★★ Londres, 1934. Le critique de théâtre acide du Daily Chronicle tourmente une actrice populaire mais d’un manque d’assurance paralysant à travers une séquence de critiques joyeusement au vitriol. Il s’appelle Ian McKellen, elle s’appelle Gemma Arterton. Ensemble, ils élèvent un effort autrement médiocre du Bissextile réalisateur Anand Tucker. Eux, et une poignée de barbes extrêmement méchantes dans un scénario de Patrick Marber, faisant son retour tant attendu au cinéma. Où Le critique possède une ligne de force, cependant, l’ensemble plus large n’a pas la moitié du zeste et de la saveur. Jimmy Erskine n’est pas qu’un critique de théâtre. Doté d’un don verbeux pour le vocabulaire, Erskine est un pilier du Chronicle depuis quatre décennies et le favori de son rédacteur en chef effréné de droite. De plus, Erskine est également un homosexuel enragé et sans vergogne à une époque où l’être, c’était être un criminel de premier ordre. Cela ne dérange pas le grand écrivain lui-même. Pas du tout. En effet, l’apparente indifférence d’Erskine lui offre le luxe de vivre avec son amant – et secrétaire – Tom (Alfred Enoch), tout en assaisonnant leur relation avec des relations sexuelles régulières avec une prostituée du parc. Erskine est connu pour aimer ça « dur ». On ne sait pas vraiment pourquoi Erskine s’en prend avec autant de ferveur à Nina Land d’Arterton, dont la présence scénique ne semble justifier ni l’adoration populaire ni la fustige critique. De son côté, Nina ne se soucie que du jugement d’Erskine. Après tout, c’est la lecture de ses réflexions sur l’art du théâtre qui a inspiré Nina à se produire sur scène. Mais ici et maintenant, Nina ne trouve plus de joie dans une telle lecture. “Au cours des dix dernières années, déplore-t-elle, vous m’avez comparée au bétail, aux créatures marines et à un oiseau disparu”. Ceci, à la suite d’un travail de hache particulièrement macabre, dans lequel Erskine se moque de Nina en la qualifiant de « couverture mouillée » avec un « gros cul ». C’est en explorant la relation entre star et critique que Tucker trouve son film le plus convaincant. Le besoin désespéré de Nina de plaire s’intensifie à chaque nouvelle critique, mais la négativité du Chronicle semble avoir peu d’influence sur son succès commercial et le flux de rôles qui lui sont proposés. En consultant Erskine – en soi une curieuse manifestation d’une conversation qui se produit rarement dans la vraie vie – Nina découvre la racine de sa négativité. Erskine ne déteste apparemment pas Nina, mais éprouve une profonde déception chaque fois qu’elle ne répond pas à ses attentes exigeantes. Malheur à ceux qui ne correspondent pas à l’image d’Erskine d’une petite Angleterre très particulière. Et pourtant, en explorant cette dichotomie, Le critique lui-même déçoit. Trop tôt, les questions ouvertes sont abandonnées. Il est entendu ici que les acteurs recherchent l’approbation du critique, mais que l’inverse de la dichotomie reste intact. Pourquoi Jimmy écrit-il ? Est-ce un pur plaisir ou une revanche pour une carrière qu’il n’a pas pu soutenir. Hélas, trop vite, la conversation cède la place à quelque chose de plus soupe. C’est le reste d’une intrigue tirée du roman d’Anthony Quinn – Curtain Call – sur lequel est basé le film. Une histoire de plus en plus moribonde de chantage, de subterfuge et de suicide. Marber laisse présager des frissons mais se replie sur les drames les plus doux. Alors que des mélodies morbides jaillissent d’une partition de touches de piano enfoncées, il est difficile de ne pas manquer le crépitement plus aigu de la tierce d’ouverture. Imperturbable, McKellen maintient sa part de pétillant tout au long, dévorant l’opportunité dramaturgique d’embrasser les penchants de plus en plus malodorants d’Erskine. Arterton, lui aussi, s’épanouit dans une ostentation performative alors que Nina sombre dans un désespoir de plus en plus rapide. Tucker a moins de chance de capitaliser sur le potentiel de son ensemble plus large, Lesley Manville, Romola Garai et Mark Strong étant tous sous-utilisés. À cette fin, il s’agit d’un instrument à deux mains qui passe à la pièce de chambre sans vraiment toucher au cœur de l’un ou l’autre. TS
Beetlejuice Beetlejuice | Revue | Le blog du cinéma
★★★ Ils ne les font plus comme ça. L’ont-ils déjà fait ? Si la convention veut qu’un film moyen suive au moins une certaine forme de progression logique, la réponse ne peut être que non. Jus de Beetle Jus de Beetle – la suite au titre plutôt merveilleux du « juice » original de 1988 – est une offre aussi loufoque que tout ce qui figure dans le catalogue de Tim Burton à ce jour, et tant mieux pour cela. Tant mieux et, à bien des égards, pire encore. Certes, il n’y a rien ici pour attirer les nouvelles venues ni convaincre les sceptiques d’origine. En termes simples, Jus de Beetle doublé est tout aussi puéril, flou et étrange que son ancêtre, et non moins dépendant des talents de son ensemble glorieusement gothique pour ancrer ses bases. Plus classique culte que l’une des variétés Stone Cold, l’original Jus de Beetle n’était que le deuxième film de Burton à sortir. Avec le recul, ce sont des trucs terriblement familiers de la part du réalisateur, tous profondément exagérés et incroyablement pratiques dans sa présentation d’une approche stylistique saccadée. Comme il est facile d’oublier qu’il s’agissait autrefois d’une nouvelle vision audacieuse de l’horreur comique venant d’une nouvelle voix cinématographique dynamique. Trente-six ans plus tard, c’est un exploit bien plus mesquin que d’essayer de vendre la boîte à malices folle de Burton comme étant fraîche. Certes, dès Ombres sombres à DumboBurton semble avoir eu du mal ces derniers temps à captiver l’imagination du public et des critiques. À cette fin, il y a quelque chose d’assez louable dans l’approche de Burton Jus de Beetle Jus de Beetle. Une suite héritée s’il en est