Le sort de chacun émission de télévision dépend de certains facteurs imprévisibles qui déterminent s’ils seront renouvelés ultérieurement ou laissés inachevés. Chaque année apporte de nouvelles surprises et parfois de mauvaises nouvelles aux téléspectateurs concernant leurs émissions préférées. Dans cet esprit, passons en revue certaines des annulations de spectacles les plus choquantes et les plus évidentes de 2024. Américain né chinois, a conclu l’histoire d’un lycéen en combat littéral avec les dieux chinois. Après une première saison plutôt réussie, mais « insuffisante » pour qu’il y ait une suite, les producteurs ont décidé d’y mettre un terme. Les créateurs de Nos drapeaux signifient la mort ont officiellement hissé leurs drapeaux blancs. Après avoir diffusé 2 saisons sur Max, la série de comédie romantique ne reviendra pas. Bien que les choses soient encore en suspens, la principale fracture semble être causée par une diminution de l’audience, qui a conduit à d’importantes déductions budgétaires dans la production de la saison 2. Série comédie-thriller Le Hôtesse de l’air, mettant en vedette et produit par Kaley Cuoco, n’a pas sa troisième saison. Même si les responsables de Max étaient enthousiastes, Cuoco a démissionné de son poste, donc aucun ATF saison 3. La série tourne autour d’un agent de bord qui s’apprête à résoudre un dangereux mystère de meurtre. La baisse des vues par rapport aux tendances des coûts a amené Netflix à interrompre la série comique-action Oblitéré. Basé sur de fausses bombes, de vraies qui doivent être trouvées, et une équipe d’élite des forces spéciales trippante, Oblitéré semblait prometteur, mais les statistiques ont prouvé le contraire. Près de quatre ans après la diffusion de Cliquetl’actrice principale, Sarah Paulson a annoncé qu’il n’y aurait pas d’autre saison de la série thriller-drame. Paulson, qui joue une infirmière blasée avec une personnalité monstrueuse, s’est récemment adressé aux fans pour confirmer la nouvelle. Série thriller d’horreur Meute de loups ne reviendra pas, même si l’équipe de production était impatiente. Il s’avère que les récents licenciements et les réductions de coûts de Paramount sont ce qui a finalement conduit à cette décision. Schmigadoon!une série musicale d’aventures tournant autour de la découverte par un couple d’une ville magique, dans l’espoir de sauver leur relation, est officiellement annulée par Pomme. Étant donné que les statistiques et les audiences étaient prometteuses et que la deuxième saison était terminée, l’annonce a frappé fort. Hulu aurait annulé la série comique de deux saisons Ce Idiotétonnamment sans déclaration officielle de la raison. C’était une nouvelle dévastatrice pour les amateurs de comédie. Basé sur la vie de la chef chevronnée Julia Child, Julia (2022-2023) a été annulé par Max. après avoir diffusé 2 saisons. Cela montre que les bonnes audiences ne peuvent pas se mêler du business, c’est ça le showbiz. Frappé par le cas du « deux c’est terrible », Friponne a été annulé non pas une fois (par Max), mais deux fois (par Starz) dans le cadre d’une tactique stratégique de réduction du budget. C’est dommage puisque Friponne a eu un énorme taux de critiques de 97 % sur Tomates pourries. Malheureusement, ces émissions ne reviendront pas après tout, et si vous attendiez leur retour, alors ce flash d’information va être une pilule amère à avaler.
Meilleurs films espagnols à regarder si vous souhaitez améliorer vos compétences en espagnol
Apprendre l’espagnol n’est pas une promenade de santé. Cependant, l’espagnol est l’une des langues les plus parlées au monde et chaque combat en vaut la peine. Même avant de prendre vos cours d’espagnol, vous connaissez probablement quelques mots espagnols de base car vous les entendez souvent partout. L’une des méthodes les plus récentes utilisées par les apprenants d’espagnol consiste à regarder des films. Si vous y réfléchissez, c’est vraiment intelligent, étant donné que la plupart des services de streaming et de télévision proposent aujourd’hui beaucoup de contenu espagnol. Donc, si vous faites partie de ces personnes intelligentes qui combinent apprentissage et divertissement, nous avons une liste passionnante de films espagnols à regarder. Bien entendu, vous aurez besoin d’une connexion fiable par fibre optique, câble ou Internet par satellite pour que vous puissiez profiter et apprendre de ces films. Commençons! Le Labyrinthe de Pan est l’un des films les plus recommandés par les hispanophones natifs à tous ceux qui tentent d’apprendre l’espagnol. Il s’agit d’un film de guerre fantastique sur une jeune fille nommée Ofelia qui découvre un labyrinthe contenant un mystérieux faune (moitié humain, moitié chèvre). Depuis, Ofelia commence son voyage pour récupérer son immortalité en accomplissant plusieurs tâches. Ce film est idéal pour les apprenants d’espagnol car il peut vous aider à élargir votre vocabulaire. Vous serez également plus familier avec les différents accents, dialectes et expressions archaïques espagnols. Si vous souhaitez une formation continue, il serait préférable d’avoir Télévision espagnole à la maison combiné avec ce genre de films.. Encanto est l’un des meilleurs films d’animation de Disney. Il existe deux versions, alors assurez-vous de regarder la version espagnole. Il