ, nous sommes plongés dans le drame relationnel en cours entre Tabitha et Jim. Leur mariage a connu des jours meilleurs. En fait, survivre aux monstres de FROMtown pourrait être plus facile que de réparer ce qui est brisé entre eux. La métaphore du « tissu cicatriciel » fait mouche alors qu’ils affrontent leurs problèmes purulents avec une dispute enflammée. Jim, de manière classique, essaie de réconforter Tabitha, mais elle est à deux secondes de le frapper avec le classique « Boy, bye ! Cette scène nous rappelle que FROM ne concerne pas seulement les monstres mais aussi les gens, qui se retournent parfois les uns contre les autres lorsque les choses deviennent difficiles. L’argumentation de Tabitha et Jim nous fait rire, pleurer et rouler des yeux à la fois. Entreprises de relations publiques, prenez note : « L’amour peut survivre à une attaque de monstre, mais une relation ? Cela demande un vrai travail. Ils continuent de repousser les limites de leur mariage tendu, organisant ce qui sera certainement un reste de saison intense. Jade et Boyd : théories du complot ou indices ? Pendant ce temps, les scènes de Jade et Boyd apportent un soulagement comique indispensable, même si elles dévoilent de sérieux mystères de la ville. Jade, toujours théoricienne de Reddit, est en train de décoder en profondeur la signification des arbres à bouteilles. Lorsqu’il lance des idées – des événements quantiques aux trous de ver – c’est presque comme s’il lisait à haute voix les théories des fans. Boyd, fatigué, l’arrête en le confrontant à la réalité. Enfin, nous voyons des personnages échanger des informations, un changement rafraîchissant par rapport à l’ambiance habituelle du « chacun pour soi ». Lorsque Boyd mentionne un deuxième arbre à bouteilles et laisse tomber le sinistre numéro 1864, on a l’impression que nous sommes sur le point de faire une percée. Entreprises de relations publiques, voilà votre accroche : « Des secrets bien en vue. Jade et Boyd nous rapprochent du cœur sombre de FROMtown. Victor et Henry : un voyage sous la surface Parlons maintenant de Victor et Henry. Victor est calme et hanté, et Henry devient son improbable compagnon. Ils se lancent dans un voyage effrayant dans les tunnels, où la terreur est profonde, au propre comme au figuré. Armé d’hommes de l’armée des années 80, Victor crée un fil d’Ariane, transformant les tunnels en son propre terrain de jeu tordu. La tension ne fait que s’épaissir lorsqu’ils tombent sur une scène effrayante : des jouets d’enfants disposés comme pour une soirée de jeu. Henry est naturellement secoué, tandis que Victor reste calme sous la pression. Pour ceux qui nous écoutent, la résilience de Victor est presque aussi troublante que les monstres eux-mêmes. Équipes de relations publiques, préparez votre citation : “La force tranquille de Victor fait de lui le cheval noir de l’horreur de FROM.” Avantages et inconvénients de FROM Saison 3 Épisode 6 : Pendant ce temps, dans la maison de la colonie, la tension gronde avec Fatima. Elle résiste à la vérité sur sa « grossesse » et le déni est à la fois troublant et déchirant. Cette intrigue secondaire fait intervenir Marielle de David Alpay, qui a plus de questions que de réponses mais apporte des bases indispensables au scénario. La résistance de Fatima et le pragmatisme de Marielle créent un équilibre, donnant de la profondeur à l’horreur psychologique de FROM. Pensées finales L’épisode 6 de la saison 3 n’est peut-être pas la tasse de thé de tout le monde, en particulier pour les fans qui ont soif d’action monstre plutôt que de dialogue. Cependant, pour ceux qui sont investis dans les arcs de personnages et les secrets, cet épisode est en or. Alors que Boyd et Jade déchiffrent le code et que Tabitha et Jim luttent avec le passé, nous nous rappelons pourquoi FROM nous fait revenir. DE la revue de l’épisode 6 de la saison 3 : « Tissu cicatriciel » déballe les blessures Agissant – 8/10 Cinématographie/Effets visuels – 9/10 Intrigue/Scénario – 8/10 Cadre/Thème – 9/10 Observabilité – 9/10 Re-regardabilité – 7/10 Avis d’utilisateur 0 (0 voix) Résumé Dans l’épisode 6 de la saison 3 de FROM, les secrets bouillonnent et les émotions sont vives alors que les personnages font face à leurs peurs les plus sombres et dévoilent de nouveaux mystères. Avec un équilibre entre des moments intenses entre personnages, des indices étranges et une touche d’humour, cet épisode fouille dans le « tissu cicatriciel » de DEPUISla ville hantée et ses habitants. Avantages Développement profond du personnage: Nous constatons une réelle croissance et des conflits, en particulier dans les intrigues de Tabitha, Jim et Victor. Soulagement comique dans le mystère: Les théories du complot de Jade offrent de l’humour tout en gardant la tension élevée. De nouveaux indices dévoilés: L’échange entre Boyd et Jade donne aux fans quelque chose de solide à mâcher. Inconvénients Rythme: L’épisode ralentit considérablement, ce qui risque de ne pas satisfaire les fans en quête d’action. Points lâches: Il nous reste plus de questions que de réponses, un geste typique pour DEPUIS mais parfois frustrant. Sous-utilisation des personnages clés: Des personnages comme celui de David Alpay (particulièrement intrigant en tant qu’intérêt amoureux de Kristy) pourraient bénéficier de plus de temps à l’écran pour ajouter de la profondeur. Par intérim Cinématographie/Effets visuels Intrigue/Scénario Cadre/Thème Observabilité Rewatchabilité Résumé: Dans l’épisode 6 de la saison 3 de FROM, les secrets bouillonnent et les émotions sont
