Lando Norris est entré dans le Grand Prix saoudien avec une avance de trois points sur le coéquipier Oscar Piastri dans le championnat des pilotes. Mais un accident au troisième trimestre samedi a mis Norris sur le pied arrière, et le conducteur de McLaren a quitté la ligne dixième lorsque les lumières se sont éteintes sur le circuit de Jeddah Corniche. Norris a commencé sur le pneu dur – par opposition au reste des dix premiers qui ont tous commencé sur le complexe moyen – et sont allés longtemps, ramassant plusieurs places sur son passage allongé. Il a hérité de l’avance au tour 30 après que les dirigeants ont tous fait leurs arrêts, mais se sont finalement contentés d’une quatrième place, un peu plus d’une deuxième derrière le finisseur de la troisième place, Charles Leclerc. Il s’agissait d’une autre solide promenade de rétablissement du conducteur de McLaren, mais ce n’était pas suffisant pour conserver son avance dans le championnat des pilotes. Avec Piastri qui a remporté la victoire avant Max Verstappen, son coéquipier de Norris est désormais en tête de la table, avec un avantage de dix points. “C’était difficile”, a admis Norris en parlant avec la chaîne F1 officielle. «Cette piste est difficile, cette température est difficile et elle est à plat. Il n’y a pas d’économie sur les pneus ici, il est à plat du début à la fin. Je me débattais – pas en termes physiquement, mais juste en termes d’avoir un avantage suffisant sur le reste pour revenir autant que j’aurais voulu. «Cela aurait été bien d’avoir Charles et d’avoir un petit podium et je buvais tout le champagne en ce moment parce que j’aimerais ça – ou le jus de pomme serait encore mieux. J’en rêve à la minute. “Mais je pense que c’était le meilleur que nous puissions réaliser aujourd’hui. De toute évidence, nous ne sommes pas la tête et les épaules au-dessus des autres.” Norris a ensuite admis que non seulement il regardait une pause, car la grille avait une semaine de congé avant le Grand Prix de Miami, mais qu’il rend parfois la vie difficile pour lui-même. “Comme Oscar l’a montré, ce n’est pas une course facile. Max aurait probablement gagné s’il n’avait pas eu la pénalité. Nous avons encore ce genre de problèmes. Ce n’est pas des courses faciles, ce qui signifie simplement que lorsque je fais des erreurs comme hier, comme d’autres races parce que je n’obtiens pas autant que j’ai besoin, je rend ma vie assez difficile comme aujourd’hui”, a ajouté Norris. «Je suis toujours content. Je suis content de mon retour. C’est le meilleur que je puisse réaliser et maintenant j’ai hâte de faire une pause.» Quant à l’endroit où il doit s’améliorer, Norris a souligné le samedi. Comme nous l’avons vu samedi au Grand Prix saoudien, ce risque supplémentaire à l’intérieur de la voiture peut entraîner une catastrophe, en particulier sur une piste qui punit des erreurs comme le circuit de Jeddah Corniche. “C’est mon qualité, c’est mes samedis qui ne sont pas assez bons à la minute, mon rythme d’un tour. Comme je l’ai déjà dit, c’est parce que je me débat un peu avec la voiture – samedi n’était pas la voiture, c’était juste moi essayant de prendre trop de risques, donc je dois juste le remettre en arrière”, a poursuivi Norris. “De toute évidence, j’ai le rythme et tout est là-dedans. C’est parfois juste que j’essaie de demander un peu trop et parfois je deviens un peu trop désireux pour un peu plus et je veux assembler le tour le plus parfait et j’ai juste besoin de me détendre un peu.” Maintenant, Norris revient à Miami, où il a remporté sa première victoire au Grand Prix il y a un an. Le circuit sera un peu différent de celui de 2024, car il y aura une tribune McLaren, une section de fans assis ensemble pour honorer l’équipe, et cette victoire de premier prix. Cela aidera-t-il à «se détendre» un peu Norris? Nous le découvrirons dans quelques semaines.
Rami Malek ancre un thriller d’espion lisse mais inégal
Dans James Hawes ‘ L’amateurun cryptographe cérébral se transforme en un justicier frappé de chagrin, déclenchant une chaîne sanglante de rétribution dans les couloirs secrètes de la CIA. Basé sur le roman de Robert Littell en 1981 – adapté à la même année dans un film canadien – ces tentatives de réinventure de mélanger le drame psychologique avec une action granuleuse. Le résultat est un thriller d’espionnage utile, quoique incohérent, soutenu par de fortes performances et une direction visuelle frappante, même si elle trébuche sous le poids de ses aspirations de genre et de ses artifices narratifs. La configuration: Rami Malek joue le rôle de Charles «Charlie» Heller, un brise-code de la CIA avec peu d’intérêt pour le travail sur le terrain ou la confrontation – jusqu’à sa femme Sarah (Rachel Brosnahan, percutant en temps d’écran limité) est tué dans un bombardement terroriste à Londres. Le chagrin de Heller est immédiat, brut et perturbateur. Il regarde, impuissant, comme une grêle bureaucratique interne et un calcul géopolitique empêchent l’agence de poursuivre les responsables. Lorsque Charlie se rend compte que la justice ne passera pas par les canaux officiels, il prend les choses en main – d’abord en faisant chanter la CIA avec des dossiers classifiés, puis en les contraignant pour le former en tant qu’opérateur sur le terrain. De là, L’amateur Lance dans un territoire familier d’espionnage: les villes étrangères baignées dans l’ombre, les jeux de surveillance des couteaux et les assassinats brutaux réalisés dans des ruelles serrées et des ambassades opulent. Mais Hawes, dans son deuxième long métrage après une carrière qui a dirigé la télévision de prestige (Chevaux lents, Miroir noir), maintient un ton plus restreint et réfléchi que le genre à haut octane ne le suggère souvent. Le film ne pose pas seulement la question de ce que le chagrin peut faire à un homme – il se fixe, traitant la détérioration émotionnelle