raconte l’histoire d’une famille magique appelée les Madrigals qui vit dans les montagnes. Chaque membre de la famille Madrigal reçoit un cadeau unique, à l’exception de Mirabel, le personnage principal du film. Lorsque la magie qui entoure leur maison commence à s’estomper, Mirabel décide de sauver sa famille et leur maison enchantée. Ce film est idéal pour les débutants ou ceux qui souhaitent une expérience d’apprentissage plus basique à travers les films. Avec Disney élargissant son contenu avec des films d’animation espagnols, il ne faudra pas longtemps avant que vous ayez une longue liste de films comme ceux-ci à apprécier. Ce film espagnol est quelque chose que nous avons vraiment adoré lors de sa sortie. Il s’agit d’une prison verticale dystopique qui s’attaque aux problèmes sociaux, principalement les inégalités, la nature humaine et la cupidité. Cela peut être difficile à regarder, surtout si vous êtes sensible à ces thèmes, mais c’est une excellente montre. Dans le film, les prisonniers sont logés dans des cellules empilées les unes sur les autres, avec une grande plate-forme de nourriture descendant à travers les niveaux une fois par jour. Les individus ayant un statut social plus élevé se situent aux niveaux supérieurs, ce qui leur permet de profiter d’une nourriture propre et délicieuse par rapport à ceux des niveaux inférieurs. Si vous essayez d’apprendre des mots et des expressions pour des conversations informelles, des disputes et bien plus encore, ce film est génial. Pour l’instant, vous ne pouvez le regarder que sur Netflix, mais j’espère qu’il sera disponible sur d’autres plateformes comme Hulu et PLAT Latino. Balada triste de trompeta ou Le Dernier Cirque est une tragi-comédie sur deux clowns et un trapéziste qui se retrouvent dans un triangle amoureux. Le film tout entier est consacré aux relations humaines et aux émotions. Si vous voulez en savoir plus sur les conversations passionnées et les interactions intenses, alors vous devez regarder ce film. Gardez également à l’esprit que ce film n’est PAS adapté aux familles. Sleep Tight ou Mientras Duermes en espagnol est un thriller psychologique sur un concierge devenu obsédé par le tourment de l’un des locataires de l’immeuble. Ce film est plein de suspense et tendu, donc si vous n’êtes pas doué pour les intrigues palpitantes et intenses, vous voudrez peut-être procéder avec prudence. Sinon, vous ne pourrez peut-être pas apprendre de ce film. Emballer Regarder des films espagnols est en effet un moyen intelligent d’améliorer vos compétences en espagnol. Assurez-vous simplement que lorsque vous le faites, vous devez prendre des notes et écouter vraiment activement pour maximiser cette opportunité. N’ayez pas peur de faire une pause et de répéter autant que nécessaire pour comprendre le film. Bonne chance et bon apprentissage !
Cabrini (2024) Critique du film | Film-Blogger.com
Au cœur d’un film comme Chèvres, avec toute son approche sucrée du concept biographique, cache quelque chose de très fort. Un message d’espoir, un clin d’œil à notre propre réalité et au fait que peu importe qui raconte l’histoire, l’histoire mérite qu’on s’y arrête. Alexandre Monteverde a réalisé un beau film après avoir traversé le voyage déchirant et doux-amer qui a été Le son de la liberté, et il est resté à l’écart de l’examen minutieux du film. Il se contente de regarder en arrière et décide de rendre hommage à un sujet indispensable sous la forme d’un voyage historique pour comprendre la valeur du passé. Chèvres est le résultat d’une histoire qu’il a imaginée aux côtés de Rod Barr, qui a été matérialisée dans un scénario de Barr, où ils ont compilé une série de faits sur une femme très importante. Mère Cabrini est connue comme la première citoyenne américaine à être canonisée par l’Église catholique. Sa vie est un voyage inspirant qui fera sourire votre cœur d’espoir et de résilience. Faire un film sur elle n’est pas vraiment une victoire sûre. L’aspect religieux de l’histoire ne séduira pas vraiment le public actuel, déconnecté du passé. Mais Monteverde est assez courageux pour offrir sa vision et livre un drame fort qui semble parfois naïf mais qui triomphe finalement dans son traitement de Cabrini comme une femme dont le seul défaut était de ressentir trop d’amour pour ceux qui en avaient le plus besoin. À la fin des années 1800, Cabrini et d’autres sœurs de l’institut des Sœurs Missionnaires du Sacré-Cœur de Jésus se sont rendues à New York pour découvrir que les immigrants italiens n’étaient pas vraiment bien accueillis. L’archevêque n’est pas très utile, mais sentant la pression d’autres organisations religieuses, il accepte d’aider Cabrini et compagnie. C’est le début de son voyage, qui fera d’elle une figure clé dans la fourniture d’un refuge sûr aux immigrants, aux orphelins et à d’autres citoyens considérés comme secondaires à cette époque de la ville de New York. Sœur Cabrini était confrontée à presque toutes les menaces d’une société sexiste. Même le Vatican n’a pas pu l’aider inconditionnellement. Ce n’est que lorsque Cabrini a décidé d’utiliser son leadership pour contraindre les politiciens et autres dirigeants à reconnaître les immigrants comme des membres clés de la société que les Italo-Américains n’ont pas été pleinement acceptés. Dire qu’elle