Aujourd’hui, attachez-vous pour une aventure folle alors que nous plongeons dans l’esprit excentrique de Matt Shakman, un génie travaillant sur Monsterverse et sur la prochaine saga Fantastic Four. Préparez-vous à des rires, des idées et beaucoup de magie Marvel ! La vision du Monsterverse Dans notre entretien exclusif avec Matt Shakman, nous avons plongé au cœur du Monsterverse. Interrogé sur sa vision de l’avenir, l’enthousiasme de Shakman était palpable. “Nous avons investi tout notre cœur et notre âme dans cette saison de Monarch”, s’est-il exclamé. «Nous en sommes tellement fiers. Nous en sommes tellement excités. Nous sommes ravis que les fans le voient et nous espérons qu’il l’appréciera autant que nous avons aimé le réaliser. Voilà ce que j’appelle la passion ! L’un des aspects les plus intéressants de Monarch est son enchevêtrement de relations et de secrets. De la double vie d’Hiroshi à la mystérieuse connexion entre le Dr Mira et Shaw, le drame est hors du commun. Interrogé sur les développements futurs, Shakman est resté extrêmement vague. “Je ne veux absolument rien gâcher”, a-t-il taquiné. “La joie de cette émission est de découvrir tout cela et de ne rien gâcher.” Ah le suspense ! L’avenir fantastique Alors que notre conversation tournait vers ses projets futurs, Shakman a laissé tomber quelques allusions alléchantes sur la prochaine saga Fantastic Four. « Tout ce que j’ai fait finit par influencer la suite », songea-t-il. “Avoir travaillé sur Game of Thrones, avoir participé à des combats contre des dragons ou avoir travaillé sur des drames familiaux intenses ont tous eu un impact sur mon travail sur Monarch.” Avec des promesses d’action à grande échelle et de drame familial, Fantastic Four s’annonce comme un chef-d’œuvre cinématographique. L’histoire fantastique des « Quatre Fantastiques » : Avant de conclure, faisons un petit voyage dans le passé. Les Quatre Fantastiques, la première famille de Marvel, ont une riche histoire dans le monde de la bande dessinée et du cinéma. Créés par les légendaires Stan Lee et Jack Kirby, les Quatre Fantastiques sont l’incarnation de la dynamique familiale des super-héros. Des aventures cosmiques aux batailles interdimensionnelles, les Quatre Fantastiques ont conquis le cœur des fans depuis des décennies. Et voilà, les amis ! Un voyage éclair à travers l’esprit de Matt Shakman et le monde alléchant de Monarch. Restez à l’écoute pour des interviews plus exclusives, des anecdotes hilarantes et tout ce qui concerne le cinéma. En attendant la prochaine fois, gardez ces seaux de pop-corn pleins et ces rires à des mètres de haut !
Megamind vs the Doom Syndicate Review: Villaniously Bad
Dans le monde des films d’animation de super-héros, DreamWorks Animation s’est imposé comme un formidable concurrent avec des films mêlant à parts égales humour, cœur et héroïsme. Cependant, leur dernière sortie, Megamind contre le Syndicat Doomune suite du film de 2010 Megamind, a du mal à capturer la magie qui a fait de son prédécesseur un classique bien-aimé. Malgré les efforts d’un casting talentueux et une prémisse prometteuse, le film échoue dans plusieurs domaines clés, ce qui en fait un ajout décevant au catalogue DreamWorks. Réalisé par Eric Fogel, connu pour son travail sur Celebrity Deathmatch, et écrit par Alan Schoolcraft et Brent Simons, l’équipe derrière l’original. Megamind scénario, les attentes étaient grandes pour cette suite. Le film suit Megamind (exprimé par Keith Ferguson), l’ancien méchant devenu héros à la peau bleue et au grand crâne, alors qu’il rassemble une équipe pour empêcher ses anciens coéquipiers maléfiques d’exécuter un plan ignoble visant à lancer Metro City sur la lune. Aux côtés de Megamind, des personnages de retour tels que Roxanne Ritchi (Laura Post) et son acolyte nouvellement renommé Ol’ Chum (Josh Brener), entre autres. Le mauvais: L’un des principaux problèmes liés à Megamind contre le Syndicat Doom est la refonte de ses personnages centraux. Bien que Ferguson, Post et Brener soient sans aucun doute talentueux, ils ne parviennent pas