une, cette seconde Jus de Beetle brûle moins exclusivement le carburant de la nostalgie que la plupart, se vantant d’un récit qui, bien que extrêmement bourré, démontre un désir d’essayer quelque chose de nouveau avec la franchise. Cela ne veut pas dire que le retour de Burton à Winter River, son royaume modèle et ceux au-delà des limites, n’est pas arrosé de bons souvenirs. Les plans d’ouverture à eux seuls, adaptés à un millésime familier de Danny Elfman, rappellent l’apogée de Burton avec un élan de chaleur pleine de nostalgie. Même si l’intrigue s’éloigne de la familiarité, il y a des clins d’œil aux concepts, aux visuels et aux verbatim directement issus de l’original. Peu importe le casting de retour, une présence plus forte pour les raides à tête réduite de Burton s’avère un frisson. Comme auparavant, c’est Winona Ryder qui constitue le cœur battant du film, reprenant le rôle de Lydia Deetz, autrefois adolescente gothique. N’étant plus une adolescente, mais non moins gothique, Lydia gagne désormais sa vie en tant que médiatrice psychique pour l’émission de télé-réalité paranormale ‘Ghost House’. Elle est plus fragile maintenant, plus fragile et moins sûre d’elle. « Où est cette odieuse fille gothique qui m’a torturé ? » crie la belle-mère Delia (Catherine O’Hara). Elle s’est torturée, semble-t-il. N’oublions pas que Lydia voit des morts. Elle a aussi une fille maintenant. Il s’agit d’Astrid de Jenna Ortega, un rôle pas si éloigné de Wednesday Addams ou CrierC’est Tara Carpenter mais superbement réalisé. Également sur la scène se trouve Rory, instantanément antipathique de Justin Theroux – le petit ami producteur new age de Lydia. Quant à son père, les inquiétudes liées au casting problématique sont rapidement apaisées par la séquence la plus drôle du film, un intermède en stop-motion qui laisse Charles Deetz à moitié mutilé par un requin d’argile. C’est la mort de Charles qui ramène la famille trigénérationnelle à Winter River, les trois femmes unies dans la mort et pour des funérailles au vieux repaire de Maitland. Sur ce point, Beetlegeuse attend. Un rôle plus costaud pour Michael Keaton ne fait qu’augmenter le fou, son schtick agaçant de Robin Williams repris avec une précision impressionnante. Il y a toujours eu le sentiment avec celui-ci que la partie, toute en fanfare et en énergie loufoque, devrait vraiment se sentir plus emblématique. Peut-être que c’est le cas pour certains. Toujours déterminé à obtenir Lydia pour son épouse, Beetlegeuse a sa propre intrigue secondaire à affronter cette fois-ci – il y en a beaucoup. Une méchante introduction pour l’ex-épouse éconduite, Delores (Monica Bellucci), voit la mariée agrafer ensemble les parties de son corps disséquées et sucer l’âme d’un Danny DeVito en camée dans un paquet plat. Elle est froide sur son cas. De plus en plus de Burton se lancent dans ses secondes de soupe. Le plaisir est frénétique mais décevant, chaque menace vermifuge étant enveloppée sans la moindre trace de poids. Ils viennent juste de se terminer. Et pourtant, s’il est difficile d’imaginer un film comme Jus de Beetle captant la lumière dans l’arène moderne, c’est trop facile à imaginer Jus de Beetle Jus de Beetleune suite bien interprétée et opportune, qui fonctionne à merveille. Une aversion pour la génération informatique confère aux effets du film une esthétique agréablement artisanale, tandis que la musique de pointe renforce l’ambiance foraine. Un troisième tour de grande roue semble désormais improbable, mais on ne sait jamais quand il s’agit de bioexorcisme. TS
Lee | Revue | Le blog du cinéma
★★★ La même année, Kirsten Dunst prend son nom en hommage au film d’Alex Garland. Guerre civilele photojournaliste phare du milieu du siècle, Lee Miller, reçoit le traitement biographique, grâce au premier film succinctement intitulé d’Ellen Kuras. Se déroulant entre 1937 et 1945, terminé par un flirt avec 1977, Lee retrace le voyage de Miller au cœur de la Seconde Guerre mondiale et ses fouilles des dégâts qu’elle a causés. Ses images restent aussi puissantes que jamais. S’il n’est pas si extraordinaire dans sa propre exécution, le film mérite d’être reconnu pour les efforts qu’il prend, ce qui explique pourquoi Miller seul aurait pu les prendre. Dans le même but, Lee doit sa propre existence en grande partie aux efforts acharnés d’une Kate Winslet visiblement passionnée, qui dirige elle-même le film dans le rôle de Miller. Une production de huit ans, dont deux semaines pendant lesquelles Winslet a payé les salaires, est une réalisation éreintante. Compte tenu d’un processus de gestation aussi long, on pourrait s’attendre à ce que le film ait acquis une base plus solide sous la peau de son sujet. Et pourtant, malgré toute la visibilité éminente de Winslet tout au long du film – elle est en effet formidable – son Miller semble plutôt trop performatif. LeeLee de est acerbe, endommagé et trompeusement intuitif, mais plus une herbe à chat pour un bon acteur qu’une étude de personnage enracinée. C’est peut-être quelque chose qui compte. Certes, l’intervieweur de Josh O’Connor a du mal à casser la coquille. Aux questions sur le rôle et la signification de ses photos, Miller de 1977 ne propose que le rejet. Ce ne sont que des images. Bien moins que ne le suggère un voyage quarante ans auparavant. On ne parcourt pas une zone de guerre active simplement jusqu’à la fin des images. En effet, notre première observation de la jeune Miller la voit trébucher à Saint-Malo, sur des décombres et sur fond de poussière bien trop active. Un paysage sonore claustrophobe concentre les respirations rauques de Miller, ponctuées de battements de cœur palpitants. La peur est brûlante sur son visage. Il n’y a aucun doute quant aux efforts qu’elle fera pour capturer la vérité visuelle du monde changeant qui l’entoure. Kuras nous ramène encore plus loin. Retour à une époque de somnambulisme ensoleillé, du