est une partie importante de leur communauté est un euphémisme. La capacité de Monteverde à filmer une pièce d’époque est indéniable. La conception de la production est magistrale et positionne réellement le spectateur dans une époque où la misère était la règle et où la survie était le seul résultat. La vie n’était que théorique pour les immigrants qui recherchaient de meilleures opportunités. Il se livre aux détails et perd parfois la perspective de l’histoire à cause de cela, mais finalement le film fonctionne parce que Cristiana Dell’AnnaLa performance de Cabrini force le film à rester ancré dans sa représentation infernale de la réalité. Son rôle n’est pas excessivement dramatique et Monteverde lui demande de rester dans un territoire d’équilibre. Bien que ce soit un film triste, il semble beaucoup plus optimiste en raison d’une interprétation déterminée de la figure de Cabrini. Parfois, un film est essentiel par ce qu’il représente dans son cadre artistique. Et parfois, c’est simplement à cause de l’histoire qu’elle raconte sur une chaîne correctement conçue par un conteur naturel. Cabrini appartient à ce dernier, et c’est l’un des films de 2024 que vous devriez vous donner l’opportunité de regarder si vous recherchez une expérience édifiante. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Le problème du héros (2024) Critique du film
Le problème du hérosdu jeune réalisateur Shaun Dozier, est un film passionnant avec lequel vous aurez peut-être du mal à vous connecter au début, mais qui finira par trouver un chemin jusqu’à votre cœur. Il s’agit d’une conversation pertinente sur la différence artistique et la chimie qui a été volontairement corrompue par deux états d’esprit qui semblaient suivre le même chemin, mais qui étaient déconcertants. Tout ce que vous pourrez en retirer sera positif car il ne s’agit pas d’un récit édifiant mais d’une étincelle qui vous donnera envie d’observer un état d’esprit différent. Le film est une représentation d’un affrontement entre l’auteur Richard Wright et le dramaturge Paul Green, deux hommes entrés en collision à cause d’une seule page d’un scénario qui a adapté le best-seller de Wright, Native Son, dans une pièce de Broadway. Green tenait un Pulitzer dans ses mains, ce qui lui permettait d’apporter quelques modifications au travail de Wright avant la soirée d’ouverture. Cela ne représente pas exactement le point de vue de l’auteur sur une conclusion. Lorsqu’ils se sont assis pour en discuter, cela a duré deux mois entre juin et juillet 1940 (une période évidemment modifiée dans le film), au cours de laquelle les artistes se sont affrontés dans leurs visions créatives. Le film se déroule dans un cadre restreint, avec des explosions de représentation dramatique alors que Wright et Green arrivent à un point dans leurs conversations qui ne mène tout simplement à rien dans leur différence. Leur désaccord se heurte à un mur et Dozier décide d’aider le spectateur en mettant en scène le message adressé au théâtre. Cela fonctionne comme une ressource valable, mais cela n’est pas comparable aux performances finement réglées des acteurs qui paraphrasent leurs visions. Le problème du héros est méthodiquement conçu comme une scène où les opposés s’affrontent. Mais dans quel but ? Il n’est pas très important qu’ils parviennent à un accord ou qu’ils veillent à l’intégrité de leurs croyances, traditions et opinions politiques. Le film en fait assez pour conclure sur quelque chose de précis, mais j’ai l’impression que Dozier cherche autre chose. Un reflet de quelque chose de culturellement pertinent à l’époque actuelle d’intolérance, de tensions raciales et de différences politiques. Le résultat était censé avoir été documenté quelque part, mais la valeur historique est correctement transmise par la perspective de Dozier sur un problème qui ne devait pas nécessairement être résolu mais qui était tout de même transcendé en quelque chose qui méritait d’être observé. Le problème du héros n’est pas un film pour tous les publics car son sujet n’éveille pas la curiosité pour la dynamique sociale actuelle. Mais il est important de voir à quel point le film a la capacité d’aborder notre réalité. Notre approche des questions socioculturelles dépend fortement de notre éducation et de notre relation avec la société réactionnaire d’aujourd’hui. Certains comprendront la situation et en prendront connaissance, et d’autres demanderont probablement une explication sur les raisons pour lesquelles cela les concerne. En tout cas, c’est un film qui fera tourner les têtes. Les performances de J. Mardrice Henderson et David au puits sont assez bons pour faire une brèche dans les cercles du cinéma indépendant où les performances ne suscitent généralement pas autant de réflexion. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Lover, Stalker, Killer Review: La nature terrifiante des rencontres en ligne