à retrouver le charme de la distribution originale. L’interprétation de Megamind par Ferguson, bien que utilisable, n’a pas la nuance et la vulnérabilité que Will Ferrell a apportées au rôle. De même, Roxanne de Post semble moins dynamique que le portrait original de Tina Fey, ce qui rend difficile pour le public d’investir dans la romance centrale. Le passage de Minion à Ol’ Chum, avec l’excuse fragile d’un cessez-le-feu, ressemble plus à un gag bon marché qu’à une évolution significative du personnage. L’humour du film, qui a fait le premier Megamind populaire, se sent forcé et sans inspiration dans cette suite. Les blagues manquent souvent la cible, s’appuyant fortement sur des punchlines burlesques et prévisibles qui ne parviennent pas à susciter un véritable rire. L’introduction du Doom Syndicate, tout en offrant le potentiel de nouveaux méchants intrigants, aboutit finalement à un récit chargé qui laisse peu de place au développement des personnages. Les membres du Syndicat apparaissent comme des caricatures unidimensionnelles. Il leur manque la profondeur et la relativité qui ont fait des personnages comme Hal/Tighten dans le film original des antagonistes convaincants. L’intrigue elle-même est un autre domaine où Megamind contre le Syndicat Doom trébuche. Metro City, confronté à la perspective d’être projeté sur la lune, est ambitieux, mais l’exécution semble précipitée et incertaine. Les points clés de l’intrigue sont passés sous silence ou résolus de manière trop commode, privant l’histoire de tension et d’enjeux. Le film tente de jongler avec plusieurs scénarios. Cela inclut les luttes de Megamind contre l’héroïsme, la dynamique de sa nouvelle équipe et les plans du Doom Syndicate. Cela ne parvient à accorder à aucun d’entre eux l’attention qu’il mérite. Il en résulte un récit décousu et insatisfaisant. Visuellement, le film conserve le style d’animation vibrant et dynamique de son prédécesseur. Malheureusement, même ici, il y a un sentiment d’opportunité manquée. Les séquences d’action, bien que techniquement impressionnantes, manquent de la créativité et de l’inventivité qui auraient pu les distinguer. Le design des nouveaux méchants, malgré le potentiel visuel, semble dérivé et sans inspiration. Dans l’ensemble: L’incapacité du film à développer les idées du film original et le développement des personnages est particulièrement décevante. La première Megamind a exploré les complexités de l’héroïsme et de la méchanceté. Il aborde également la recherche d’identité et le pouvoir de rédemption de manière rafraîchissante et nuancée. La suite, en revanche, offre peu de profondeur thématique ou de développement des personnages. Le parcours de Megamind semble stagner et les tentatives de leçons de morale semblent autoritaires et clichées. Megamind contre le Syndicat Doom est une suite qui peine à trouver sa place. Malgré tous les efforts de sa distribution vocale et de son équipe créative, le film manque de créativité, de narration et de développement des personnages. Cette suite est peut-être divertissante pour un public plus jeune, mais Megamind les passionnés pourraient être déçus. DreamWorks a produit de nombreux trésors animés, mais ce film est insuffisant. Megamind contre la revue Doom Syndicate Agissant – 5/10 Cinématographie/Effets visuels – 3/10 Intrigue/Scénario – 3/10 Cadre/Thème – 3/10 Observabilité – 3/10 Re-regardabilité – 1/10
Godzilla Minus One Review : une épopée colossale et passionnante et amusante