moins c’est ce qu’ont semblé Miller et son groupe d’amigos artistes parisiens, et un monde trébuchant dans une seconde Grande Guerre. Une dispute seins nus avec son futur mari, Roland Penrose, emmène Miller à Londres et aux portes du Vogue britannique. Recrutée comme photographe de guerre, après avoir été mannequin de l’autre côté de l’objectif, l’odyssée de Lee sur le continent est davantage alimentée par la force de la nature que par les caprices d’un établissement désuet. Elle y retrouvera son collègue photojournaliste David Scherman, juif dans l’Europe hitlérienne et incarné de manière impressionnante par Andy Sandberg, dans ses débuts dramatiques. C’est l’expérience de Scherman de Buchenwald et de Dachau, racontée avec tant de sérieux par Sandberg, qui donne au film son exemple le plus puissant. Sa réaction à la désormais tristement célèbre séance photo dans la baignoire de Miller – dans le propre appartement d’Hitler et prise sans le savoir quelques instants après sa mort – est la plus perverse du film. Sandberg n’est pas le seul visage célèbre recruté pour le projet passion, mais lui seul brille. Certes, la présence totémique de Winslet ici jette des ombres. Marion Cotillard, Andrea Riseborough et Alexander Skarsgård apparaissent chacun, recrutés pour des apparitions étrangement brèves, mais ne trouvent pas grand-chose à faire. Skarsgård, surtout, se sent plutôt perdu, aggravé par un bouchon terriblement horrible pour un accent britannique. Riseborough fait faillite dans le rôle d’Audrey Withers, rédactrice en chef excentrique de Vogue, tandis que Cotillard s’inscrit à peine dans le rôle de son homologue française, Solange d’Ayen. Ce sont les rôles plus petits, moins voyants, qui fondent la pièce, comme l’interaction de Miller avec un soldat grièvement blessé dans un hôpital sous tente américain. Elle peut à peine cacher son horreur, il veut simplement voir à quel point il a l’air drôle. Il y a du cran. Curieusement, peu de temps est consacré à l’impact des années de guerre de Miller sur sa vie ultérieure. Ce furent des années de déclin de la santé mentale et de stress post-traumatique dévastateur. Un échange d’actes tardifs quelque peu maladroit offre un aperçu trop bref d’un traumatisme d’enfance que Miller a porté avec elle jusqu’à ses derniers jours. De telles allusions à l’état d’esprit sobre avec lequel Winslet a abordé sa performance, sans extrapoler sa résonance dramatique dans le film dans son ensemble. Lee dépeint des événements remarquables dans une vie remarquable, mais ne trouve jamais vraiment un tissage convaincant pour les faire traverser. Un peu moins de prestige, un peu plus de saleté sous les ongles et beaucoup plus de vision humaniste de Miller auraient pu faire des merveilles avec celui-ci. TS
Dévoilement des films de chasse incontournables du cinéma
Les films sont fascinés par le thème primordial de la chasse, que ce soit pour la survie, le sport ou le simple frisson de la chasse. Ce lien entre l’homme et la nature, le prédateur et la proie, est captivant à voir et déçoit rarement sur grand écran. Ici, nous nous penchons sur certains des films de chasse les plus épiques de tous les temps, explorant le talent artistique et l’intensité qui font que ces films trouvent un écho auprès du public. Le chasseur de cerfs (1978) « The Deer Hunter » de Michael Cimino n’est pas seulement un film sur la guerre du Vietnam ; c’est une exploration intense des impacts de la guerre sur la vie personnelle. Les scènes de chasse dans les forêts de Pennsylvanie sont littérales et métaphoriques, représentant les batailles et luttes internes des personnages. Ce film, mettant en vedette les performances exceptionnelles de Robert De Niro, Christopher Walken et Meryl Streep, utilise les scènes de chasse au cerf pour symboliser la perte et les effets obsédants de la guerre, créant ainsi un précédent dans le genre. La performance de DeNiro est bien meilleure que des rôles ultérieurs comme le sien dans ‘Saison qui tue.’ Le fantôme et les ténèbres (1996) Se déroulant en 1898, ce film est basé sur l’histoire vraie de deux lions de Tsavo, au Kenya, qui ont interrompu la construction d’un pont ferroviaire en s’attaquant aux ouvriers. Val Kilmer et Michael Douglas jouent dans ce récit passionnant qui met en scène l’homme contre la nature. Ces hommes sont dans une situation où ils chassent pour leur survie. Le film combine événements historiques, suspense et aventure, offrant un regard captivant sur les dangers de la nature africaine. Le bord (1997) Dans « The Edge », le milliardaire Charles Morse (Anthony Hopkins) et le photographe Bob Green (Alec Baldwin) se retrouvent bloqués dans la nature sauvage de l’Alaska, traqués par un ours tueur. Cette histoire de survie est un récit captivant sur la volonté de l’homme de vivre contre toute attente, mêlé à un duel psychologique entre les deux personnages principaux. La représentation dans le film de la nature sauvage et de l’ours comme élément central de la chasse dresse un tableau saisissant de la frontière ténue entre la civilisation et les instincts primitifs. Mâchoires (1975) Les « Dents de la mer » de Steven Spielberg ont transformé le blockbuster de l’été et ont changé à jamais notre vision de l’océan. Cette chasse passionnante à un monstrueux grand requin blanc au large de la côte fictive d’Amity Island en Nouvelle-Angleterre combine horreur, aventure et suspense, captivant le public du monde entier. La musique emblématique et la cinématographie pionnière créent une histoire captivante de l’homme contre la nature. Cette scène à elle seule vous donnera envie de sortir et d’en chercher vêtements de chasseincarnant l’essence de la chasse dans sa forme la plus pure. Prédateur (1987) Dans “Predator”, une équipe de secours paramilitaire d’élite dirigée par Arnold Schwarzenegger se retrouve traquée par une créature extraterrestre dans la jungle d’Amérique