Lover Stalker Killer est l’un des documentaires les plus récents de Netflix. Il s’agit d’une histoire de triangle amoureux qui a pris une mauvaise tournure. Avec de nombreuses personnes intéressées par les rencontres en ligne, non seulement aux États-Unis mais également dans d’autres parties du monde, il s’agit d’un documentaire d’actualité qui rappelle aux personnes en quête de plaisir ou d’amour d’être extrêmement prudentes avec les personnes qu’elles laissent entrer dans leur vie. Puisqu’il s’agit d’un Netflix Original, vous ne le trouverez nulle part ailleurs pour le moment. Mais qui sait? Peut-être que tôt ou tard, il sera disponible sur les plateformes de streaming telles que Hulu, HBO Max et même Sling TV. Voici notre point de vue sur ce film documentaire effrayant : L’histoire Le documentaire commence avec un homme nommé Dave Kroupa, un mécanicien automobile qui raconte des histoires sur sa vie amoureuse – comment il a rencontré l’amour de sa vie, Amy Floura, mais s’est effondré après avoir fondé une famille. C’était une séparation nette, alors il a suivi sa famille à Omaha, Nebraska. Il ne se doutait pas que sa vie était sur le point de changer. Dave a commencé à essayer les rencontres en ligne en utilisant un site où il recherchait des relations occasionnelles. Comme il l’a dit, il ne veut pas être attaché. Il a pu sortir avec deux femmes – Liz Golyer et Cari Farver. Juste un petit mot : si vous prévoyez de regarder ce docufilm, nous vous recommandons fortement d’avoir internet fibre haut débit pour que vous puissiez vraiment apprécier l’histoire et le suspense. Les deux femmes étaient des mères célibataires qui avaient leurs propres enfants. Liz Golyer est basée à Omaha, Nebraska, tandis que Cari Farver travaille à Omaha mais vit en Macédoine, Iowa. Dave a rencontré Liz pour la première fois sur le site de rencontres. C’était le premier match de Dave. Au début, ils se sont bien entendus – ils se sont beaucoup amusés pendant quelques semaines depuis que Dave a clairement fait savoir qu’il ne cherchait rien de sérieux. Ensuite, Cari Farver est soudainement apparue sur la photo. Cari est allée au magasin de Dave parce qu’elle avait des problèmes avec sa voiture. Ensuite, ils ont continué leur vie comme d’habitude. Un jour, alors que Dave parcourait le site de rencontres, il a vu Cari et consulté son profil. Tout comme lui, Cari ne recherche rien de sérieux pour le moment, il n’a donc pas pu s’empêcher de prendre contact. Ils ont eu pas mal de rendez-vous et Dave et Cari passaient des moments inoubliables. Mais il ne s’agissait pas uniquement d’intimité sexuelle – leur relation était pure. Une nuit, Dave et Cari sont arrivés chez lui. Peu de temps après, quelqu’un a sonné à la porte : Liz Golyer. Bien sûr, avoir son aventure précédente et actuelle dans la même maison est gênant. Liz a dit à Dave qu’elle avait besoin d’obtenir quelque chose de chez lui et qu’il n’avait donc pas d’autre choix que de renvoyer Cari chez elle. Après cette nuit, Cari a envoyé un texto à Dave pour lui dire qu’il était temps pour eux d’emménager ensemble. Ils ne se connaissent que depuis deux semaines, alors il a dit qu’il n’était pas intéressé parce qu’il a clairement indiqué qu’il ne cherchait rien de tel. C’est à ce moment-là que Cari a commencé à lui envoyer de nombreux messages méchants comme si elle allait ruiner sa vie et celle de tous ceux qu’il aimait et d’autres menaces qui peuvent rendre n’importe qui fou. Après cela, Cari a également commencé à envoyer des messages menaçants à Liz Golyer. Puisque Dave et Liz étaient dans la même situation, ils ont ravivé leur relation. Le harcèlement et le chantage se sont aggravés au fil du temps, mais les détectives n’ont pas découvert où se trouve réellement Cari Farver. C’est même arrivé à un point où Cari a incendié la maison de Liz. Heureusement, Liz et ses enfants n’étaient pas là à ce moment-là, mais elle a disparu sans dire un mot à Dave. Dave a accepté sa décision car il ferait de même s’il avait le choix. Après tout, il se reproche d’avoir entraîné Liz et ses enfants dans le chaos provoqué par Cari – du moins c’est ce qu’il pensait. Le mystère continue car les détectives sont encore loin de résoudre cette affaire. Après deux ans et demi sans aucun progrès, deux détectives se sont saisis de cette affaire pour tenter de la résoudre une nouvelle fois. Les détectives Ryan Avis et Jim Doty ont commencé à examiner les informations dont ils disposaient pour trouver quelque chose qu’ils pourraient utiliser. **ALERTE SPOIL** Les détectives se méfiaient déjà de Liz, mais ils ont fait un effort supplémentaire pour confirmer leurs soupçons. Ils ont vérifié le téléphone de Liz et c’est là que tout a commencé à pointer vers Liz. Bien sûr, ils ne l’ont pas rendu évident et ont joué avec le plan de Liz jusqu’à ce qu’ils trouvent une preuve tangible qui impliquera Liz dans ses actes horribles. Liz a été condamnée à la réclusion à perpétuité sans possibilité de libération conditionnelle. Le bien et le mal Commençons par le bien. Pour nous, le documentaire était génial. La cinématographie, les effets sonores et la façon dont l’histoire était présentée étaient excellents. Cependant, il y a eu quelques lacunes tout au long du film. C’était un docufilm d’une heure et demie, et pour certaines parties, on avait l’impression qu’il avait été précipité. Il pourrait être plus long d’aborder l’histoire de chaque personne et de nous aider à mieux comprendre comment et pourquoi cet événement effrayant s’est produit. De plus, il serait préférable que le film soit disponible sur d’autres plateformes de streaming comme PLATEAU DE TÉLÉVISIONHulu et plus encore. Quel est le verdict ? Dans l’ensemble, nous attribuerions à ce docufilm une note de 7/10. C’est un documentaire correct mais il peut certainement être amélioré. Nous apprécions vraiment la sortie opportune de ce docufilm simplement parce qu’il