Dans Godzilla moins un, le réalisateur Takashi Yamazaki nous emmène dans un voyage épique dans le Japon d’après-guerre. Non seulement ce que nous voyons est impressionnant, mais il est aussi étonnamment immersif. Dans le 37ème film du film mondialement célébré Godzilla série, Yamazaki a réussi à livrer un chef-d’œuvre cinématographique. Les performances de Ryunosuke Kamiki, Minami Hamabe, Yuki Yamada, Munetaka Aoki et Hidetaka Yoshioka constituent un casting formidable. Ensemble, ils alimentent cette aventure palpitante, la transformant en un mélange exceptionnel d’excitation palpitante. Tout en montrant également un portrait intime de la détermination humaine contre une apocalypse imminente. Le récit de Yamazaki sur l’émergence de Godzilla peint magistralement le contexte historique d’une nation meurtrie par la Seconde Guerre mondiale. Le film nous donne également un récit saisissant de ses courageux citoyens. Ceux qui ont le courage de se battre jusqu’à la mort pour protéger leur terre. Cette puissante unité thématique résonne tout au long de la durée du film. Il maintient également une urgence atmosphérique aussi engageante que captivante. Le film raconte une histoire très émouvante à travers son personnage principal, Shikishima, merveilleusement interprété par Ryunosuke Kamiki. Son parcours émotionnel en tant que pilote kamikaze incapable de se résoudre à agir. Nous voyons également que sa croissance pour finalement porter le coup écrasant à Godzilla est puissamment dramatique. Alors que nous naviguons dans la psyché complexe d’un soldat confronté à une guerre qui n’est pas de sa faute, cela reflète notre confrontation collective à des problèmes échappant à notre contrôle individuel. Le pathétique atteint son apogée lorsque Noriko, interprétée de manière poignante par Minami Hamabe, est présumée morte lors de l’attaque brutale de Godzilla. La promesse de Shikishima de la venger augmente la tension dramatique qui s’intensifie jusqu’à la toute fin. Le traitement par Yamazaki de l’emblématique Godzilla le distingue des autres versions que nous avons vues auparavant. Ici, Godzilla n’est pas simplement un monstre redoutable. Au lieu de cela, il symbolise des adversités plus grandes que nature qui mettent à l’épreuve le courage collectif de l’humanité. Les représentations vives et terrifiantes de Godzilla élèvent ce film à un niveau supérieur de réalisation visuelle. Les effets visuels sont exemplaires, notamment l’attaque par rayons thermiques de Godzilla et la scène finale où Shikishima utilise un avion pour porter le coup mortel. La régénération de la chair de Godzilla vers la fin promet des intrigues futures passionnantes, nous laissant au bord de nos sièges, en attendant la suite. Quels ensembles Godzilla moins un Ce qui se distingue, ce n’est pas seulement son histoire intéressante et ses excellentes performances, mais aussi la façon dont il lie les émotions humaines, les instincts de survie et une lutte incessante pour la rédemption dans sa structure narrative étroitement liée. De la narration habile à ses effets spéciaux époustouflants, en passant par une performance par excellence de son casting, le film brille sur tous les fronts. Godzilla moins un prouve qu’un véritable triomphe cinématographique réside non seulement dans des performances dramatiques et des intrigues captivantes, mais également dans une représentation honnête d’un esprit humain en difficulté et résilient. Yamazaki a prouvé une fois de plus que ses talents de réalisateur sont sans comparaison. Une histoire pleine d’émotion et d’action, Godzilla moins un est une expérience visuelle incroyable. Agissant – 10/10 Cinématographie/Effets visuels – 10/10 Intrigue/Scénario – 10/10 Cadre/Thème – 10/10 Observabilité – 10/10 Re-regardabilité – 10/10
Revisiter les contributions emblématiques de Sean Bailey à Disney
Cette année marque la fin du voyage de Bailey avec Disney, vieux de dix ans. Un voyage vers le bas Disney Lane convient parfaitement, alors que la société de production fait ses adieux au seul et unique Sean Bailey. Voici l’ensemble de ses contributions de 2010 à 2024. Sean Bailey ; le nom sonne, plutôt fait retentir une cloche, lorsqu’il est associé à Production de films Walt Disney Studios. Il a été président de Production des Studios Disney depuis près d’une décennie et demie. Le poste présidentiel nouvellement vacant, ainsi que celui de 20ème Studios du siècleest occupé par David Greenbaum, président de Photos de projecteur. Bien que Disney semble rester silencieux sur le changement soudain de présidents, ce n’est un secret pour personne que cela a quelque chose à voir avec le récent des sorties au box-office