centrale. Combinant des éléments de science-fiction, d’horreur et d’action, ce film bouleverse le concept de chasse, l’humain devenant la proie. Le suspense et les séquences de combat intenses mettent en scène un jeu mortel du chat et de la souris, offrant une touche unique au genre de la chasse. Le revenant (2015) Inspiré de faits réels, “The Revenant” raconte l’histoire du pionnier Hugh Glass (joué par Leonardo DiCaprio), qui est brutalement attaqué par un ours et laissé pour mort par sa propre équipe de chasseurs. Se déroulant dans les années 1820, ce film explore les thèmes de la survie et de la vengeance sur le terrain enneigé de la frontière américaine. La performance de DiCaprio est puissante, et la représentation brute de la férocité de la nature et de la quête de survie est à la fois viscérale et époustouflante, ce qui en fait l’un des « dix meilleurs films de chasse » pour beaucoup. Pas de pays pour les vieillards (2007) Bien qu’il ne s’agisse pas d’un film de chasse traditionnel, « No Country for Old Men » des frères Coen présente une chasse métaphorique aussi intense que n’importe quelle poursuite en pleine nature. Après être tombé sur un trafic de drogue qui a mal tourné et avoir récupéré une caisse d’argent, Llewelyn Moss se retrouve la cible d’un tueur à gages impitoyable. Le jeu du chat et de la souris plein de suspense du film à travers le paysage désolé de Ouest du Texas est une version moderne du genre occidental, avec la chasse comme thème central de la survie et du destin. Apocalypto (2006) “Apocalypto” de Mel Gibson dépeint la recherche d’un jeune homme maya pour sauver sa femme et son enfant après le massacre de son village. Le film est une poursuite incessante à travers la jungle, offrant un voyage au sens propre et figuré à travers un monde sauvage et impitoyable. La capacité du protagoniste à utiliser sa connaissance de la jungle et de ses créatures en fait non seulement un film sur la survie mais aussi sur la résilience de l’esprit humain. La chasse (2020) Ce film controversé mélange la comédie noire et l’horreur alors que douze inconnus se réveillent dans une clairière pour se rendre compte qu’ils sont pourchassés à des fins sportives par un groupe d’élites. « The Hunt » utilise le principe de la chasse humaine pour explorer les divisions sociétales et le concept de justice. L’action intense et le côté satirique du film en font une entrée unique dans le genre de la chasse, suscitant la réflexion tout en divertissant avec son récit tordu. Ces films, chacun avec son style et son décor distincts, mettent en évidence le vaste attrait et la polyvalence de la chasse en tant que thème cinématographique. Des histoires de survie viscérales aux récits allégoriques de poursuite, ils offrent un regard captivant sur les instincts primaires de l’humanité et la relation complexe entre chasseur et chassé. Que ce soit sous
Torsades | Revue | Le blog du cinéma
★★ Si le souvenir omniprésent de l’agitation de Jan de Bont en 1996 Tornade est une image de l’aéronautique bovine, il est difficile d’imaginer à quel point sa suite de 2024 instantanément moins emblématique, de à la douleur le réalisateur Lee Isaac Chung, restera dans les mémoires. Peut-être seulement dans des rétrospectives examinant la forte ascension de Glen Powell vers la célébrité. Deux décennies de corruption sont à l’origine du succès supposé du jour au lendemain du Texan ciselé. Après avoir fait ses débuts dans le troisième film Spy Kids de 2003, Powell a réussi à se frayer un chemin à travers tout cela depuis Le chevalier noir se lève à Consommables 3. Les vents ont changé avec Top Gun : Maverick et N’importe qui sauf toi mais maintenant, ils sont vraiment en pleine tempête. Powell fait partie d’un petit groupe de grâces salvatrices dans Torsades, une suite pluralisée dans tous les sens. Il incarne le « cow-boy scientifique » qui lutte contre les tornades, Tyler Owens, un montagnard avec plus d’un million d’abonnés sur YouTube et des marchandises à déplacer. Et pourtant, il y a peut-être plus dans le sourire parfait et le charisme qui sautent aux yeux. Peut-être que, derrière son mépris occasionnel pour sa propre sécurité, ce bœuf s’y connaît en météorologie. La vulnérabilité semble être un créneau gagnant pour Powell, les faillibilités étant juste assez mises en avant, mais jamais au point de saper l’image du héros d’action. Personne n’a jamais qualifié Tom Cruise de « fille sexy en forme ». Cela fonctionne pour Powell. Kate Carter de Daisy Edgar-Jones, un bel esprit pas si éloigné du dernier et seul autre rôle majeur de la star au cinéma dans Où chantent les Crawdads. Tout comme Kya Clark, Kate danse sur la fine ligne entre un scientifique à la tête froide et un chuchoteur aérien. Comme avec Kya, Kate parcourt un monde cruel avec des traumatismes qui bouillonnent pas si loin sous la surface. C’est le souvenir du prologue teinté d’horreur du film et de ses meilleures scènes. Une jeune et naïve Kate entraîne ses jeunes et naïfs amis au cœur d’une tornade EF5, soutenue par l’éclat de ses propres recherches, pour que chacun soit éliminé par des vents de plus de 200 mph. C’est dévastateur et trop morbide à regarder. Un saut vers le futur voit Kate se tailler une nouvelle vie dans la ville en tant que météorologue new-yorkaise. C’est plus sûr mais moins organiquement elle. Nous le savons parce qu’elle a l’air misérable, même lorsqu’elle déjoue ses collègues. L’attrait de l’Oklahoma est cependant fort. Effectivement, il ne faut pas beaucoup de persuasion de la part de son compatriote survivant Javi (Anthony Ramos), un autre chasseur de tempête devenu col blanc, pour la ramener. En réalité, c’est l’amour de la terre et des vastes étendues de l’État qui l’appelle, mais on parle beaucoup de faire une différence et de sauver des vies. Les tornades sont de plus en plus fortes, plus meurtrières et plus fréquentes. Le génie de Kate est