Baigal Nuur – Lac Baïkal (2023) Critique du court métrage
Mystérieux, déchirant, beau et terrifiant. Le nouveau court métrage d’animation d’Alisi Telengut Baigal Nuur – Lac Baïkal ne ressemble à rien de ce que vous avez jamais vu auparavant. Le récit de Telengut est fondamentalement remplacé par un message sinistre mais calme sur la croissance, l’évolution et la façon dont nous observons la vie et la place qu’elle lui donne. Cette pièce très interprétative n’est pas un court métrage traditionnel que tout le monde pourra apprécier dans sa forme complète, mais c’est uniquement parce que parfois nous ne nous donnons pas l’occasion de voir au-delà des règles du divertissement, et surtout, de écoutez le passé. Un passé qui a beaucoup à nous dire. Dans Baigal Nuur – Lac Baïkal, on assiste à la formation d’un plan d’eau naturel. Cela ne se fait pas à travers des photographies à grande vitesse, des animations fantaisistes ou des images d’archives. Telengut est passé maître dans l’art de créer des pièces artisanales et expérimentales qui ne ressemblent à rien d’autre dans l’industrie. À l’aide de l’animation stop-motion, elle dessine la nature d’une manière brute et presque intime qui emmène les spectateurs dans un voyage narratif différent. Il atteint son objectif, mais ce n’est pas facile. Sans son fond sonore très efficace, Baigal Nuur – Lac Baïkal est simple. Mais il n’y a rien de simple dans ce que Telengut essaie de dire au monde. En fait, grattez ça. Faisons cette « annonce ». Utilisant une langue ancienne parlée par une femme indigène, Telengut aborde l’aspect mystérieux de l’évolution, parfaitement adapté au dialecte mongol menacé de Bouriate. Le récit est précis mais informe, une série de mots et d’expressions qui n’ont de sens que si l’on observe au-delà des histoires traditionnelles racontées par les ancêtres. Ils n’avaient pas besoin de mots élaborés. Parfois, ils levaient simplement les yeux vers le ciel, puis vers le sol, et annonçaient leur vision légendaire d’où nous venons et où nous allons probablement. Une collection d’effets sonores combinés à la texture du calcaire et du marbre blanc, le tout peint et repensé par un cinéaste dont les vues sont fondamentales pour le message du temps et sa capacité à détruire et à guérir. Telegut ne confirme jamais ce qu’elle essaie de dire en utilisant des règles et des scripts. Elle s’exprime simplement à travers un art et un langage perdus pour faire comprendre au spectateur l’importance de l’héritage et des traditions, alors qu’ils disparaissent à cause du temps et de notre relation avec la nature. Baigal Nuur – Lac Baïkal est passionnante en tant qu’œuvre artistique, mais le plus important est qu’elle vous oblige à penser à vous-même et à où vous vous situez à ce moment précis. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Maya (2024) Critique du film | Film-Blogger.com
Dans la conversation très complexe sur l’influence des médias sociaux pendant les phases clés de l’enfance, nous avons appris l’importance d’inclure des sujets extrêmement inconfortables à aborder. Cependant, on a l’impression que ce n’est jamais suffisant. Les enfants sont des proies et les chasseurs ont trouvé des moyens créatifs de contourner les boucliers établis par la société. Tout cela pour dire que nous prenons la confiance pour acquise. La confiance que nous accordons aux enfants pour qu’ils découvrent ce qui ne va pas ou ce qui est pratique. Aussi protecteurs que devraient être les parents, les opinions divergent sur ce qui devrait être fait et dans quelle perspective. Les discussions gênantes devraient-elles être plus explicites pour avoir un impact ? Interdire l’accès semble extrême, mais c’est une mesure extrême qui semble logique dans certains cas, comme celui présenté dans le film. Mayaun long métrage indépendant beaucoup plus pertinent à notre époque actuelle qu’on ne le pense. Mais ne vous méprenez pas. La formule est simple et fait partie intégrante du message. Maya ne tourne pas autour en prétendant être un film, ce n’est pas le cas. Il s’agit d’un récit percutant de milliers d’histoires centrées sur une enfant dont les circonstances la conduisent dans un trou que nous avons traité dans le passé comme une pure catastrophe. Bien sûr, cela devient un peu trop dramatique, mais au fond, il y a une histoire qui mérite d’être observée et analysée plus en profondeur. Ce n’est pas exactement la raison pour laquelle Maya fait ce qu’elle fait, mais pourquoi elle en ressent le besoin. C’est la partie de la conversation que nous devons ajouter, stat. Dans le film, une adolescente du nom de Maya essaie de faire face à une situation à laquelle elle ne devrait pas faire face. Sa mère est toxicomane et est constamment sous la menace de son petit ami violent. Maya est choquée lorsqu’après une attaque brutale, elle le reprend. Elle cherche du réconfort dans le centre de communication qu’est son téléphone portable. Il ne s’écoule pas beaucoup de temps lorsqu’elle rencontre un garçon mignon via Internet. Ray lui offre le monde que sa mère ne peut pas lui offrir, et Maya décide de lui faire confiance. Au