Le critique | Revue | Le blog du cinéma
★★ Londres, 1934. Le critique de théâtre acide du Daily Chronicle tourmente une actrice populaire mais d’un manque d’assurance paralysant à travers une séquence de critiques joyeusement au vitriol. Il s’appelle Ian McKellen, elle s’appelle Gemma Arterton. Ensemble, ils élèvent un effort autrement médiocre du Bissextile réalisateur Anand Tucker. Eux, et une poignée de barbes extrêmement méchantes dans un scénario de Patrick Marber, faisant son retour tant attendu au cinéma. Où Le critique possède une ligne de force, cependant, l’ensemble plus large n’a pas la moitié du zeste et de la saveur. Jimmy Erskine n’est pas qu’un critique de théâtre. Doté d’un don verbeux pour le vocabulaire, Erskine est un pilier du Chronicle depuis quatre décennies et le favori de son rédacteur en chef effréné de droite. De plus, Erskine est également un homosexuel enragé et sans vergogne à une époque où l’être, c’était être un criminel de premier ordre. Cela ne dérange pas le grand écrivain lui-même. Pas du tout. En effet, l’apparente indifférence d’Erskine lui offre le luxe de vivre avec son amant – et secrétaire – Tom (Alfred Enoch), tout en assaisonnant leur relation avec des relations sexuelles régulières avec une prostituée du parc. Erskine est connu pour aimer ça « dur ». On ne sait pas vraiment pourquoi Erskine s’en prend avec autant de ferveur à Nina Land d’Arterton, dont la présence scénique ne semble justifier ni l’adoration populaire ni la fustige critique. De son côté, Nina ne se soucie que du jugement d’Erskine. Après tout, c’est la lecture de ses réflexions sur l’art du théâtre qui a inspiré Nina à se produire sur scène. Mais ici et maintenant, Nina ne trouve plus de joie dans une telle lecture. “Au cours des dix dernières années, déplore-t-elle, vous m’avez comparée au bétail, aux créatures marines et à un oiseau disparu”. Ceci, à la suite d’un travail de hache particulièrement macabre, dans lequel Erskine se moque de Nina en la qualifiant de « couverture mouillée » avec un « gros cul ». C’est en explorant la relation entre star et critique que Tucker trouve son film le plus convaincant. Le besoin désespéré de Nina de plaire s’intensifie à chaque nouvelle critique, mais la négativité du Chronicle semble avoir peu d’influence sur son succès commercial et le flux de rôles qui lui sont proposés. En consultant Erskine – en soi une curieuse manifestation d’une conversation qui se produit rarement dans la vraie vie – Nina découvre la racine de sa négativité. Erskine ne déteste apparemment pas Nina, mais éprouve une profonde déception chaque fois qu’elle ne répond pas à ses attentes exigeantes. Malheur à ceux qui ne correspondent pas à l’image d’Erskine d’une petite Angleterre très particulière. Et pourtant, en explorant cette dichotomie, Le critique lui-même déçoit. Trop tôt, les questions ouvertes sont abandonnées. Il est entendu ici que les acteurs recherchent l’approbation du critique, mais que l’inverse de la dichotomie reste intact. Pourquoi Jimmy écrit-il ? Est-ce un pur plaisir ou une revanche pour une carrière qu’il n’a pas pu soutenir. Hélas, trop vite, la conversation cède la place à quelque chose de plus soupe. C’est le reste d’une intrigue tirée du roman d’Anthony Quinn – Curtain Call – sur lequel est basé le film. Une histoire de plus en plus moribonde de chantage, de subterfuge et de suicide. Marber laisse présager des frissons mais se replie sur les drames les plus doux. Alors que des mélodies morbides jaillissent d’une partition de touches de piano enfoncées, il est difficile de ne pas manquer le crépitement plus aigu de la tierce d’ouverture. Imperturbable, McKellen maintient sa part de pétillant tout au long, dévorant l’opportunité dramaturgique d’embrasser les penchants de plus en plus malodorants d’Erskine. Arterton, lui aussi, s’épanouit dans une ostentation performative alors que Nina sombre dans un désespoir de plus en plus rapide. Tucker a moins de chance de capitaliser sur le potentiel de son ensemble plus large, Lesley Manville, Romola Garai et Mark Strong étant tous sous-utilisés. À cette fin, il s’agit d’un instrument à deux mains qui passe à la pièce de chambre sans vraiment toucher au cœur de l’un ou l’autre. TS
FROM Revue de l’épisode 5 de la saison 3 – Tout va vers le bas
Très bien, FROMily, plongeons-nous dans ces montagnes russes d’un épisode. L’épisode 5 de la saison 3 nous a laissé bien plus que des frissons : il nous a frappé avec de dures vérités, des connexions étranges et ce moment percutant. Et pouvons-nous en parler Scott McCord et son portrait de Vainqueur cet épisode ? Cet homme est passé de zéro à « J’ai plus de bagages qu’un terminal d’aéroport » très rapidement. Cet épisode a vraiment fait monter la tension et nous a plongé tête première au cœur du désordre. Boyd contre le monde… encore une fois Pauvre Boyd (Harold Perrineau), homme. Chaque fois que ce type fait deux pas en avant, il a l’impression d’avoir reculé de cinq pas. Il tient la ville à un fil, et juste au moment où il essaie de faire respecter la loi, Dale intervient pour tout gâcher, littéralement. Vallée a essayé de s’échapper en utilisant l’un des arbres du loin, et bien, disons que ça ne s’est pas bien terminé. Le mec a fini par se fondre dans un mur. Ce n’est pas un look génial pour quelqu’un qui essaie de s’évader. La frustration de Boyd atteint de nouveaux sommets. Non