de Charlie autant partie de l’arc narratif comme son progrès tactique. Rami Malek offre une performance solide: La performance de Malek est au cœur de cet acte d’équilibrage. Il y a un désespoir tranquille sous sa livraison de ligne mesurée, une tension nerveuse dans sa posture. Charlie n’est pas un tueur naturel, et il n’est jamais vraiment à l’aise dans le rôle d’action Hero. En fait, les séquences les plus efficaces du film mettent en évidence son imprécision – ses hésitations, ses trébuchements et ses crises de panique contrastent fortement avec le professionnalisme cool de ceux qui l’entourent. Dans une mission précoce exceptionnelle, Charlie botche une tentative de queue, et la caméra s’attarde sur son visage alors qu’il traite à quel point il est danger. Ces moments font L’amateur plus engageant psychologiquement que la plupart des entrées de son genre. Cependant, le script, crédité à Ken Nolan (Black Hawk Down) et Gary Spinelli (Made américain), a souvent du mal à intégrer les nuances de caractère aux battements attendus d’un thriller d’espionnage. La transformation de Desk Jockey en Assassin Lone n’est ni plausible ni aussi convaincant que les cinéastes. Alors que le film prend des douleurs pour souligner les vulnérabilités de Charlie, elle s’attend également à ce que nous achetions son évolution en un agent capable au cours d’un montage d’entraînement et de quelques scènes de mentorat avec Robert Henderson (une forte Fishburne, forte à Laurence, qui existe de la chaleur et de la gravité). Il y a une dissonance cognitive pour regarder Charlie envahir les tueurs formés avec une précision proche du Bourne tout en tremblant des flashbacks du SSPT. Couloir de soutien: Le casting de soutien aide à porter le poids émotionnel et thématique. Caitríona Balfe est énigmatique en tant qu’enquiline Davies, dont le pragmatisme froid joue bien contre l’urgence morale de Charlie. Michael Stuhlbarg transforme une performance discrètement menaçante alors que Sean Schiller, dont les interactions avec Charlie offrent certains des dialogues le plus en couches du film – des conversations qui font allusion à une pourriture éthique plus large au sein de la communauté du renseignement. Julianne Nicholson, bien que sous-utilisée, ajoute Gravitas dans ses brèves scènes, rappelant le monde que Charlie laisse derrière lui. Moody et sombre: Le directeur de la photographie Martin Ruhe donne au film une palette élégante et muette qui complète son ton sombre. Londres et Prague deviennent des terrains de jeux fantomatiques pour la guerre secrète – des rues clignotantes, des couloirs faiblement éclairés et des bureaux à parois de verre qui semblent conçues pour refléter les loyauté fracturée des personnages et leur isolement. Les scènes d’action, lorsqu’ils arrivent, sont efficaces et brutales, plus fondées sur le désespoir que le spectacle. Un morceau de jeu en fin de film dans une forêt enneigée a une beauté étrange qui élève momentanément le film en quelque chose de plus mythique. Rythme et autres défauts: Malgré ces forces, le rythme vacille dans le deuxième acte. Alors que Charlie se rapproche de ses cibles, le film s’intéresse moins à explorer les conséquences de la vengeance et plus soucieuses de terminer un arc narratif familier. Les battements émotionnels sont précipités, les motivations floues et une intrigue secondaire impliquant une taupe potentielle au sein de l’agence se sent sous-développée. Il y a aussi une incohérence tonale qui afflige le film tout au long – il veut être une méditation axée sur les personnages sur la perte, mais aussi un thriller de vengeance élégant, et il ne réconciliait jamais complètement ces ambitions. Ce qui est peut-être le plus frustrant, c’est que L’amateur Flirte avec un territoire thématique plus profond – ce que cela signifie de rechercher la justice par la violence, comment les institutions cooptent le chagrin et le coût des vendettas personnelles – mais se retire souvent dans la formule tout comme elle approche quelque chose de profond. Le film semble le plus vivant lorsqu’il est fondé sur la tension psychologique, et le moins efficace lorsqu’il se penche dans la sténographie du film d’action. On ne peut s’empêcher de souhaiter qu’il se soit engagé plus pleinement aux questions existentielles qu’elle soulève dans
The Woman in the Yard Review: passionnant mais frustrant
Universal Pictures et Blumhouse se sont associés pour livrer la nouvelle horreur psychologique, «The Woman in the Yard», désormais hanté des théâtres près de chez vous. Réalisée par Jaume Collet-Serra, le gars derrière des frappeurs de colonne vertébrale comme Orphan et des aventures familiales comme Jungle Cruise, ce film promet beaucoup de peur et de profondeur émotionnelle. Danielle Deadwyler (jusqu’à) brille alors que Ramona, une maman en deuil, essayant désespérément de garder sa famille à l’abri d’une mystérieuse femme qui se cache juste à l’extérieur de leur maison. Russell Hornsby passe en tant que défunt mari, David, tandis que Peyton Jackson et Estella Kahiha jouent les enfants forcés de grandir trop vite. Un début atmosphérique Le film s’ouvre puissamment, nous plongeant immédiatement dans la douleur et l’isolement de Ramona. Danielle Deadwyler offre une performance chargée émotionnellement en tant que mère hantée par le chagrin. Sa représentation est brute, faisant en sorte que les téléspectateurs se sentent profondément connectés à ses difficultés. Russell Hornsby, malgré un temps d’écran limité, laisse une forte impression en tant que défunt mari de Ramona. Les enfants, Taylor (Peyton Jackson) et Annie (Estella Kahiha), ajoutent de la profondeur avec des représentations convaincantes d’enfants forcés de grandir trop rapidement. Collet-Serra connaît son chemin autour du suspense, et le directeur de la photographie Pawel Pogorzelski amplifie les frissons avec des angles de