début, elle devient la « petite amie en ligne ». Et puis il dit qu’elle pourrait devenir mannequin, se marier avec lui et déménager avec lui quelque part. Maya s’enfuit de chez elle et fait instantanément partie d’un réseau de trafic d’êtres humains. Maya fait du bon travail en décrivant le territoire horrible du trafic sexuel. Mais ce n’est certainement pas l’aspect le plus marquant du film. L’histoire axée sur les personnages montre l’innocence fragile de Maya détruite par un méchant manipulateur et sa mère trouvant du réconfort dans son propre processus de réhabilitation. Lorsque le film est basé sur leur interaction, il devient un reflet stimulant de l’angoisse des adolescents et de la manière dont la dynamique sociale actuelle a une influence sur celle-ci. C’est excitant quand un film comme Maya est de nature beaucoup plus large que ce que nous lui attribuons au début. Et c’est là ce qu’il y a de plus important et de plus efficace dans le film de Verdin. À mi-chemin à travers Maya, il semble que l’histoire soit terminée et que le conflit soit résolu. Mais le traumatisme est toujours bien vivant. Même si elle est blessée, tant physiquement qu’émotionnellement, Maya pense que Ray est la solution à tous ses problèmes. Cette superbe représentation du syndrome de Stockholm mène à un point culminant, mais je préfère m’en tenir au conflit personnel de Maya qui en dit long sur la capacité à s’en sortir à cet âge et sur la façon dont nous tenons parfois pour acquis la confiance sacrée qui se déplace au cours d’une période. une maturité et une croissance. C’est ce que Maya est à propos. Reconnaître et gérer intelligemment la fragilité de cette période de prise de décision qui est cruciale face à des menaces telles que le toilettage, les prédateurs sexuels et autres monstruosités en ligne. Et enfin, les performances de Patricia Vélasquez et Isabelle Féliciana comme la mère et Maya respectivement, ne sont pas seulement bonnes. Ils sont essentiels pour rendre le film crédible et convaincant. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Amenez-le-moi à moi (2024) Critique du film
Amenez-le-moiun petit thriller sympathique du réalisateur australien Luc Sparke, est un excellent exemple de film de genre qui a toutes les chances de changer la carrière de toutes les personnes impliquées. Non pas qu’ils en aient réellement besoin. Les stars du cinéma Barry Poivre et Sam Neilde La ligne verte et parc jurassique la renommée, dans des rôles importants qui élèvent le film au-dessus du niveau du cinéma indépendant avec des performances bien équilibrées et le facteur familier qui aide si bien ce genre de films. Cependant, Sparke ne fait pas vraiment appel à leur présence pour obtenir un effet. Il les retient à peine en s’en tenant au scénario bien équilibré sur lequel le film est basé et exécute finalement un projet passionné qui fonctionne dans les limites des règles du genre. Magnifiquement filmé et avec juste ce qu’il faut d’action, Amenez-le-moi raconte l’histoire d’un chauffeur en fuite dont le dernier travail ne s’est pas bien terminé. Il ne sera pas payé tant qu’il n’aura pas emmené l’un des membres de l’équipage chez son patron, qui ne semble pas satisfait de sa dernière performance. Mais le conducteur élargit ses connaissances sur le passager et se rend compte qu’il n’est pas vraiment un méchant. Lorsqu’il mélange ses émotions avec le travail, il essaie de sauver la vie du passager et fait échouer le plan. Dans Amenez-le-moi, le scénario principal n’a qu’une seule direction, et c’est celle à laquelle vous pensez instantanément. Mais à mi-chemin du film, quelque chose se passe. Quelque chose qui change la direction et l’éthique des personnages en ajoutant l’élément de punition et de justice qu’exige leur code moral. Du coup, ce ne sont plus de bonnes personnes, et notre impulsion est de garder le cap avec eux, sans nous enraciner. pour eux. Certaines parties du scénario sont fragiles, mais c’est un excellent travail d’auteur qui montre les capacités d’une équipe scénariste-réalisateur qui a eu une excellente communication. Le film fonctionne grâce aux performances de son casting principal. Barry Poivre joue le rôle principal et il montre certaines compétences que nous l’avions vu montrer auparavant, mais maintenant il est passé à un rôle plus mature, jouant le vétéran bourru qui avait quelques cartes dans sa manche et a été obligé de toutes les utiliser. Il contribue avec beaucoup d’équilibre et une toile de fond dramatique qui rend l’intrigue convaincante. Vous n’avez pas beaucoup entendu parler Jamie Costa de ce côté du spectre. Mais si vous voyez son visage, vous reconnaîtrez sa présence sur Internet se faisant passer pour Robin Williams et Harrison Ford. Dans Amenez-le-moiil laisse derrière lui le monde de l’usurpation d’identité et s’en tient simplement à un scénario qui ne lui demande pas grand-chose, mais il fait le travail. Sam Neil joue un personnage ambigu avec l’équilibre nécessaire pour être toujours à l’affût de son twist. Il joue toujours le gentil mec, mais en Amenez-le-moi, il y a de quoi faire attention. Ce n’est tout simplement pas aussi évident. Tout cela est montré en mode flashback, avec une scène intelligemment écrite et chronologiquement tordue, suffisamment tendue pour affecter la nuit où