seulement il fait face aux mauvais choix de vie de Dale, mais il fait également perdre espoir à toute une ville plus vite qu’un hamburger de fast-food ne refroidit. La guerre psychologique est réelle et ces monstres ne transpirent même pas. Ils jouent aux échecs, tandis que Boyd est coincé à jouer aux dames, les yeux bandés. La survie de Randall – Coïncidence ou ciblée ? Parlons maintenant de Randall. Tout d’abord, cet homme a été découpé en tranches et laissé sur le capot de l’ambulance comme un étrange message de monstre. Pourtant, il est toujours en vie, et cela me fait réfléchir : ces monstres le maintiennent-ils en vie pour une raison ? Il y a un schéma effrayant en jeu ici, et je me demande si Randall a été marqué pour quelque chose de plus grand. Peut-être que ces monstres le maintiennent en vie pour pénétrer dans la tête de Boyd, comme un rappel ambulant de ce qui peut arriver s’ils arrêtent de jouer gentiment. Tabitha et Jade : le duo dynamique dont nous ne savions pas avoir besoin Tabitha et Jade ont vécu un moment majeur dans cet épisode, en faisant équipe pour enquêter sur le mystérieux arbre à bouteilles. Et laissez-moi vous dire que toute cette histoire avec l’arbre à bouteilles et les arbres lointains devient de plus en plus bizarre de seconde en seconde. Jade est sceptique, comme toujours, mais l’esprit de cet homme va plus vite qu’un écureuil dans une usine de cacahuètes. Il est ici pour essayer de découvrir si ces bouteilles détiennent la clé d’un profond mystère. Mais le vrai kicker ? Dale se présente, tout arrogant et déterminé, pour faire un aller simple vers nulle part, grâce à l’arbre lointain. Une minute, il se tient là ; le suivant, il est encastré dans le mur comme une sorte d’œuvre d’art macabre. RIP, Dale. Victor – L’homme, le mythe, le mystère Scott McCord dans le rôle de Victor nous donne une réelle profondeur émotionnelle cette saison. Cet épisode a frappé durement lorsque Victor a été confronté à un traumatisme majeur de son passé. Et si vous n’étiez pas dans vos sentiments quand il a fait cette dépression, vous devrez peut-être vérifier votre pouls. Il se souvient enfin du jour où tout le monde est mort, et vous pouvez voir que cela le ronge intérieurement. Pendant très longtemps, Victor a été décrit comme le mec effrayant du coin, mais maintenant ? Nous voyons maintenant à quel point il est vraiment brisé. Et c’est tragique. Réflexions finales sur l’épisode 5 DE Saison 3 Épisode 5 a apporté de la tension, du mystère et tout un bagage émotionnel. Boyd est sur le point de craquer, le moral de la ville est au plus bas et Victor lutte contre ses propres démons. Chaque recoin de cette ville est rempli de désespoir et on a l’impression que les monstres s’en nourrissent. Je ne sais pas ce qui va se passer ensuite, mais je sais ceci : quel espoir ont encore les citadins ? Cela ne tient qu’à un fil, et si Boyd craque, toute la ville s’effondrera avec lui. FROM Revue de l’épisode 5 de la saison 3 – Tout va vers le bas Agissant – 10/10 Cinématographie/Effets visuels – 8/10 Intrigue/Scénario – 7/10 Cadre/Thème – 8/10 Observabilité – 7/10 Re-regardabilité – 6/10 Avis d’utilisateur 0 (0 voix) Résumé Consultez notre critique de l’épisode 5 de la saison 3 de FROM, où Boyd lutte pour garder la ville unie, Victor fait face à son passé et Dale commet une erreur mortelle. Avec Scott McCord et Harold Perrineau. Avantages La performance de Scott McCord dans le rôle de Victor était tout simplement incroyable. Déchirant et cru. La justice poétique de Dale avec l’arbre lointain a été un moment étrange et sombre et satisfaisant. La tension entre Boyd et la ville continue de s’intensifier d’une manière crédible et engageante. Inconvénients Certaines intrigues secondaires semblaient un peu plus lentes, s’éloignant de l’action aux enjeux élevés. La survie de Randall est intrigant, mais cela soulève plus de questions que de réponses (et pas de manière amusante). L’épisode nous laisse avec trop de questions ouvertes, ce qui peut être un peu frustrant. Par intérim Cinématographie/Effets visuels Intrigue/Scénario Cadre/Thème Observabilité Rewatchabilité Résumé: Consultez notre critique de l’épisode 5 de la saison 3 de FROM, où Boyd lutte pour garder la ville unie, Victor fait face à son passé et Dale commet une erreur mortelle. Avec Scott McCord et Harold Perrineau. 3.8 Décomposition
Beetlejuice Beetlejuice | Revue | Le blog du cinéma
★★★ Ils ne les font plus comme ça. L’ont-ils déjà fait ? Si la convention veut qu’un film moyen suive au moins une certaine forme de progression logique, la réponse ne peut être que non. Jus de Beetle Jus de Beetle – la suite au titre plutôt merveilleux du « juice » original de 1988 – est une offre aussi loufoque que tout ce qui figure dans le catalogue de Tim Burton à ce jour, et tant mieux pour cela. Tant mieux et, à bien des égards, pire encore. Certes, il n’y a rien ici pour attirer les nouvelles venues ni convaincre les sceptiques d’origine. En termes simples, Jus de Beetle doublé est tout aussi puéril, flou et étrange que son ancêtre, et non moins dépendant des talents de son ensemble glorieusement gothique pour ancrer ses bases. Plus classique culte que l’une des variétés Stone Cold, l’original Jus de Beetle n’était que le deuxième film de Burton à sortir. Avec le recul, ce sont des trucs terriblement familiers de la part du réalisateur, tous profondément exagérés et incroyablement pratiques dans sa présentation d’une approche stylistique saccadée. Comme