la pièce manquante dans l’équipe de chasseurs de rafales de Javi. Mis à part les références de bonne volonté du film – une grande partie est faite d’efforts caritatifs et de soutien communautaire – quelque chose ne va pas. Face à l’évolution des conditions météorologiques, personne ne fait une seule référence au changement climatique. Il est simplement admis que vingt-huit ans et un « s » supplémentaire dans le titre rendent la situation encore plus dangereuse. De plus, Torsades oppose la science à l’expérience dans son flux narratif. Il y a peut-être lieu de se méfier d’un film qui présente des experts comme étant froids, fallacieux et motivés par des arrière-pensées profiteuses, contre les vrais justiciers américains au sang rouge, le sel de la Terre. Cela aurait peut-être moins d’importance, certainement pour le cinéphile moyen, si le film était plus engageant. Des séquences de tempêtes bien exécutées accélèrent le pouls par à-coups, mais Torsades manque de solidité dans ses fondations. Quand le vent tombe, le rythme suit. Quant à Powell et Edgar-Jones, il y a un frisson en tête-à-tête assez agréable mais à peine plus convaincant que le film de Noël Hallmark moyen, avec lequel le film partage son ADN de base – mais avec moins de pain d’épice. TS
MaXXXine | Revue | Le blog du cinéma
★★★ À partir du moment où elle se pavane dans son premier cadre dans MaXXine, moulante en silhouette et en denim, Mia Goth est tout. Dans un film sur l’exploitation et la soif de gloire, elle seule a les crocs pour le boire. Il y a juste quelque chose dans sa propriété de l’écran de Ti West qui crie star, même sans les yeux de Bette Davis et les lèvres de Betty Boop. Sans aucun doute, le film lui-même, qui est probablement le plus faible des trois X films, ne sert pas le courage de Goth. Certes, c’est un effort inégal, qui monte bien mais se replie fort. Et pourtant, tant qu’il y a du mordant dans ces crocs, il y a un rythme convaincant à trouver. Quelques années se sont écoulées depuis les événements de X, dans lequel Maxine Minx (Gogh) a vaincu son propre sosie ratatiné en lui écrasant brutalement la tête. Les années 70 ne sont plus qu’un lointain souvenir, les années 80 ne pourraient guère être plus bruyantes pour faire connaître leur présence. C’est dans la coiffure, le maquillage, le grain fin de la cinématographie d’Eliot Rockett. Déjà réputée pour sa notoriété pornographique, Maxine aspire à un attrait plus grand public. Les hommes sur le plateau savent qui elle est mais, mon garçon, ce serait vraiment bien si leurs femmes le faisaient aussi. Non pas qu’elle ait honte de ses origines, laissant tomber effrontément sa fermeture éclair à la fin d’une audition à couper le souffle, rappelant la contre-dépouille similaire d’Emma Stone. La La Terre vitrine. Brooke Shields, note-t-elle, rayée “et maintenant elle est dans un putain de film sur les Muppets”. La grande rupture de Maxine s’accompagne d’un rôle dans une suite d’horreur gore fest de l’impérieuse réalisatrice d’Elizabeth Debicki, Elizabeth Bender, une pionnière aux normes exigeantes. “The Puritan II” se vante d’être “un film B avec des idées A”, mais sert en réalité de porte dérobée à un hommage à l’époque – littéralement, le Bates Motel a été rénové pour les années 1983. Psycho II est au coin de la rue. Il y a beaucoup de cela, même si cela n’est pas toujours lié à une logique narrative ou à une signification contextuelle. C’est très amusant, mais West frappe plus fort avec des clins d’œil de genre moins flagrants, comme la scène dans laquelle Maxine est moussée de latex pour la création d’un casting facial. L’effet est extrêmement claustrophobe mais dégouline autant de métatextualité que de caoutchouc alors que le double aîné de Goth apparaît. La menace la plus tangible ici est le caprice du véritable tueur en série local et délinquant sexuel, le Night Stalker, ou, plutôt, un imitateur suivi par les détectives du LAPD Williams (Michelle Monaghan) et Torres (Bobby Cannavale). Même le diable incarné est un artiste ici. C’est contagieux. Tandis que le dét. Torres se prend pour Axel Foley – Cannavale passe un moment inoubliable – l’enquêteur louche de Kevin Bacon ne peut pas résister à une partie de cowboys lorsque le plateau hurle midi. Personne ne joue au jeu comme Maxine, bien sûr, avec Goth à son meilleur dans les moments exigeant la domination. Ceci contraste avec deux de ses relations les plus serviles au sein du film. Ils ne sont jamais vraiment enthousiastes. Comme pour X et Pearl, on parle beaucoup de spécificité de l’époque dans MaXXXinel’esthétique et le ton, où X canalisé l’exploitation sexuelle du grindhouse des années 70, et perle l’éclat visuel technicolor d’Oz, MaXXXine atterrit dans le sinistre et le néon. Frankie Goes To Hollywood et Kim Cairns constituent des ajouts évidents à la bande originale et il n’y a aucun défaut sur l’attention portée aux détails à l’origine des succès du film en matière de coiffure, de maquillage et de costumes. Même l’inclusion même de bacon ne peut s’empêcher de ressembler à un œuf de Pâques, comme il en existe de nombreux. Certains d’entre eux semblent un peu fallacieux et superficiels – rappelant peut-être celui de Tarantino. Il était une fois à Hollywood – mais c’est une période formidable pour ceux qui se souviennent de l’époque de la location de vidéos. MaXXXine culmine quelque part au milieu, un démarrage lent qui prend du temps pour trouver son mojo compulsif. Goth électrise. Et pourtant, la déflation est aussi rapide dans sa descente, une finale mal cuite qui ne mérite pas les capacités de Goth et la force d’être de son personnage. De grands pas ont été franchis pour réécrire le modèle de la « fille finale » de l’horreur des années 80, faisant marche arrière à mesure que Maxine tombe soumise au flux de son ennemi. Personne ne sait où elle ira ensuite, mais vous pouvez être sûr que la propre trajectoire de Goth sera la plus intéressante. TS