tout se passe. La seconde moitié du film trébuche lorsqu’elle doit suivre le parcours de personnages au flow différent. Les mœurs sont désormais déformées et ils doivent mettre un terme à ce qu’ils ont commencé. Lorsque le film entame son dernier sprint, il ose commettre l’impensable et entrer dans un territoire de terreur, de mort et de violence qui semble réaliste et poignant car il n’y a pas de fin heureuse dans l’univers de chaos et de crime de Sparke. Le changement semble un peu mélodramatique, mais il plaira à ceux qui aiment leur drame. Quoi qu’il en soit, terminer le film semble être un travail précipité, mais la théorie de l’auteur doit être respectée telle quelle. Amenez-le-moi c’est aussi une question d’inévitabilité et cela entraîne parfois les personnages dans un chemin plus sombre. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Quand Adam change (2023) Critique du film
Grandir est un thème si important à Hollywood qu’un sous-genre a même été créé pour plaire aux fans de théâtre et de comédie qui recherchaient des histoires sur la transition difficile de l’enfance à l’âge adulte. Mais cela semble trop restrictif alors que le genre lui-même ne l’est pas. Les films d’apprentissage sont des films populaires et sobres qui montrent souvent un personnage en train de vivre… quelque chose. Une circonstance difficile, les problèmes souvent associés à l’adolescence et une réalisation finale qui soulèvera généralement votre cœur à mesure que vous apprendrez à travers l’aventure de quelqu’un d’autre. Cependant, à mesure que le cinéma évoluait, les cinéastes ont pensé qu’il était nécessaire d’expérimenter un peu ces histoires. Un grand pas en avant, et on arrive au film extrêmement différent de Joël Vaudreuil, Quand Adam change. Quand Adam changeaussi connu sous le nom Adam change lentement une fois traduit de son titre français, est un film expérimental d’animation écrit et réalisé par Vaudreuil. Il fait aussi la musique, le montage et probablement bien d’autres choses. Et avec un film aussi original que celui-ci, il n’y a probablement pas d’autre moyen de le faire. Il raconte l’histoire d’Adam, un garçon de 15 ans qui traverse les difficultés de l’adolescence que personne ne comprend. Il est constamment harcelé par les monstres de l’école et sa famille n’a pas vraiment de liens avec lui. Il a aussi la grand-mère la plus vile que l’on ait jamais vue dans le cinéma d’animation. Une vieille femme qui ne se soucie pas du tout du jeune homme et qui le ridiculise constamment. Adam est également incapable de se comporter socialement avec les autres. Il aime les filles, mais il bégaie chaque fois qu’il est temps de leur parler. Il semble que son seul lien émotionnel soit avec sa sœur, mais elle parvient également à être une sœur superficielle qui ne se soucie pas beaucoup de son frère. Toutes ses insécurités et ses problèmes s’expriment à travers quelque chose de très spécial qui arrive au corps d’Adam à certains moments clés. Chaque fois que quelqu’un, que ce soit sa grand-mère ou des intimidateurs, dit quelque chose à son sujet et ridiculise son corps, son corps se transforme en ce trait. Si quelqu’un le traite de gros, il grandit. Si quelqu’un se moque de la forme de son torse, il se contorsionne de manière incontrôlable et reste ainsi. Le film de Vaudreuil nous fait voyager à travers les vacances d’été d’Adam, où il est soumis à des activités qu’il n’aime pas du tout mais que les gens croient bonnes pour lui. Est-ce l’été d’Adam ? Probablement pas. Le film est un projet passionné qui a finalement vu sa sortie dans le cercle des festivals en 2023. L’animation expérimentale et analogique n’a jamais été aussi pertinente qu’elle le sont aujourd’hui. Quand Adam change. C’est une belle exécution d’une idée qui sonnait sûrement bien sur le papier, mais qui était risquée lorsque Vaudreil a commencé à dessiner quelques croquis. Néanmoins, le film va quelque part avec sa représentation poignante de l’âme pure d’Adam corrompue par sa volonté de sortir. Le fait qu’il se transforme est un thème, mais ce n’est pas l’histoire principale ici. C’est une histoire de répression et d’une condition déchirante qui ne fait qu’empirer les choses pour la victime, un adolescent qui rêve d’être aussi dur que ses stars de cinéma préférées. L’utilisation subtile par Vaudreil d’images et d’effets sonores dérangeants est efficace. Il est difficile de ne pas voir à quel point ce monde est un cauchemar pour Adam, tout comme cela arrive à tous les adolescents à un moment donné. Quand Adam change n’est pas exactement universel, mais il parvient à être beaucoup plus honnête et réconfortant que d’autres films hollywoodiens sur le passage à l’âge adulte qui édulcorent chaque problème pour les rendre amicaux. Flash info : Il n’y a rien de facile à grandir. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
“Lisa Frankenstein” aurait besoin d’une étincelle