il est facile d’oublier qu’il s’agissait autrefois d’une nouvelle vision audacieuse de l’horreur comique venant d’une nouvelle voix cinématographique dynamique. Trente-six ans plus tard, c’est un exploit bien plus mesquin que d’essayer de vendre la boîte à malices folle de Burton comme étant fraîche. Certes, dès Ombres sombres à DumboBurton semble avoir eu du mal ces derniers temps à captiver l’imagination du public et des critiques. À cette fin, il y a quelque chose d’assez louable dans l’approche de Burton Jus de Beetle Jus de Beetle. Une suite héritée s’il en est une, cette seconde Jus de Beetle brûle moins exclusivement le carburant de la nostalgie que la plupart, se vantant d’un récit qui, bien que extrêmement bourré, démontre un désir d’essayer quelque chose de nouveau avec la franchise. Cela ne veut pas dire que le retour de Burton à Winter River, son royaume modèle et ceux au-delà des limites, n’est pas arrosé de bons souvenirs. Les plans d’ouverture à eux seuls, adaptés à un millésime familier de Danny Elfman, rappellent l’apogée de Burton avec un élan de chaleur pleine de nostalgie. Même si l’intrigue s’éloigne de la familiarité, il y a des clins d’œil aux concepts, aux visuels et aux verbatim directement issus de l’original. Peu importe le casting de retour, une présence plus forte pour les raides à tête réduite de Burton s’avère un frisson. Comme auparavant, c’est Winona Ryder qui constitue le cœur battant du film, reprenant le rôle de Lydia Deetz, autrefois adolescente gothique. N’étant plus une adolescente, mais non moins gothique, Lydia gagne désormais sa vie en tant que médiatrice psychique pour l’émission de télé-réalité paranormale ‘Ghost House’. Elle est plus fragile maintenant, plus fragile et moins sûre d’elle. « Où est cette odieuse fille gothique qui m’a torturé ? » crie la belle-mère Delia (Catherine O’Hara). Elle s’est torturée, semble-t-il. N’oublions pas que Lydia voit des morts. Elle a aussi une fille maintenant. Il s’agit d’Astrid de Jenna Ortega, un rôle pas si éloigné de Wednesday Addams ou CrierC’est Tara Carpenter mais superbement réalisé. Également sur la scène se trouve Rory, instantanément antipathique de Justin Theroux – le petit ami producteur new age de Lydia. Quant à son père, les inquiétudes liées au casting problématique sont rapidement apaisées par la séquence la plus drôle du film, un intermède en stop-motion qui laisse Charles Deetz à moitié mutilé par un requin d’argile. C’est la mort de Charles qui ramène la famille trigénérationnelle à Winter River, les trois femmes unies dans la mort et pour des funérailles au vieux repaire de Maitland. Sur ce point, Beetlegeuse attend. Un rôle plus costaud pour Michael Keaton ne fait qu’augmenter le fou, son schtick agaçant de Robin Williams repris avec une précision impressionnante. Il y a toujours eu le sentiment avec celui-ci que la partie, toute en fanfare et en énergie loufoque, devrait vraiment se sentir plus emblématique. Peut-être que c’est le cas pour certains. Toujours déterminé à obtenir Lydia pour son épouse, Beetlegeuse a sa propre intrigue secondaire à affronter cette fois-ci – il y en a beaucoup. Une méchante introduction pour l’ex-épouse éconduite, Delores (Monica Bellucci), voit la mariée agrafer ensemble les parties de son corps disséquées et sucer l’âme d’un Danny DeVito en camée dans un paquet plat. Elle est froide sur son cas. De plus en plus de Burton se lancent dans ses secondes de soupe. Le plaisir est frénétique mais décevant, chaque menace vermifuge étant enveloppée sans la moindre trace de poids. Ils viennent juste de se terminer. Et pourtant, s’il est difficile d’imaginer un film comme Jus de Beetle captant la lumière dans l’arène moderne, c’est trop facile à imaginer Jus de Beetle Jus de Beetleune suite bien interprétée et opportune, qui fonctionne à merveille. Une aversion pour la génération informatique confère aux effets du film une esthétique agréablement artisanale, tandis que la musique de pointe renforce l’ambiance foraine. Un troisième tour de grande roue semble désormais improbable, mais on ne sait jamais quand il s’agit de bioexorcisme. TS
Revue du SAMEDI SOIR : TIFF 2024
Saturday Night a été l’une des plus grandes premières du Festival international du film de Toronto 2024. Le film réalisé par Jason Reitman raconte les 90 minutes juste avant le début de la plus grande émission de télévision expérimentale de tous les temps, Saturday Night Live ! Bien que le film respecte ce principe, les battements de l’histoire plus large risquent d’être perdus pour le public qui n’a pas une connaissance approfondie des véritables événements en direct. Lisez la suite pour ma critique du samedi soir directement du TIFF 2024. Veuillez noter que même si cette critique de Saturday Night est sans spoiler, les événements sont basés sur une histoire vraie, nous utilisons donc le mot « spoilers » assez à la légère ici. Un excellent récit de l’histoire réelle Image via Sony Pictures. Saturday Night de Jason Reitman explore le chaos et la frénésie de la nuit de la première du spectacle. Saturday Night Live a été l’une des toutes premières émissions de sketchs humoristiques en direct. C’est désormais l’une des émissions télévisées les plus anciennes de tous les temps, célébrant cette année son 50e anniversaire. En prévision, le film Saturday Night montre à quel point les choses étaient chaotiques jusqu’à cette première minute de diffusion. Cette histoire vraie, incroyablement sauvage, met