Les vraies raisons pour lesquelles les salles de cinéma sont en difficulté
Les théâtres sont en ruine. Si vous avez récemment regardé des films sur Twitter ou suivi l’actualité du divertissement, vous savez que les gens paniquent. Le box-office est en difficulté et le week-end du Memorial Day a été un désastre. Il s’agit du pire depuis trois décennies, avec une baisse de 36 % par rapport à l’année précédente. Mais pourquoi cela se produit-il ? Voici quatre raisons pour lesquelles je pense que le box-office est en difficulté. 1. Prix des billets exorbitants Commençons par le problème le plus évident : le prix des billets. Il est scandaleux qu’une sortie au cinéma en famille puisse coûter plus de 150 $. Les billets pour un film de la semaine d’ouverture peuvent coûter près de 20 $ chacun. Ajoutez à cela le coût du pop-corn et des boissons, et vous obtenez une petite fortune. Des études ont montré que lorsque le prix des billets baisse, la fréquentation augmente. C’est pourquoi les mardis à 5 $ sont si populaires. La baisse du prix des billets pourrait être la clé pour attirer davantage de personnes occupant des sièges. Même si les prix des concessions sont certainement élevés, cela ne fait aucune différence si le prix des billets les effraie et les incite à se présenter. 2. La fenêtre de sortie raccourcie Ryan Gosling incarne Colt Seavers dans THE FALL GUY, réalisé par David Leitch La pandémie a changé beaucoup de choses, notamment la rapidité avec laquelle les films sont diffusés sur les plateformes de streaming. Autrefois, il fallait attendre des mois pour qu’un film sorte en VHS, DVD ou Blu-ray. Désormais, les films seront diffusés sur les services de streaming en quelques semaines. Récemment, le film de Ryan Gosling, Le gars qui tombe à pic, n’a passé que 17 jours au cinéma. Il est désormais actuellement disponible sur les plateformes de streaming. En revanche, Dune : deuxième partie a passé environ 81 jours au cinéma avant de passer au streaming et a gagné environ 711 millions de dollars. La fenêtre de sortie raccourcie décourage les gens d’aller au cinéma alors qu’ils savent qu’ils peuvent regarder le même film chez eux peu après sa sortie. Sans donner aux films le temps de créer une dynamique au box-office, les cinémas ne peuvent pas rivaliser avec la commodité du visionnage à domicile. 3. Mauvais marketing Le marketing joue un rôle crucial dans le succès d’un film, et de nombreux films échouent dans ce domaine. Certains films ne bénéficient pas de suffisamment de promotion, tandis que d’autres en révèlent trop dans leurs bandes-annonces. Un marketing efficace peut faire ou défaire un film. Prenons « La Matrice » comme exemple. Le marketing du film original était si mystérieux qu’il a intrigué le public sans dévoiler l’intrigue. Aujourd’hui, le marketing manque de créativité et ne parvient souvent pas à susciter l’enthousiasme. Un contre-exemple serait l’American Society of Magical Negroes. Lorsque le teaser a été diffusé pour la première fois sur Internet, l’intérêt a été éveillé. Le titre audacieux et proactif a immédiatement attiré l’attention. Cependant, à mesure que les bandes-annonces révélaient davantage le film, le public est devenu moins investi et moins curieux à propos du film. 4. Manque de demande du public Le problème le plus important pourrait être que le public ne demande pas que les films soient tournés. Qui en voulait un autre »En colère” film? Qui réclamait un film « Fall Guy » basé sur une émission de télévision des années 80 ? Qui a demandé un autre film « Garfield » ? La réalité est que beaucoup de ces films n’ont pas de public intégré ou ne plaisent pas à suffisamment de gens. Les franchises à succès comme Super Mario Bros et Barbie restent pertinentes à travers les générations. Cette pertinence est généralement obtenue grâce à des jeux vidéo, des produits dérivés ou d’autres plateformes médiatiques à succès avec lesquels un public plus jeune peut se connecter. Regardons « Furiosa ». Malgré le succès de « Mad Max : Fury Road », « Furiosa » a fait ses débuts avec des chiffres décevants. Même avec un score de 90 % sur Rotten Tomatoes, il obtient un CinemaScore B+, ce qui n’est pas génial. Sa contre-performance affecte même l’ensemble de la franchise, jetant le doute sur l’avenir de « Mad Max : The Wasteland ». Le côté positif : l’exigence de qualité D’un autre côté, considérez le battage médiatique autour de «Deadpool et Wolverine.» Le film Marvel est un brillant exemple de ce dont les cinémas ont besoin. Ce film a déjà généré 8 millions de dollars de ventes de billets le premier jour, dépassant ainsi les autres succès récents. Évidemment, le prix élevé des billets ne constituait pas un obstacle. Vous avez également l’une des plus grandes attractions avec le retour de Hugh Jackman en tant que personnage préféré des fans, Wolverine. Son retour est un exemple parfait de ce que les fans voulaient et du film qui l’a livré. Enfin, le marketing de « Deadpool et Wolverine » est un sujet à étudier. Jusqu’à présent, il n’y a eu qu’un teaser et une bande-annonce complète. En dehors de cela, la plupart des publicités concernaient des personnages faisant des choses stupides ou vendant des choses comme des seaux de bière ou de pop-corn. Aucune séquence supplémentaire n’a été montrée qui pourrait gâcher le film pour le public. Dans l’ensemble, “Deadpool et Wolverine” montre que lorsque les gens veulent un film, ils paieront pour le voir, quels que soient le prix des billets ou les fenêtres de sortie. Un bon marketing et une forte demande peuvent favoriser le succès au box-office. Combler le fossé L’industrie cinématographique doit réaliser des films qui touchent à la fois les jeunes et les moins jeunes. Si un film ne plaît qu’aux générations plus âgées, il n’aura pas autant de succès. Les adultes ont un travail, sont fatigués et paient déjà pour des services de streaming. Les films doivent avoir un large attrait pour attirer un public plus large. En fin de compte, le prix élevé