caméra effrayants et des peurs de saut. La partition musicale effrayante de Lorne Balfe ajoute une couche supplémentaire de malaise, en vous assurant que vous saisissez fermement votre pop-corn. Un changement qui perd la focalisation «La femme dans la cour» prend un virage nette à mi-chemin, passant du thriller surnaturel au drame psychologique ambigu. Initialement intrigant, le récit devient de plus en plus déroutant. Les peintures de la femme mystérieuse de Ramona suggèrent des thèmes psychologiques plus profonds, mais le film a du mal à fournir des réponses claires. Okwui Okpokwasili, est effectivement troublant en tant que femme mystérieuse. Son approche lente et méthodique de la famille de Ramona crée du suspense, mais sa présence soulève plus de questions que de réponses. Bien que l’ambiguïté puisse améliorer l’horreur, ici, cela m’a frustré et m’a laissé en espérant la clarté. Re-vrai représentation et authenticité La productrice Stephanie Allain apporte une authenticité à la table en mettant en lumière une famille noire de classe moyenne supérieure de manière réaliste. Le cadre à domicile, l’art et la dynamique familiale résonnent vraiment. La dynamique semble réelle, le cadre est authentique et vous racine vraiment ces personnages. Cependant, cette représentation réfléchie est éclipsée par des intentions narratives peu claires, me laissant en conflit. Insistance de la production Selon les notes de production, «la femme dans la cour» est profondément enracinée dans l’exploration des effets dévastateurs du chagrin. Le scénariste Sam Stefanak a conçu une histoire personnelle initialement intitulée «L’homme dans la cour», réécrit spécifiquement pour Deadwyler. Le réalisateur Collet-Serra visait à créer un voyage introspectif, mettant l’accent sur les peurs et les doutes internes sur des peurs simples. Les propres peintures de Danielle Deadwyler présentées dans le film ajoutent une autre couche personnelle, renforçant l’authenticité de l’histoire. The Woman in the Yard Review: Thrills, frisson et beaucoup de confusio Agir – 7/10 Cinématographie / effets visuels – 9/10 Plot / scénario – 6/10 Réglage / thème – 8/10 Watchability – 6/10 REWATCHABILITÉ – 5/10 Révision des utilisateurs 0 (0 votes) Résumé Consultez notre examen plein d’esprit de «The Woman in the Yard», le thriller psychologique maintenant dans les salles. Est-ce que cela donne des peurs ou simplement une confusion? Pros Avantages: Cinématographie fantastique et conception sonore de refus. Des performances exceptionnelles, en particulier Danielle Deadwyler et Peyton Jackson. Des peurs très efficaces qui vous garderont éveillé. Inconvénients Inconvénients: Un complot qui vous vous fait gratter la tête plus que de vous mordre les ongles. La seconde moitié traîne et perd de la clarté. Une forte représentation éclipsée par la confusion narrative. Par intérim Cinématographie / effets visuels Complot / scénario Réglage / thème Vignabilité Rewatchabilité Résumé: La femme dans la cour “offre des peur effrayantes et des performances exceptionnelles, en particulier de Danielle Deadwyler. Le film commence incroyablement fort, vous agrippant avec une émotion brute et un véritable suspense. Cependant, le récit se perd inutilement. Questions que les réponses 3.4 Frustrant et bon Votre note Note utilisateur: 0 (0 votes)
Une histoire imparfaite mais sincère
Jon Gunn Le garçon incassable tente de mélanger la chaleur émotionnelle, la narration confessionnelle et une histoire de persévérance réelle. Adapté des mémoires de Scott Michael Lerette Le garçon incassable: la peur d’un père, le courage d’un fils et une histoire d’amour inconditionnelLe film suit Scott (Zachary Levi) alors qu’il navigue sur les défis et les joies d’élever son fils Austin (Jacob Laval), un garçon atteint d’une maladie osseuse fragile et d’autisme. Malgré ses admirables intentions et ses moments d’émotion authentique, le film se débat avec un rythme incohérent et une tendance à un excès sentimental. Une histoire enracinée dans un amour inconditionnel: Au cœur de Le garçon incassable est Scott Lerette, un père qui est à la fois imparfait et profondément dévoué. Le film suit son voyage alors qu’il essaie d’équilibrer ses propres difficultés avec l’alcoolisme et les lacunes personnelles tout en étant là pour son fils. Austin est décrit comme un enfant infiniment optimiste et joyeux, dont la perspective unique sur la vie est à la fois inspirante et stimulante pour ceux qui l’entourent. L’épouse de Scott, Teresa (Meghann Fahy), offre une stabilité et un soutien inébranlable. L’un des aspects les plus uniques du film est l’inclusion de l’ami imaginaire de Scott, Joe (Drew Powell). Bien que ce choix créatif vise à donner un aperçu des difficultés internes de Scott, elle ressemble parfois à un ajout inutile, distrayant parfois de la dynamique père-fils plus convaincante. Zachary Levi brille, mais le film vacille en exécution: Zachary Levi offre une forte performance en tant que Scott, capturant à la fois son charisme et sa vulnérabilité. Il dépeint efficacement un homme déchiré entre son amour pour sa famille et ses démons personnels. Le parcours comique de Levi se prête également bien à des moments de légèreté, faisant de Scott un protagoniste relatable et engageant. Jacob Laval est tout aussi impressionnant qu’Austin, apportant de la chaleur et de l’authenticité au rôle. Sa représentation évite la caricature, mettant plutôt l’accent sur le véritable enthousiasme d’Austin pour la vie. La chimie de Laval avec Levi est l’épine dorsale du film, créant certains de ses moments les plus sincères. Teresa de Meghann Fahy est un personnage solide, quoique quelque peu sous-développé. Bien qu’elle offre un centre moral fort pour l’histoire, son arc est éclipsé par les difficultés internes de Scott. Patricia Heaton ajoute une présence ancrée en tant que Marcia, bien qu’elle