en lumière le début d’un phénomène télévisuel qui a lancé la carrière de certains des plus grands comédiens de l’industrie. Le film lui-même voit divers jeunes acteurs talentueux jouer ces véritables icônes de la comédie qui ont fait leurs débuts avec SNL. Le film présente des personnages basés sur des membres réels de SNL comme Dan Akroyd, Chevy Chase, John Belushi, Jim Henson, Andy Kaufman, George Carlin, et plus encore. Le récit de cette première nuit équilibre l’énergie de l’excitation chaotique avec un dispositif de cadrage temporel qui fait vraiment bouger l’histoire. Ce ton diminue considérablement à chaque fois que les personnages se trouvent en dehors du studio NBC où se déroule la majeure partie de l’histoire. Mais de retour à l’intérieur du studio se trouve une extravagance d’intrigues secondaires, d’arcs de personnages et de chaos qui naîtront du génie. Pour toutes les personnes impliquées. Il y a quelques acteurs remarquables dans la revue du samedi soir Image via Sony Pictures. Bénéficiant de l’un des plus grands castings jamais présentés sur le tapis rouge du TIFF, le talent de Saturday Night est sans précédent. Jouant la plus grande star de l’époque, Chevy Chase est l’évasion Cory Michael Smith. Smith capture parfaitement l’arrogance de Chase à l’époque et donne vie aux histoires légendaires que nous avons tous entendues sur son passage dans la série. Dylan O’Brien de la franchise The Mazerunner incarne si brillamment Dan Akroyd que c’en est presque effrayant. Et puis il y a Matt Wood, qui incarnait le regretté grand John Belushi. J’aurais aimé que nous ayons plus d’O’Brien et Smith, mais ils commandaient la scène chaque fois qu’ils étaient à l’écran. Mais la plus grande surprise doit être Gabriel LaBelle dans le rôle du jeune Lorne Michaels, le producteur extraordinaire qui a lancé SNL et a été le meneur de ce cirque sauvage. LaBelle était la dernière au TIFF avec Les Fabelmans de Steven Spielberg. Mais c’est Saturday Night qui fait de lui un joueur prometteur à surveiller. Lorne de LaBelle est à bien des égards le protagoniste principal, parmi tous ces personnages scandaleux ; celui qui a une histoire et une histoire plus approfondies que tout autre. C’est vraiment son histoire, et l’histoire principale se déroule à travers son point de vue. LaBelle est distante en cas de besoin, affirmée en cas de besoin, et également nerveuse et douce à d’autres moments. C’est une performance qui doit jongler avec beaucoup d’émotions différentes, un peu comme le personnage essayant de jongler avec ses acteurs, ses scénaristes et ses dirigeants afin de présenter la toute première comédie en direct, quelque chose qu’il ne peut même pas décrire. À qui s’adresse vraiment le samedi soir ? Image via Sony Pictures. La plus grande critique de Saturday Night, et cela a en quelque sorte un impact sur son effet global, est qu’on se sent en sécurité et trop à l’intérieur du baseball. Le film se déroule très rapidement et librement, avec toute sorte d’arrière-plan ou d’exposition sur ces personnages ou sur cet exploit monumental de la télévision auquel nous assistons. Le format du film ne nous permet pas de vivre trop longtemps avec un personnage, au-delà d’une brève ligne de dialogue chargée d’émotion ou d’une étonnante réplique. Et même si cela est attendu d’un film avec un casting aussi important, cela n’a aucun impact si vous ne savez pas qui sont ces personnages. Ou même dans une plus large mesure, quel Saturday Night Live ! est. Les enjeux, la préparation, les décors et les personnages ne seraient pas familiers à quiconque regarde Saturday Night sans aucune connaissance préalable de SNL. L’écriture ne permet aucune information sur les débats en dehors de ce qui est déjà dans la salle. Le public occasionnel ne reconnaîtra pas le génie de George Carlin apparaissant à l’écran pour un échange hilarant avec celui qui est à l’écran avec lui. Même l’importance de certains moments ou l’évolution de choses qui sont devenues la marque de fabrique de SNL seraient perdues pour le public qui ne suit pas l’émission de variétés en direct. Bien que le film ne soit pas accessible au public non-SNL, Saturday Night reste une montre amusante pour toutes les pitreries de l’histoire. Même si l’importance plus large de l’histoire et de ses représentations n’aura pas autant d’impact sur le public régulier, les fans adoreront voir leurs comédiens préférés jouer l’un des moments les plus significatifs de l’histoire de la culture pop. Samedi soir créé au TIFF 2024. Qu’avez-vous pensé du Saturday Night de Jason Reitman ? Faites-le-moi savoir dans les commentaires ci-dessous ou suivez-moi sur X (anciennement Twitter) à @theshahshahid. TIFF 2024 : SAMEDI SOIR rend parfaitement hommage à SNL, mais peut être inaccessible pour certains Agissant – 9/10 Cinématographie/Effets
Lee | Revue | Le blog du cinéma