SI | Revue | Le blog du cinéma
★★ Il n’y a rien de mal à ce qu’un film pour enfants s’efforce de plaire à toutes les générations. Un coup sur la cible peut être de la pure magie. Pixar a réussi exactement cela avec chaque film de son apogée et c’est un endroit idéal pour les deux premiers. Paddington des films illustrés. Mais mademoiselle, et vous pourriez vous retrouver avec un film comme SI. C’est-à-dire un effort moyen, ni assez amusant pour les enfants ni assez intéressant pour maman et papa. Il s’agit du nouveau long métrage de John Krasinski, qui s’adresse aux jeunes pour la première fois après avoir touché à l’horreur. Un endroit silencieux. Krasinski a un penchant naturel pour le cinéma conceptuel, mais ici ses efforts semblent tendus, la poussée du pathétique trop évidente et artificielle. C’est comme regarder le lointain souvenir d’enfance d’un adulte, réutilisé à travers le prisme fatigué de l’expérience parentale. L’imagination est là, mais ce n’est tout simplement pas le genre sauvage et sans limites que les enfants apprécient vraiment. Par exemple, regardez uniquement l’ouverture. Selon la tradition, SI est prologue par un montage vidéo domestique, des flashbacks sur le passé insouciant d’une jeune famille. C’est un signal d’alarme pour un traumatisme à venir, mais gêné par un ton de tir plus en phase avec la publicité pour l’assurance-vie qu’avec le plaisir familial. Parmi une multitude de meilleurs exemples, la séquence se compare défavorablement à l’ouverture loufoque et pleine d’esprit de Les Muppets ou la séquence dévastatrice qui a ouvert En haut. SI partage le compositeur de ce dernier, en Michael Giacchino, mais on ne le penserait pas. La séquence nous amène à une époque actuelle dans laquelle Bea, 12 ans (Cailey Fleming de The Walking Dead), n’a qu’un seul parent, ayant perdu sa mère à cause d’un cancer. Lorsque son père, joué en mode ultra-idiot par Krasinski lui-même, est hospitalisé pour une opération majeure non précisée, Bea emménage avec sa grand-mère basée à Brooklyn Heights (une Fiona Shaw à l’accent bancal). Encore une fois, le territoire et la configuration sont douloureusement familiers. Le deuil est un thème important pour tout film et c’est un scénario admirable qui intègre l’anxiété dans le mélange. Le calme superficiel de Bea – « Je ne suis pas une enfant » – ne fait pas grand-chose pour dissimuler la panique qu’elle a suscitée à l’idée de perdre son père aussi. C’est là qu’interviennent les FI, un FI étant l’ami imaginaire d’enfance d’une personne. Krasinski colporte le concept un peu trop fort – un peu trop convaincu de son génie, peut-être – mais il n’est pas difficile à comprendre. Les IF naissent de l’imagination vibrante d’un enfant et peuvent avoir n’importe quelle forme, taille ou forme. Lorsque l’enfant sort de son FI et n’en a plus besoin, il perd la capacité de les voir. Dieu nous préserve que l’enfant oublie tout son ancien IF. Il est clair que Bea, au plus profond de sa crise, aurait besoin d’un ami imaginaire – à la fois pour assurer sa sécurité et pour lui rappeler que, oui, elle est encore une enfant. En réalisation graphique, les FI forment un groupe assez important. Rien d’extraordinaire – pas un patch sur quoi qu’un vrai enfant puisse inventer – mais aussi visuellement attrayant que nécessaire. Un monstre violet géant et pelucheux, qui rappelle Sully dans Monsters Inc., vole la plupart des scènes, tandis que d’autres IF incluent une poupée de porcelaine avec des ailes de papillon, un astronaute, une licorne, une guimauve qui parle et un verre d’eau. Chacun est exprimé par une vedette de l’annuaire téléphonique de Krasinski. George Clooney, Phoebe Waller-Bridge, Bradley Cooper, Matt Damon, Awkwafina… c’est un appel impressionnant. Quant à Blue, le seau à peluches violet nommé à tort, Krasinski a enfilé son vieux Bureau co-star, Steve Carell. Au sommet du cirque se trouve Cal de Ryan Reynolds, le voisin gentiment grincheux de Bea, maître de piste des IF et le seul adulte dans la pièce capable de les voir. C’est une victoire facile pour Reynolds, même si elle ne le met jamais vraiment au défi de dépasser le charme doux. En effet, rien ici ne le fait. Les FI vivent dans une maison de retraite sous un carrousel délabré de Coney Island, ce n’est pas exactement le fruit de l’imagination pure. Il y a un numéro musical plein d’entrain à mi-chemin, qui contribue dans une certaine mesure à revigorer une première moitié lente, mais rien d’autre en termes de razzmatazz. SI est réfléchi, les yeux embués et nostalgique. C’est aussi un peu ennuyeux. Reste à savoir si le film trouvera un écho auprès du jeune public. Cela semble peu probable. Les enfants n’ont pas besoin d’être bruyants et impétueux pour retenir leur attention, mais l’émerveillement est nécessaire et le sentiment que l’histoire a leurs intérêts à l’esprit. Et avec son idéalisme rétro : les jeunes utilisant l’iPad ont-ils même du temps pour des amis imaginaires de nos jours ? – et une sentimentalité séduisante, SI peuvent très bien toucher le cœur des parents, mais seulement s’ils ne sont pas trop distraits en essayant de divertir le public visé. Si seulement. TS
Amazon annule “Silk: Spider-Society” | Le blog du cinéma