soit sous-utilisée. Un récit inégal avec une approche lourde: Alors que Le garçon incassable Excelle dans les moments individuels de tendresse et d’humour, sa structure globale semble décousue. Le film saute souvent entre les tons – un moment sincère et ancré, le prochain trop sentimental ou forcé dans sa messagerie. La direction de Gunn se penche sur le mélodrame, parfois au détriment d’une narration plus organique. Le film a également du mal à faire du rythme. Certaines scènes persistent trop longtemps, tandis que d’autres se précipitent à travers des rythmes émotionnels clés. Les expériences d’Austin auraient pu être explorées avec plus de profondeur, mais le film change fréquemment de concentration vers les difficultés de Scott. Bien que l’arc de Scott soit engageant, cela se fait parfois au détriment de la réalisation pleinement de l’histoire d’Austin. De plus, l’inclusion de thèmes confessionnels, bien qu’il ne soit pas écrasant, ressemble parfois plus à un élément obligatoire plutôt qu’à une partie organique du récit. Le film essaie de plaire à la fois au public général et aux téléspectateurs axés sur la foi, résultant en un ton parfois confus. Une expérience cinématographique belle mais formule: La cinématographie exposée ici capture à la fois des moments de famille intimes et des photos de balayage qui mettent l’accent sur la vision joyeuse d’Austin sur la vie. La partition musicale complète les rythmes émotionnels du film mais se penche parfois sur une sentimentalité excessive. Malgré sa belle présentation, le film suit une formule assez prévisible. Il ne faut pas beaucoup de risques, s’appuyant souvent sur des tropes familiers de drames familiaux inspirants. Bien que ce ne soit pas nécessairement un défaut pour les téléspectateurs qui cherchent une histoire de bien-être, cela limite l’impact du film. Dans l’ensemble: Jon Gunn Le garçon incassable réussit principalement à livrer une histoire touchante sur la résilience, l’amour et la famille. Les performances de Zachary Levi et Jacob Laval élèvent le matériel, faisant de la relation père-fils l’atout le plus fort du film. Cependant, le rythme incohérent, la narration lourde et une excession excessive à la sentimentalité empêchent le film d’atteindre pleinement son potentiel. Pour ceux qui recherchent un drame édifiant avec de fortes performances et un message sincère, Le garçon incassable offre suffisamment de moments émotionnels pour en valoir la peine. Cependant, les téléspectateurs à la recherche d’une exploration plus nuancée ou profondément en couches de ses thèmes peuvent le trouver manquant. The Unbreakable Boy Review: une histoire imparfaite mais sincère Agir – 7/10 Cinématographie / effets visuels – 7/10 Plot / scénario – 6.5 / 10 Réglage / thème – 6.5 / 10 Watchability – 6.5 / 10 REWATCHABILITÉ – 5/10 Révision des utilisateurs 0 (0 votes) Résumé Pour ceux qui recherchent un drame édifiant avec de fortes performances et un message sincère, le garçon incassable offre suffisamment de moments émotionnels pour en valoir la peine. Cependant, les téléspectateurs à la recherche d’une exploration plus nuancée ou profondément en couches de ses thèmes peuvent le trouver manquant. Pros Performances fortes Une histoire chargée d’émotion avec des thèmes touchants Cinématographie et modification solides Inconvénients Il peut être trop familier et prévisible Il a une dépendance excessive à la sentimentalité Quelques problèmes de rythme
Un retour amusant mais inégal dans l’esprit de Riley
Pixar Animation Studios revient dans le monde coloré et inventif de À l’envers avec Productions de rêveune mini-série animée de quatre épisodes diffusée sur Disney+. Développé par Mike Jones comme une interquelle entre À l’envers (2015) et sa suite À l’envers 2 (2024), la série plonge dans le royaume des rêves, explorant une nouvelle dimension de l’esprit de Riley Andersen. Bien que la série réussisse à mettre en valeur la créativité et l’humour caractéristiques de Pixar, elle faiblit parfois en raison d’un rythme inégal et d’arcs de personnages sous-développés. Un concept imaginatif avec une exécution mixte : À la base, Productions de rêve présente aux téléspectateurs Paula Persimmon (exprimée avec un esprit délicieux par Paula Pell), une réalisatrice de rêves accomplie mais surmenée dans l’esprit de Riley. Chargée de créer des rêves significatifs pour Riley alors qu’elle traverse l’adolescence, le monde de Paula est bouleversé lorsqu’elle s’associe à Xeni (exprimé par Richard Ayoade), un réalisateur de rêverie prétentieux avec des idées grandioses sur la refonte du paysage onirique. Ensemble, ils se lancent dans un voyage de rivalité, de collaboration et de découverte de soi. La prémisse est pleine de potentiel, offrant un regard fascinant sur une partie jusqu’alors inexplorée de l’esprit de Riley. L’animation capture le monde onirique avec des visuels vibrants et surréalistes, mélangeant des éléments familiers de À l’envers avec des designs audacieux et expérimentaux. Des décors de rêve fastueux aux personnages fantaisistes comme Rainbow Unicorn, la série déborde de créativité. Cependant, le rythme de la série semble parfois précipité, car elle tente de condenser le développement important des personnages et l’exploration thématique en seulement quatre épisodes. Un nouveau casting brille, mais les personnages hérités se sentent sous-utilisés : Le casting de voix est un moment fort de Productions de rêve. Paula Pell insuffle à Paula Persimmon du charme, de l’humour et une touche de vulnérabilité, faisant d’elle une protagoniste attachante. Xeni de Richard Ayoade est tout aussi mémorable, équilibrant arrogance et charme avec un esprit sec qui met à merveille la performance de Pell. Maya Rudolph dans le rôle de Jean Dewberry, la directrice pragmatique de Dream Productions, offre une performance remarquable, ajoutant des couches à son