★★★ La même année, Kirsten Dunst prend son nom en hommage au film d’Alex Garland. Guerre civilele photojournaliste phare du milieu du siècle, Lee Miller, reçoit le traitement biographique, grâce au premier film succinctement intitulé d’Ellen Kuras. Se déroulant entre 1937 et 1945, terminé par un flirt avec 1977, Lee retrace le voyage de Miller au cœur de la Seconde Guerre mondiale et ses fouilles des dégâts qu’elle a causés. Ses images restent aussi puissantes que jamais. S’il n’est pas si extraordinaire dans sa propre exécution, le film mérite d’être reconnu pour les efforts qu’il prend, ce qui explique pourquoi Miller seul aurait pu les prendre. Dans le même but, Lee doit sa propre existence en grande partie aux efforts acharnés d’une Kate Winslet visiblement passionnée, qui dirige elle-même le film dans le rôle de Miller. Une production de huit ans, dont deux semaines pendant lesquelles Winslet a payé les salaires, est une réalisation éreintante. Compte tenu d’un processus de gestation aussi long, on pourrait s’attendre à ce que le film ait acquis une base plus solide sous la peau de son sujet. Et pourtant, malgré toute la visibilité éminente de Winslet tout au long du film – elle est en effet formidable – son Miller semble plutôt trop performatif. LeeLee de est acerbe, endommagé et trompeusement intuitif, mais plus une herbe à chat pour un bon acteur qu’une étude de personnage enracinée. C’est peut-être quelque chose qui compte. Certes, l’intervieweur de Josh O’Connor a du mal à casser la coquille. Aux questions sur le rôle et la signification de ses photos, Miller de 1977 ne propose que le rejet. Ce ne sont que des images. Bien moins que ne le suggère un voyage quarante ans auparavant. On ne parcourt pas une zone de guerre active simplement jusqu’à la fin des images. En effet, notre première observation de la jeune Miller la voit trébucher à Saint-Malo, sur des décombres et sur fond de poussière bien trop active. Un paysage sonore claustrophobe concentre les respirations rauques de Miller, ponctuées de battements de cœur palpitants. La peur est brûlante sur son visage. Il n’y a aucun doute quant aux efforts qu’elle fera pour capturer la vérité visuelle du monde changeant qui l’entoure. Kuras nous ramène encore plus loin. Retour à une époque de somnambulisme ensoleillé, du moins c’est ce qu’ont semblé Miller et son groupe d’amigos artistes parisiens, et un monde trébuchant dans une seconde Grande Guerre. Une dispute seins nus avec son futur mari, Roland Penrose, emmène Miller à Londres et aux portes du Vogue britannique. Recrutée comme photographe de guerre, après avoir été mannequin de l’autre côté de l’objectif, l’odyssée de Lee sur le continent est davantage alimentée par la force de la nature que par les caprices d’un établissement désuet. Elle y retrouvera son collègue photojournaliste David Scherman, juif dans l’Europe hitlérienne et incarné de manière impressionnante par Andy Sandberg, dans ses débuts dramatiques. C’est l’expérience de Scherman de Buchenwald et de Dachau, racontée avec tant de sérieux par Sandberg, qui donne au film son exemple le plus puissant. Sa réaction à la désormais tristement célèbre séance photo dans la baignoire de Miller – dans le propre appartement d’Hitler et prise sans le savoir quelques instants après sa mort – est la plus perverse du film. Sandberg n’est pas le seul visage célèbre recruté pour le projet passion, mais lui seul brille. Certes, la présence totémique de Winslet ici jette des ombres. Marion Cotillard, Andrea Riseborough et Alexander Skarsgård apparaissent chacun, recrutés pour des apparitions étrangement brèves, mais ne trouvent pas grand-chose à faire. Skarsgård, surtout, se sent plutôt perdu, aggravé par un bouchon terriblement horrible pour un accent britannique. Riseborough fait faillite dans le rôle d’Audrey Withers, rédactrice en chef excentrique de Vogue, tandis que Cotillard s’inscrit à peine dans le rôle de son homologue française, Solange d’Ayen. Ce sont les rôles plus petits, moins voyants, qui fondent la pièce, comme l’interaction de Miller avec un soldat grièvement blessé dans un hôpital sous tente américain. Elle peut à peine cacher son horreur, il veut simplement voir à quel point il a l’air drôle. Il y a du cran. Curieusement, peu de temps est consacré à l’impact des années de guerre de Miller sur sa vie ultérieure. Ce furent des années de déclin de la santé mentale et de stress post-traumatique dévastateur. Un échange d’actes tardifs quelque peu maladroit offre un aperçu trop bref d’un traumatisme d’enfance que Miller a porté avec elle jusqu’à ses derniers jours. De telles allusions à l’état d’esprit sobre avec lequel Winslet a abordé sa performance, sans extrapoler sa résonance dramatique dans le film dans son ensemble. Lee dépeint des événements remarquables dans une vie remarquable, mais ne trouve jamais vraiment un tissage convaincant pour les faire traverser. Un peu moins de prestige, un peu plus de saleté sous les ongles et beaucoup plus de vision humaniste de Miller auraient pu faire des merveilles avec celui-ci. TS
Torsades | Revue | Le blog du cinéma
★★ Si le souvenir omniprésent de l’agitation de Jan de Bont en 1996 Tornade est une image de l’aéronautique bovine, il est difficile d’imaginer à quel point sa suite de 2024 instantanément moins emblématique, de à la douleur le réalisateur Lee Isaac Chung, restera dans les mémoires. Peut-être seulement dans des rétrospectives examinant la forte ascension de Glen Powell vers la célébrité. Deux décennies de corruption sont à l’origine du succès supposé du jour au lendemain du Texan ciselé. Après avoir fait ses débuts dans le troisième film Spy Kids de 2003, Powell a réussi à se frayer un chemin à travers tout cela depuis Le chevalier noir se lève à Consommables 3. Les vents ont changé avec Top Gun : Maverick et N’importe qui sauf toi mais maintenant, ils sont vraiment en pleine tempête. Powell fait partie d’un petit groupe de grâces salvatrices dans Torsades, une suite pluralisée dans tous les sens. Il incarne le « cow-boy scientifique » qui lutte contre les tornades, Tyler