Fans de Web Slinging, nous avons des nouvelles délicates. La très attendue série live-action d’Amazon « Silk : Spider-Society » a été abandonnée. Cela signifie que Cindy Moon, alias Silk, n’apparaîtra pas de sitôt sur nos écrans sur Amazon Prime Video. Cette nouvelle fait suite à la récente présentation initiale d’Amazon, où ils ont annoncé une nouvelle série intitulée « Noir » avec Nicolas Cage. Alors que « Noir » est une autre adaptation de bande dessinée Marvel, il semble que « Silk : Spider-Society » n’ait tout simplement pas été retenu. Alors, qu’est-ce-qu’il s’est passé? Apparemment, « Silk : Spider-Society » avait un développement un peu enchevêtré. Le projet était en préparation depuis environ cinq ans et a même obtenu le feu vert pour deux saisons à un moment donné. Mais selon Deadline (1), la décision finale d’annuler le spectacle dépendait de l’allocation des ressources. Voici la trame de fond : 2019 : Sony Pictures Television commande un scénario basé sur les bandes dessinées « Silk » de Dan Slott et Humberto Ramos. 2020 : Sony commence à discuter avec Amazon d’une série basée sur les bandes dessinées « Silk », ainsi que d’autres retombées potentielles de Spider-Man. 2021 : Amazon reprend la série « Silk » avec Tom Spezialy comme showrunner. 2022 : Toute la « série dérivée de Spider-Man » devient officielle, avec Angela Kang prenant la relève en tant que showrunner pour « Silk ». De grands noms comme Phil Lord, Chris Miller et Amy Pascal sont également attachés en tant que producteurs. Les choses semblaient bien se dérouler, mais apparemment, le scénario de « Silk » a subi plusieurs réécritures. Il y a même des rumeurs selon lesquelles Amazon aurait demandé une version de la série moins axée sur Silk elle-même. Ces allers-retours, ainsi que la nécessité pour Amazon de donner la priorité à d’autres projets, ont finalement conduit à l’annulation de l’émission. C’est décevant pour les fans qui étaient ravis de voir l’histoire d’origine de Cindy Moon prendre vie. Silk est une super-héroïne coréenne-américaine dotée de capacités semblables à celles d’une araignée, et ses aventures auraient pu être un ajout rafraîchissant au paysage télévisuel des super-héros. Pourtant, tout n’est pas perdu pour Silk ! Depuis que les droits sur le personnage sont revenus à Sony Pictures Television, ils cherchent à vendre la série sur d’autres réseaux. Il y a donc encore une chance que nous puissions voir Silk créer un site Web sur un autre service de streaming à l’avenir. De quoi parle « Silk : Spider-Society » ? Basé sur les bandes dessinées, « Silk : Spider-Society » aurait suivi Cindy Moon alors qu’elle échappe à l’emprisonnement et recherche sa famille disparue. En chemin, elle découvre ses pouvoirs d’araignée et devient le super-héros connu sous le nom de Silk. La série aurait probablement équilibré l’action, l’aventure et un voyage personnel de découverte de soi.
Comment dresser votre dragon : retour en force au cinéma
Appel à tous les dresseurs de dragons et aspirants à Harold ! La franchise bien-aimée de DreamWorks, « Comment dresser votre dragon », prend à nouveau son envol, mais cette fois, c’est avec de vrais acteurs et de vrais décors. Préparez-vous pour une aventure en direct qui promet de raviver la magie des films originaux. C’est vrai, le tournage principal du remake live-action de “Comment dresser votre dragon” est officiellement terminé ! Le réalisateur Dean DeBlois, le cerveau derrière la trilogie animée, s’est rendu sur Instagram pour partager la nouvelle passionnante. Après 85 jours de tournage intenses (mais sans aucun doute passionnants) à Belfast, en Irlande du Nord, DeBlois a exprimé sa gratitude pour l’incroyable casting et l’équipe qui ont donné vie à ce projet. Pour ceux qui ne connaissent pas l’original « Comment dresser votre dragon », voici un bref rappel. Sorti en 2010, le film a conquis les cœurs avec son histoire réconfortante de Hiccup, un garçon viking maladroit qui se lie d’amitié avec un adorable dragon Night Fury nommé Krokmou. Le duo improbable remet en question les traditions de chasse au dragon de leur village, prouvant que l’amitié peut s’épanouir dans les endroits les plus inattendus. L’original “Comment dresser votre dragon” a été acclamé par la critique, obtenant un score presque parfait sur Rotten Tomatoes et rapportant la somme énorme de 494 millions de dollars dans le monde. Pas étonnant donc que le succès ait donné naissance à deux suites ! « Comment dresser votre dragon 2 » (2014) et « Comment dresser votre dragon : le monde caché » (2019) – tous deux conservant des audiences élevées et un succès au box-office (voir le tableau des scores RT ci-dessous pour référence). La franchise s’est même étendue aux émissions de télévision, consolidant ainsi sa place de classique moderne. Comment dresser votre dragon : scores du tomomètre de franchise Comment dresser votre dragon (2010) : 99 % Comment dresser votre dragon 2 (2014) : 92 % Comment dresser votre dragon : Le monde caché (2019) : 90 % Avec un héritage aussi fort, le remake live-action a de grandes échelles à remplir. Mais n’ayez crainte, amateurs de dragons ! DreamWorks et Universal semblent sur la bonne voie. Faire revenir DeBlois, le réalisateur d’origine, est une étape clé. Sa main habile dans la création des films d’animation se traduira probablement à merveille au format live-action. DeBlois n’est pas le seul visage familier à revenir. L’acteur Gerard Butler, qui a interprété Stoick le Vaste (le père bourru mais aimant de Harold) dans les films d’animation, reprend son rôle pour la version live-action. Les nouveaux venus Mason Thames et Nico Parker incarneront respectivement Hiccup et Astrid, tandis que Nick Frost rejoint le casting dans un rôle non divulgué. Le retour de Butler ajoute une couche de nostalgie réconfortante, tandis que l’implication de DeBlois assure aux fans que le remake live-action sera traité avec le même soin et la même attention que les originaux. Alors, à vos agendas ! Bien qu’aucune date de sortie n’ait encore été officiellement annoncée, le live-action “Comment dresser votre dragon” devrait sortir en salles en juin 2025. Préparez-vous pour des visuels époustouflants, des batailles de dragons épiques et une histoire réconfortante qui nous rappelle tous sur le pouvoir de l’amitié (et peut-être aussi sur la nécessité de surmonter les stéréotypes). Cette aventure en direct sera certainement un bon moment de feu pour toute la famille !