personnage qui font d’elle plus qu’un antagoniste stéréotypé. Kensington Tallman fait également un travail absolument fantastique en interprétant Riley Andersen, reprenant son rôle de voix dans À l’envers 2. Cependant, les fans de l’original À l’envers peut trouver décevante la présence limitée de personnages hérités comme Joy (Amy Poehler). Leurs apparitions ressemblent plus à des clins d’œil obligatoires à la franchise qu’à des contributions significatives à l’histoire. Bien que l’accent mis sur les nouveaux personnages soit une évolution bienvenue, une intégration plus forte de la distribution originale aurait pu ajouter une profondeur émotionnelle. Explorer les thèmes de la créativité et de la collaboration : En son cœur, Productions de rêve explore les thèmes de la créativité, de la collaboration et des défis liés à l’équilibre entre innovation et tradition. Le parcours de Paula est passionnant, mettant en évidence la tension entre le maintien de son intégrité créative et l’adaptation aux nouvelles idées. La dynamique entre Paula et Xeni souligne l’importance du compromis et du travail d’équipe, même face à des personnalités conflictuelles. La série se penche également sur la psyché changeante de Riley alors qu’elle entre dans ses préadolescentes. Bien que Riley elle-même reste en grande partie hors écran, sa croissance émotionnelle se reflète dans les scénarios de rêve créés par Paula et son équipe. Cette narration indirecte est un dispositif narratif intelligent, mais elle laisse parfois la présence de Riley trop périphérique à l’intrigue principale. Humour et cœur à parts égales : Le mélange d’humour et de cœur caractéristique de Pixar est pleinement exposé dans Productions de rêve. La série équilibre les moments légers et poignants, capturant souvent l’essence douce-amère du fait de grandir. Les remarques sarcastiques de Xeni et les réponses exaspérées de Paula suscitent beaucoup de rires, tandis que des scènes plus calmes, comme Paula réfléchissant à sa connexion avec Riley, ajoutent une résonance émotionnelle. Cela dit, l’humour vire parfois en territoire prévisible, s’appuyant sur des gags qui perdent de leur charme avec le temps. Par exemple, les faux pas fréquents de Rainbow Unicorn, bien qu’amusants au début, commencent à se sentir surutilisés à la fin de la série. Un peu plus de variété dans les rythmes comiques aurait pu améliorer l’expérience globale. Le spectacle visuel rencontre l’éclat musical : Visuellement, Productions de rêve est un régal pour les yeux. Les séquences de rêve sont remplies de décors imaginatifs, des salles de bal étincelantes aux paysages oniriques chaotiques débordant d’images surréalistes. L’équipe d’animation excelle à repousser les limites de ce à quoi peuvent ressembler les rêves, en créant un kaléidoscope de couleurs et de textures qui maintiennent l’attention du spectateur. La série bénéficie également de la partition envoûtante de Nami Melumad, qui complète parfaitement le ton fantaisiste. Des mélodies ludiques lors de moments comiques aux thèmes orchestraux radicaux dans des scènes émotionnelles, la musique améliore la narration et ajoute une couche supplémentaire de magie aux visuels. Une finale précipitée laisse des questions sans réponse : Alors que Productions de rêve commence fort, sa conclusion semble précipitée et trop pratique. Les conflits clés sont résolus trop rapidement et certains arcs de personnages ne reçoivent pas la récompense satisfaisante qu’ils méritent. Par exemple, l’évolution de la relation entre Paula et Xeni, bien qu’agréable, aurait pu être explorée plus en profondeur avec plus de temps. De même, le scénario de Jean Dewberry, qui commence par une promesse, se termine sur une note quelque peu anticlimatique. La brève durée d’exécution de la série est à la fois une force et une faiblesse : elle permet un récit concis et ciblé, mais laisse également peu de place à la riche construction du monde et au développement des personnages que les fans attendent de Pixar. Un pas en avant pour la franchise : Malgré ses défauts, Productions de rêve est un ajout bienvenu au À l’envers univers. Il développe le concept du film original de manière créative, offrant
Revue Sweethearts : bonne intention mais imparfaite
Le premier long métrage de Jordan Weiss, Amoureuxtente de mélanger les épreuves du jeune adulte avec les complexités de l’amitié, de l’amour et de la découverte de soi. Mettant en vedette Kiernan Shipka et Nico Hiraga dans le rôle d’étudiants de première année naviguant dans leurs relations avec leurs amants du lycée et entre eux, cette comédie romantique vise à s’attaquer aux tropes familiers avec une touche contemporaine. Bien qu’il offre des moments d’humour et de chimie sincères, le film se heurte à un rythme inégal et à un développement des personnages décevant, offrant finalement une expérience médiocre. Une configuration prometteuse avec des thèmes pertinents : Amoureux vise à explorer la transition de l’adolescence à l’âge adulte à travers le prisme de deux meilleurs amis, Jamie (Shipka) et Ben (Hiraga). Les deux personnages sont aux prises avec des relations à distance qui semblent de plus en plus incompatibles avec leur estime de soi croissante. L’attitude réservée de Jamie, façonnée par l’intimidation dans son enfance, contraste fortement avec la nature accommodante de Ben face à sa petite amie autoritaire. Cette dynamique constitue une base intrigante pour une histoire sur la croissance personnelle et la nature évolutive des relations platoniques. Weiss et son co-scénariste Dan Brier élaborent un récit qui reflète les luttes de nombreux jeunes adultes : la tension entre s’accrocher au passé et embrasser l’avenir. La décision de cadrer l’histoire autour d’un road trip partagé, avec des mésaventures chaotiques et des révélations émotionnelles, semble être un choix naturel pour une comédie romantique