Owens, un montagnard avec plus d’un million d’abonnés sur YouTube et des marchandises à déplacer. Et pourtant, il y a peut-être plus dans le sourire parfait et le charisme qui sautent aux yeux. Peut-être que, derrière son mépris occasionnel pour sa propre sécurité, ce bœuf s’y connaît en météorologie. La vulnérabilité semble être un créneau gagnant pour Powell, les faillibilités étant juste assez mises en avant, mais jamais au point de saper l’image du héros d’action. Personne n’a jamais qualifié Tom Cruise de « fille sexy en forme ». Cela fonctionne pour Powell. Kate Carter de Daisy Edgar-Jones, un bel esprit pas si éloigné du dernier et seul autre rôle majeur de la star au cinéma dans Où chantent les Crawdads. Tout comme Kya Clark, Kate danse sur la fine ligne entre un scientifique à la tête froide et un chuchoteur aérien. Comme avec Kya, Kate parcourt un monde cruel avec des traumatismes qui bouillonnent pas si loin sous la surface. C’est le souvenir du prologue teinté d’horreur du film et de ses meilleures scènes. Une jeune et naïve Kate entraîne ses jeunes et naïfs amis au cœur d’une tornade EF5, soutenue par l’éclat de ses propres recherches, pour que chacun soit éliminé par des vents de plus de 200 mph. C’est dévastateur et trop morbide à regarder. Un saut vers le futur voit Kate se tailler une nouvelle vie dans la ville en tant que météorologue new-yorkaise. C’est plus sûr mais moins organiquement elle. Nous le savons parce qu’elle a l’air misérable, même lorsqu’elle déjoue ses collègues. L’attrait de l’Oklahoma est cependant fort. Effectivement, il ne faut pas beaucoup de persuasion de la part de son compatriote survivant Javi (Anthony Ramos), un autre chasseur de tempête devenu col blanc, pour la ramener. En réalité, c’est l’amour de la terre et des vastes étendues de l’État qui l’appelle, mais on parle beaucoup de faire une différence et de sauver des vies. Les tornades sont de plus en plus fortes, plus meurtrières et plus fréquentes. Le génie de Kate est la pièce manquante dans l’équipe de chasseurs de rafales de Javi. Mis à part les références de bonne volonté du film – une grande partie est faite d’efforts caritatifs et de soutien communautaire – quelque chose ne va pas. Face à l’évolution des conditions météorologiques, personne ne fait une seule référence au changement climatique. Il est simplement admis que vingt-huit ans et un « s » supplémentaire dans le titre rendent la situation encore plus dangereuse. De plus, Torsades oppose la science à l’expérience dans son flux narratif. Il y a peut-être lieu de se méfier d’un film qui présente des experts comme étant froids, fallacieux et motivés par des arrière-pensées profiteuses, contre les vrais justiciers américains au sang rouge, le sel de la Terre. Cela aurait peut-être moins d’importance, certainement pour le cinéphile moyen, si le film était plus engageant. Des séquences de tempêtes bien exécutées accélèrent le pouls par à-coups, mais Torsades manque de solidité dans ses fondations. Quand le vent tombe, le rythme suit. Quant à Powell et Edgar-Jones, il y a un frisson en tête-à-tête assez agréable mais à peine plus convaincant que le film de Noël Hallmark moyen, avec lequel le film partage son ADN de base – mais avec moins de pain d’épice. TS
MaXXXine | Revue | Le blog du cinéma
★★★ À partir du moment où elle se pavane dans son premier cadre dans MaXXine, moulante en silhouette et en denim, Mia Goth est tout. Dans un film sur l’exploitation et la soif de gloire, elle seule a les crocs pour le boire. Il y a juste quelque chose dans sa propriété de l’écran de Ti West qui crie star, même sans les yeux de Bette Davis et les lèvres de Betty Boop. Sans aucun doute, le film lui-même, qui est probablement le plus faible des trois X films, ne sert pas le courage de Goth. Certes, c’est un effort inégal, qui monte bien mais se replie fort. Et pourtant, tant qu’il y a du mordant dans ces crocs, il y a un rythme convaincant à trouver. Quelques années se sont écoulées depuis les événements de X, dans lequel Maxine Minx (Gogh) a vaincu son propre sosie ratatiné en lui écrasant brutalement la tête. Les années 70 ne sont plus qu’un lointain souvenir, les années 80 ne pourraient guère être plus bruyantes pour faire connaître leur présence. C’est dans la coiffure, le maquillage, le grain fin de la cinématographie d’Eliot Rockett. Déjà réputée pour sa notoriété pornographique, Maxine aspire à un attrait plus grand public. Les hommes sur le plateau savent qui elle est mais, mon garçon, ce serait vraiment bien si leurs femmes le faisaient aussi. Non pas qu’elle ait honte de ses origines, laissant tomber effrontément sa fermeture éclair à la fin d’une audition à couper le souffle, rappelant la contre-dépouille similaire d’Emma Stone. La La Terre vitrine. Brooke Shields, note-t-elle, rayée “et maintenant elle est dans un putain de film sur les Muppets”. La grande rupture de Maxine s’accompagne d’un rôle dans une suite d’horreur gore fest de l’impérieuse réalisatrice d’Elizabeth Debicki, Elizabeth Bender, une pionnière aux normes exigeantes. “The Puritan II” se vante d’être “un film B avec des idées A”, mais sert en réalité de porte dérobée à un hommage à l’époque – littéralement, le Bates Motel a été rénové pour les années 1983. Psycho II est au coin de la rue. Il y a beaucoup de cela, même si cela n’est pas toujours lié à une logique narrative ou à une signification contextuelle. C’est très amusant, mais West frappe plus fort avec des