Histoire: Nous sommes en 1989, et Lisa l’a vécu. Au cours des deux dernières années, elle a perdu sa mère, son père s’est remarié et elle a déménagé. Maintenant, dans une nouvelle ville, une nouvelle maison, avec une nouvelle « maman » et une nouvelle demi-soeur ? Elle aspire à l’amour et à l’acceptation. Tu sais, de la part du gars pour qui elle a le béguin. Et peut-être ce type dont elle a vu le visage sur un buste au sommet d’une tombe au cimetière des célibataires. Fais attention à ce que tu souhaites? Ou peut-être simplement souhaiter plus fort. Je ne suis pas votre patron. Genre dans lequel je le mettrais: Des histoires pleines de possibilités mais sous-développées dans la réalitéDate de sortie: 2024Remake, suite, basé sur ou original: Basé sur l’histoire de Mary Shelley. Base très vague. Par exemple, Mary n’avait absolument pas de lit de bronzage. Comme si. Où le brancherait-elle ? Je dois dire: Diablo Cody ? Je suis toujours prêt à vérifier tout ce qui lui tombe sous la main. Kathryn Newton ? Bonjour; je l’aimais dans Bizarre. (Note à moi-même : faites Bizarre fait partie du #31in31 de cette année.) Zelda Williams ? Les débuts en tant que réalisatrice de la fille de Robin me donnent hâte de voir quelle sera sa voix cinématographique. Mais. Alors que Lisa est un rêve fébrile des années 80 rempli de rétro cool ? Il y a un certain je ne sais…monstre cela m’a donné envie de plus. Dans de nombreux cas, le film zigzaguait là où il aurait dû zaguer, coupait là où il aurait dû s’attarder et traînait là où il aurait dû taquiner. Je peux absolument voir les fans de l’histoire rééditer ce film pour le rendre plus vif, plus effrayant et plus idiot. Mais dans l’état actuel des choses ? Lisa c’est juste bien. Et je déteste maudire ce film avec de légers éloges. Celui de Cody le corps de Jennifer est absolument génial, et je le revois régulièrement. Et j’ai apprécié Tulle et Jeune adulte. Évidemment, Junon est un classique du millénaire auquel cette génération X revient encore de temps en temps. Mais avec Lisa, les mots de Cody semblent sans âme, même s’ils sonnent fidèlement à l’époque. (Comme je l’ai dit, Gen-Xer. Donc je sais ce que j’ai dit à l’époque, et Cody a bien compris.) La direction artistique est également pertinente, avec ces hideux designs de maison pastel étrangement délavés aux côtés des néons brillants de la mode des années 80. . Et Williams a définitivement un style auquel je voudrais revenir, avec son style décalé entre Burton et John Hughes. Alors, quel est mon dommage émotionnel ? Bien, Lisa a de bons os et une histoire qui ne s’arrête pas… mais c’est compliqué. Lisa a définitivement une prémisse qui pourrait être absolument incroyable ; pense le corps de Jennifer mais réanimation plutôt que possession. Le montage est saccadé, comme si le film lui-même se demandait s’il devait passer à cette scène maintenant. Le blocage est basique ; il y a eu de nombreux moments où j’avais envie de voir un gros plan plutôt qu’un plan large, ou un panoramique au lieu d’un montage, etc. (Sérieusement, la scène « Je ne peux plus lutter contre ce sentiment » dure bien trop longtemps, et ça devient très vite ennuyeux.) C’est comme si Williams espérait que la bizarrerie de cette histoire couvrirait sa première tentative de réalisation, et à la place, elle mettait l’accent sur elle. Et cela veut dire quelque chose de ma part, une fille qui espérait se perdre dans la sauce de ce film. J’ai adoré Carla Gugino dans le rôle de Janet, la belle-mère de Lisa. (Et si vous pensez que ce film fait référence à « Bon sang Janet » ? Bingo !) Gugino sait exactement à quoi elle s’est inscrite et mâche le décor avec aplomb. Un merci spécial à la belle-soeur de Lisa, Taffy, jouée par Liza Soberano. Taffy est un creuset de contradictions entre les clichés cinématographiques ; une pom-pom girl qui est en fait un amoureux, un « skank » qui est intelligent (ne le dites à personne cependant), et Soberano équilibre habilement les couches de Taffy. Quant aux leads Newton et Cole Sprouse ? Ils font de leur mieux avec ce qu’ils ont, mais ce sont des pistes fades comparées aux manigances exagérées qui se déroulent autour d’eux. Encore une fois, un réalisateur plus expérimenté aurait pu réaliser des performances plus significatives, mais ici ? C’était comme si c’était trop de choses à penser en plus de tout ce que le film exigeait. Il y a des moments à apprécier, alors que les roses parmi tout ce qui tente de pousser dans mon jardin… oh attends. Désolé. Mais tu me comprends. L’idée d’utiliser un lit de bronzage défectueux – un Taffy dans un concours de beauté apparemment à prix réduit sous les tropiques hawaïens – comme moyen par The Creature de donner vie à des parties supplémentaires du corps, est inspirée. Il en va de même pour la façon dont The Creature devient de plus en plus « vivante » à chaque choc/partie ajoutée. Ensuite, il y a une scène en noir et blanc de la Fiancée de Frankenstein où Lisa et son homme cousu se rendent compte que leurs sentiments sont réciproques, et j’aurais aimé davantage cela en tant que monologue intérieur de Lisa. Mais le mauvais maquillage de Sprouse (était-ce censé être intentionnel ? Je ne sais pas), l’opportunité gâchée par la boucle d’oreille de Chekov (allez, c’est JUSTE LÀ) et l’utilisation de « Je peux voir clairement maintenant » comme un chanson du moment pour l’histoire, alors que quelque chose de… oh, n’importe quel artiste des années 80, aurait été un meilleur choix ? Il doit y avoir des tonnes de merveilles uniques qui auraient accepté un lowball si votre budget était un problème, vous tous. Tout cela, plus le vide de l’ambiance générale du film, le rythme déroutant et mon incapacité globale à