sur le passage à l’âge adulte. Cependant, l’exécution du film échoue, donnant souvent la priorité à la comédie situationnelle plutôt qu’à une exploration significative des conflits intérieurs de ses personnages. Chimie et Performances : Kiernan Shipka et Nico Hiraga brillent dans des moments de véritable camaraderie, leurs plaisanteries et leur soutien mutuel reflétant le réconfort d’une amitié de longue date. Le portrait de Jamie par Shipka capture son extérieur épineux et sa vulnérabilité sous-jacente, bien que l’accent inégal du scénario sur ses luttes limite la profondeur émotionnelle de son arc. Hiraga confère à Ben un charme sympathique et décontracté, mais le manque d’agence de son personnage le fait parfois se sentir plus comme un intrigue que comme un individu pleinement réalisé. Les acteurs secondaires, dont Ava DeMary dans le rôle de Claire autoritaire et Caleb Hearon dans le rôle de l’affable Palmer, ajoutent de la saveur au récit. L’intrigue secondaire de Palmer sur l’acceptation de soi est l’un des éléments forts du film, offrant une exploration tendre et humoristique des thèmes LGBTQ+. Cependant, ces intrigues secondaires éclipsent souvent la relation centrale entre Jamie et Ben, diluant l’impact émotionnel du film. Problèmes d’écriture et de rythme inégaux : Les changements de ton du film sont l’un de ses inconvénients les plus importants. Par moments, Amoureux a du mal à trouver un équilibre entre une introspection sincère et une absurdité comique. Par exemple, les pitreries des escapades ivres de Claire et Simon virent au territoire burlesque, sapant le poids émotionnel des voyages de Jamie et Ben. De même, les détours fréquents dans la vie des personnages secondaires, bien que divertissants, nuisent au récit central, laissant les arcs de Jamie et Ben sous-développés. Le rythme est un autre problème, la structure du road trip du film conduisant à une série d’épisodes disjoints plutôt qu’à une progression cohérente. Les moments clés, comme la confrontation culminante entre Jamie et Ben, semblent précipités, les privant de la résonance émotionnelle qu’ils méritent. Pendant ce temps, la résolution de leurs conflits, bien que satisfaisante en apparence, manque de la construction narrative nécessaire pour la rendre véritablement percutante. Opportunités manquées de profondeur : Alors que Amoureux aborde des thèmes significatifs, notamment la co-dépendance, l’acceptation de soi et les défis liés au maintien d’amitiés pendant les périodes de transition, il effleure souvent la surface plutôt que d’approfondir ces idées. Les difficultés de Jamie en matière de confiance et de connexion, par exemple, sont évoquées mais jamais pleinement explorées, laissant sa transformation incomplète. De même, le conflit interne de Ben concernant les études à l’étranger est traité davantage comme une intrigue que comme un véritable dilemme, privant sa décision de son potentiel émotionnel. La gestion par le film de ses éléments romantiques est également quelque peu terne. Même si cela évite judicieusement le trope des amis platoniques qui tombent inévitablement amoureux, l’ambiguïté de la relation entre Jamie et Ben ressemble plus à une échappatoire narrative qu’à un choix délibéré. En omettant de déterminer définitivement si leur lien est purement platonique ou quelque chose de plus, le film manque une occasion de donner un nouveau regard sur les frontières souvent floues entre amitié et romance. Visuels : Visuellement, Amoureux s’appuie sur une esthétique chaleureuse et indépendante qui complète son énergie juvénile. La cinématographie, bien que compétente, offre peu de choses pour distinguer le film des autres comédies romantiques. Les décors universitaires emblématiques comme les fêtes, les bus et les bars des petites villes sont rendus avec une familiarité générique qui, bien que pertinente, ne laisse pas une impression durable. Points forts et lacunes : L’un des Les amoureux Les moments marquants se présentent sous la forme du scénario de Palmer, qui offre une représentation sincère de la sortie et de la découverte d’une communauté. Ces scènes, imprégnées d’humour et de chaleur, offrent un contrepoids rafraîchissant aux éléments plus prévisibles du film. De même, l’alchimie entre Shipka et Hiraga transparaît parfois, conférant de l’authenticité à leur portrait d’une amitié complexe. Cependant, le recours du film à des scénarios artificiels et à des arcs de personnages sous-développés nuit finalement à son potentiel. Les rythmes émotionnels clés, tels que Jamie confronté à son tyran d’enfance ou Ben aux prises avec sa peur de l’abandon, se sentent affaiblis par la tendance du film à donner la priorité à l’humour plutôt qu’au fond. Dans l’ensemble: Amoureux est un film qui a le cœur à la bonne place mais qui peine à concrétiser pleinement ses ambitions. Jordan Weiss se montre prometteur en tant que réalisateur, capturant des moments d’humour et
Kent State a perdu mais a pris sa première avance de la saison
Les dieux du football ont été cruels envers Kent State. Même quand ils font quelque chose de bien, ça tourne mal. Lors de la défaite 34-7 des Golden Flashes contre Miami (Ohio) lors d’un match du MAC mercredi, ils ont récupéré un échappé et l’ont renvoyé pour un scoop-and-score au quatrième quart. Le ballon était sorti et il a été renvoyé pour un touché apparent. Cependant, après examen, les arbitres ont sifflé par inadvertance et le jeu a été déclaré mort au moment de la reprise. Les Golden Flashes ont une fiche de 0-10 et ont perdu 20 de suite en deux saisons. C’est la dernière équipe FBS à être sans victoire en 2024. Kent State a pris sa première avance de la saison, marquant le premier. Cependant, les Redhawks ont perdu les 34 points suivants. Kent State a été battu 477-178. Les Golden Flashes ont gagné du temps de possession, gardant le ballon pendant près de 37 minutes.