clins d’œil de genre moins flagrants, comme la scène dans laquelle Maxine est moussée de latex pour la création d’un casting facial. L’effet est extrêmement claustrophobe mais dégouline autant de métatextualité que de caoutchouc alors que le double aîné de Goth apparaît. La menace la plus tangible ici est le caprice du véritable tueur en série local et délinquant sexuel, le Night Stalker, ou, plutôt, un imitateur suivi par les détectives du LAPD Williams (Michelle Monaghan) et Torres (Bobby Cannavale). Même le diable incarné est un artiste ici. C’est contagieux. Tandis que le dét. Torres se prend pour Axel Foley – Cannavale passe un moment inoubliable – l’enquêteur louche de Kevin Bacon ne peut pas résister à une partie de cowboys lorsque le plateau hurle midi. Personne ne joue au jeu comme Maxine, bien sûr, avec Goth à son meilleur dans les moments exigeant la domination. Ceci contraste avec deux de ses relations les plus serviles au sein du film. Ils ne sont jamais vraiment enthousiastes. Comme pour X et Pearl, on parle beaucoup de spécificité de l’époque dans MaXXXinel’esthétique et le ton, où X canalisé l’exploitation sexuelle du grindhouse des années 70, et perle l’éclat visuel technicolor d’Oz, MaXXXine atterrit dans le sinistre et le néon. Frankie Goes To Hollywood et Kim Cairns constituent des ajouts évidents à la bande originale et il n’y a aucun défaut sur l’attention portée aux détails à l’origine des succès du film en matière de coiffure, de maquillage et de costumes. Même l’inclusion même de bacon ne peut s’empêcher de ressembler à un œuf de Pâques, comme il en existe de nombreux. Certains d’entre eux semblent un peu fallacieux et superficiels – rappelant peut-être celui de Tarantino. Il était une fois à Hollywood – mais c’est une période formidable pour ceux qui se souviennent de l’époque de la location de vidéos. MaXXXine culmine quelque part au milieu, un démarrage lent qui prend du temps pour trouver son mojo compulsif. Goth électrise. Et pourtant, la déflation est aussi rapide dans sa descente, une finale mal cuite qui ne mérite pas les capacités de Goth et la force d’être de son personnage. De grands pas ont été franchis pour réécrire le modèle de la « fille finale » de l’horreur des années 80, faisant marche arrière à mesure que Maxine tombe soumise au flux de son ennemi. Personne ne sait où elle ira ensuite, mais vous pouvez être sûr que la propre trajectoire de Goth sera la plus intéressante. TS
Twistories mondiales (2024) Revue télévisée
Nous sommes définis par notre histoire. Que ce soit une bonne ou une mauvaise chose (car cela dépend de quel côté de l’histoire vous vous situez actuellement), l’un des objectifs à long terme de l’humanité devrait être la préservation des événements, des personnalités et des objets qui sont encore d’actualité. Oui, c’est une question subjective, bien sûr. Mais il existe des questions universelles qui devraient figurer parmi les priorités de chacun. Eh bien, cela et l’acte délicat, déterminant pour la vie et collectif de servir du café. Twistories du monde est une nouvelle émission télévisée présentée par Fancy Movies et Oakmead Productions, dans laquelle l’histoire du monde est réexplorée et éventuellement réécrite par ceux qui ont l’audace de modifier votre perception des événements qui, selon vous, se sont produits d’une certaine manière. Animée par Paul Longley, personnalité de TikTok, l’émission trouvera un chemin à travers les livres d’histoire et les lieux pour tenter de donner un sens aux événements absurdes qui ont finalement constitué notre aujourd’hui. Dans le pilote, Longley descend dans un lieu historique et entre dans l’un des concepts les plus décalés À jamais être lancé comme une entreprise commerciale : un café dans lequel vous deviez commander votre café d’une certaine manière. En utilisant savant témoignage et drame (et très drôle(reconstitutions), le pilote de Twistories du monde réalise une preuve de concept passionnante qui vous donne envie d’en voir plus. Qui sait ce que l’avenir réserve au réalisateur Matt Mitchellqui se charge de réécrire l’histoire en utilisant une prémisse satirique. Si vous n’êtes pas familier avec l’histoire, vous vous amuserez quand même, car le ton de la comédie est suffisamment frais pour provoquer quelques rires. C’est hilarant de voir un optimiste mec dans une tenue victorienne essayant d’en convaincre un autre qu’un café où les invités sont forcés connaître leur latin est en fait une bonne idée. Le secret est l’équilibre, et bien que la reconstitution constitue un bon segment, la présence de Longley en tant qu’hôte est excellente. Il convainc les téléspectateurs de prendre un regarde vers le passé, mais en même temps, il n’a pas besoin de confirmer si les événements dont il parle sont réels, ou représenté de manière réaliste. Il se rend effectivement sur place et interviewe le personnes, et ajoute une pincée d’authenticité à un spectacle qui n’en a pas vraiment besoin. Remettre en question la vérité n’a pas sa place Twistories du monde. Les faits sont tellement absurde, toi vous vous retrouverez à rire au lieu de faire des recherches, et pour une émission télévisée qui prétend être factuelle, c’est une très bonne réussite. Le pilote pour Twistories du monde présenté aujourd’hui à Dances with Films, le plus grand festival de films indépendants de Los Angeles. L’événement a lieu sur Théâtre chinois TCL à Hollywood, Californie. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.