Atmosphérique mais avec une exécution décevante
Retenez votre souffleréalisé par Karrie Crouse et Will Joines, est un thriller d’horreur psychologique se déroulant dans le paysage rude et isolé de l’Oklahoma des années 1930. Avec des tempêtes de poussière qui menacent d’engloutir le monde entier, le film explore les thèmes de la maternité, des traumatismes et de la peur surnaturelle. Il met en vedette Sarah Paulson dans le rôle de Margaret Bellum, une femme hantée par son passé, avec Amiah Miller dans le rôle de sa fille Rose, et Annaleigh Ashford, Alona Jane Robbins et Ebon Moss-Bachrach complétant le casting. Même si la prémisse et l’ambiance du film sont intrigantes, Retenez votre souffle finit par échouer en raison de problèmes de rythme et de personnages sous-développés. Ambiance inquiétante : Retenez votre souffle excelle dans la création d’une atmosphère distincte. La cinématographie du film capture les plaines arides et désolées de l’Oklahoma dans les années 1930, où des tempêtes de poussière – connues sous le nom de « blizzards noirs » – étouffent le ciel et obscurcissent l’horizon. Les séquences de tempête, en particulier, sont visuellement saisissantes, les cinéastes utilisant une palette de couleurs sourdes de bruns et de gris pour souligner la morosité de l’environnement. Ce paysage oppressant devient un personnage en soi, représentant à la fois l’étouffement externe et interne que subit la protagoniste, Margaret. Les tempêtes de poussière sont le principal véhicule de l’élément surnaturel du film. Alors que Margaret devient de plus en plus paranoïaque à propos d’une présence mystérieuse dans les tempêtes, les visuels soutiennent cette crainte. La directrice de la photographie, Zoë White, utilise des tourbillons de poussière et des personnages à moitié aperçus pour accroître la tension, suggérant que l’inconnu se cache juste au-delà du champ de vision du spectateur. Cette ambiguïté visuelle crée un sentiment étrange et désorientant, contribuant à l’horreur psychologique du film. Sarah Paulson est géniale : Sarah Paulson, connue pour sa capacité à incarner des personnages émotionnellement complexes, offre une solide performance dans le rôle de Margaret Bellum. Margaret est une femme qui lutte pour protéger ses deux filles tout en faisant face aux cicatrices psychologiques de son passé. Paulson lui confère une vulnérabilité qui rend la descente de son personnage dans la paranoïa à la fois crédible et empathique. Il y a une subtilité dans sa performance qui contribue à ancrer le film, même lorsque les éléments surnaturels commencent à sembler trop ambigus. Le regard hanté dans ses yeux et sa physionomie tendue donnent au public une fenêtre sur son état mental en ruine. Le désespoir de Margaret de protéger ses enfants du mal, à la fois physique et surnaturel, est à l’origine d’une grande partie du poids émotionnel de l’histoire. Le portrait de Paulson garantit que le public reste investi dans son sort, même si le récit du film devient de plus en plus opaque. Casting de soutien : Amiah Miller dans le rôle de Rose, la fille aînée de Margaret, offre une solide performance mais dispose de peu de matériel avec lequel travailler. La relation de Rose avec sa mère est pleine de tensions, d’autant plus que la paranoïa de Margaret s’approfondit. Cependant, le film n’explore jamais pleinement cette dynamique, ce qui ressemble à une opportunité manquée. Il y a des allusions à la peur de Rose de devenir comme sa mère, mais ces moments sont trop éphémères pour laisser un impact durable. Annaleigh Ashford dans le rôle d’Esther Smith, une voisine qui offre un réconfort temporaire, apporte un peu de chaleur au film. Cependant, son personnage est sous-développé et sert finalement davantage d’intrigue que d’individu pleinement étoffé. Alona Jane Robbins, en tant que fille cadette, Ollie, joue un rôle plus passif mais offre au film des moments d’innocence qui contrastent avec l’obscurité croissante autour de la famille. Thèmes : Le thème central du film tourne autour de la peur de l’inconnu, à la fois dans la manifestation physique des tempêtes de poussière et dans l’effondrement mental de Margaret. Les tempêtes deviennent une métaphore de ses troubles intérieurs, la frontière entre réalité et illusion devenant de plus en plus floue. Margaret est hantée par un passé tragique auquel on ne fait que vaguement allusion, laissant une grande partie de son traumatisme à l’imagination du public. Cependant, la réticence du film à apporter des réponses plus concrètes joue en sa défaveur. Même si l’ambiguïté peut être un outil efficace dans l’horreur psychologique, Retenez votre souffle s’appuie trop lourdement dessus, au point que le récit commence à paraître confus. La présence surnaturelle dans les tempêtes n’est jamais entièrement expliquée, et le refus du film d’offrir toute clarté peut laisser les spectateurs frustrés plutôt qu’intrigués. Rythme lent : Le rythme du film contribue également à ses défauts. A un peu moins de deux heures, Retenez votre souffle semble plus long qu’il ne l’est en raison de son acte intermédiaire lent. La lente montée de tension, bien qu’efficace au début, finit par devenir monotone. Le film est au bord du suspense mais ne livre jamais pleinement les résultats promis par sa configuration. L’une des plus grandes faiblesses du film réside dans les occasions manquées d’approfondir la vie émotionnelle de ses personnages. Le traumatisme passé de Margaret est évoqué mais jamais exploré de manière significative, ce qui prive l’histoire d’une couche cruciale de complexité psychologique. La relation entre Margaret et Rose, qui aurait pu donner lieu à de riches conflits émotionnels, reste largement superficielle. Exploration de la maternité : De plus, l’exploration du film sur la maternité en tant que source à la fois de force et de vulnérabilité semble insuffisamment cuite. Même si le désespoir de Margaret de protéger ses enfants est une force motrice, nous ne comprenons jamais pleinement la profondeur de son amour ou de sa peur. Ce manque de profondeur émotionnelle empêche le film de résonner plus profondément, ce qui est particulièrement décevant compte tenu du talent de ses acteurs principaux. Retenez votre souffle est un film qui réussit à créer une atmosphère troublante mais qui échoue finalement en termes de narration et de développement des personnages.
Kirk Cousins a pris un risque mais cela a payé pour Atlanta
Les Falcons d’Atlanta avaient besoin de verges pour placer Younghoe Koo dans une portée raisonnable. Le problème était qu’ils n’avaient plus de temps mort et qu’il restait 12 secondes à jouer au quatrième quart jeudi soir contre les Buccaneers de Tampa Bay. Faites une courte passe vers l’extérieur, sortez des limites et donnez une chance à votre kicker. Aucune chance si votre quarterback est Kirk Cousins. Le vétéran a trouvé Drake London au milieu sur 14 mètres et a d’une manière ou d’une autre réussi à préparer son équipe et à améliorer le football à une seconde de la fin. J’ai obtenu le premier et j’ai grimpé avec une seconde à jouer OH MON DIEU pic.twitter.com/lJafzVlvip – NFL (@NFL) 4 octobre 2024 Après une erreur des Falcons, appelé pour retard de match, Koo est entré en jeu et a marqué un panier de 52 verges pour envoyer le match en prolongation à égalité à 30.
John Wick Spinoff fait face à des défis mais offre de l’espoir
Eh bien, les amis, on dirait que l’univers de John Wick est en train d’avoir un spin-off, et ça s’appelle Ballerine. Mais retenez vos applaudissements, car celui-ci a eu des notes aigres. Avec la talentueuse Ana de Armas, Ballerine était censé être un nouveau chapitre passionnant du Wick-verse. Au lieu de cela, les premières projections ont été plus un trébuchement qu’une pirouette. Film Ballerine devrait suivre une assassine, interprétée par de Armas, dans le monde de John Wick. Imaginez toute l’action à indice d’octane élevé et les fusillades élégantes, mais avec une touche de grâce et d’élégance. Cela semble prometteur, non ? Eh bien, la réalité semble un peu plus compliquée. Les rapports disent qu’il s’agit plutôt d’une « imitation limite » des films originaux de Wick, mais avec un ton qui passe partout. Les rumeurs de production Le film a fait face à tout un parcours. Initialement prévu pour une sortie le 7 juin 2024, Ballerine a été repoussé au 6 juin 2025. Cela représente un retard d’un an entier, ce qui signifie généralement que quelque chose se passe. Entrez Chad Stahelski, le cerveau derrière la franchise John Wick. Il a été appelé pour superviser la production et a même réalisé de nouvelles séquences d’action. Apparemment, le film avait besoin d’une petite mission de sauvetage. N’oublions pas les acteurs supplémentaires qui nous ont rejoint lors de ces « nouveaux tournages ». Oui, ils ont ajouté de nouveaux personnages en fin de jeu. David Castañeda et Sharon Duncan-Brewster sont les nouveaux visages que nous verrons dans ce ballet chaotique. Ian McShane, reprenant son rôle de Winston, n’a pas retenu ses pensées. Dans l’émission The One Show de la BBC, il a mentionné que les reprises ressemblaient davantage à des « nouvelles pousses ». Aie. Stahelski est intervenu, soi-disant pour récupérer ce qu’il pouvait et protéger la franchise. Avec Ballerine décrit comme incohérent sur le plan tonal et mal réalisé, il semble qu’ils aient eu beaucoup de choses à corriger. Le film, dont la production a commencé en novembre 2022, est entré en post-production en février 2023. Mais étant donné la projection désastreuse, d’autres reprises pourraient être envisagées. Lionsgate ne peut certainement pas se permettre de sortir un raté, surtout avec une franchise aussi appréciée que John Wick. Malgré la tourmente, il y a des raisons d’espérer. Ana de Armas est une étoile montante, et avec des légendes comme Anjelica Huston et Ian McShane à bord, le casting est solide. De plus, ce film présente la performance finale du regretté Lance Reddick dans le rôle de Charon, ajoutant une note douce-amère à sa sortie. Et n’oublions pas le caméo de Keanu Reeves lui-même. Une brève histoire de la franchise John Wick La franchise John Wick a débuté en 2014 avec Keanu Reeves comme personnage principal, un tueur à gages à la retraite cherchant à se venger de la mort de son chien. Le mélange unique d’action stylisée, de construction complexe du monde et de performance de Reeves a touché une corde sensible auprès du public. Il a engendré des suites qui ont élargi la tradition, introduit des personnages mémorables et fait monter les enjeux. Réalisée par Chad Stahelski, la série est connue pour sa chorégraphie de premier ordre et son rythme implacable. Au fur et à mesure que la franchise grandissait, elle est devenue un phénomène culturel, conduisant à des retombées comme Ballerine et d’autres projets à venir.