sous-performantescomme le remake en direct de 2023 du long métrage d’animation classique de 1989, La petite Sirènequi a à peine atteint le club du demi-milliard de dollars, entre autres. Sean Bailey n’est pas étranger à la production. De 2001 à 2007, il a produit de manière exécutive certains des projets les plus renommés, notamment Projet Lumière verte (2001), Le Club de l’Empereur (2002), et en tant que producteur de films Les meilleurs plans (1997), Hommes allumettes (2003) et Parti Bébé Parti (2007). En 2008, Bailey j’ai attrapé le ticket d’or et fait équipe avec Disney produire Tron l’héritage (2010). En 2010, Sean Bailey a été nommé président de Production de films Walt Disney Studios. En tant que président, il a négligé la réalisation et la sortie des longs métrages à succès, Alice dans pays des merveilles (2010), maléfique (2014), Cendrillon (2015), Le livre de la jungle (2016), Le dragon de Pete (2016), La belle et la Bête (2017), Aladdin (2019), Le roi Lion (2019), et La petite Sirène (2023). Au cours du mandat présidentiel de Sean Bailey, il a également supervisé plusieurs films entrant dans le club des milliards de dollars. La Pentade de Disney les remakes en direct qui ont rapporté indépendamment plus d’un milliard de dollars, notamment Alice au pays des merveilles (2010), pirates des Caraïbes: Sur des marées étrangères (2011) en partenariat avec Jerry Bruckheimer Films, La belle et la Bête (2017), Aladdin (2019) et Le roi Lion (2019). Cette tendance à succès fut cependant de courte durée, car les dominos du succès s’effondrèrent rapidement avec la sortie de Cruelle (2021) et La petite Sirène (2023), qui n’ont rapporté respectivement que 233,5 millions de dollars et 569,6 millions de dollars. La percée de Sean Bailey en tant que président de Productions Disney est certainement l’inclusion de rôles d’autonomisation des femmes et l’élimination de l’étiquette de « demoiselle en détresse ». Le rôle principal de Halle Bailey dans La petite SirèneYara Shahidi, Storm Reid et Rachel Zegler dans le prochain Disney les remakes sont extrêmement prometteurs pour toutes les filles hollywoodiennes de couleur/lignée. Avant de démissionner de son poste de président, Sean Bailey a fait passer plusieurs films d’action réelle en cours d’achèvement, notamment Blanc comme neige (2025), Mufasa : Le Roi Lion (2024), remake live-action de Moana et Lilo et Stitchactuellement en développement. La dernière étrave de Sean Bailey a finalement provoqué des ondulations plus que marginales et Steamboat Willie a ressenti les oscillations. Voyons comment David Greenbaum prendra les rênes de Productions Disney.
Revue de natation nocturne : une horreur aquatique étonnamment amusante et engageante
Baignade nocturne propose une plongée immersive dans les profondeurs de l’horreur de banlieue, puisant sa terreur dans le bassin familial soi-disant serein transformé en creux de terreur. Le réalisateur Bryce McGuire fait ses débuts au cinéma avec cette concoction effrayante, élargissant son court métrage du même nom de 2014 en une série d’horreur surnaturelle à combustion lente qui intègre habilement des éléments d’inquiétude de banlieue, de désespoir parental et de phobie aquatique. Le bon: Le film impressionne d’abord par son décor familial ordinaire. Wyatt Russell dans le rôle de l’ancien joueur de baseball Ray Waller cloue son rôle, insufflant à sa performance suffisamment de profondeur de personnage et de trame de fond pour étoffer les débats. Russell dresse le portrait authentique et sincère d’un père de famille qui lutte pour s’adapter à une retraite anticipée en raison d’une maladie mystérieuse. Kerry Condon dans le rôle d’Eve, la matriarche concernée, vole de nombreuses scènes avec sa détermination et son courage résilient alors qu’elle découvre le sombre secret que recèle leur nouvelle maison. L’ancrage émotionnel qu’elle apporte est complété par l’énergie brute qu’Amélie Hoeferle (Izzy) et Gavin Warren (Elliot) mettent en jeu en tant que frères et sœurs menacés. Kay, hanté et tragique, de Jodi Long, offre l’exposition nécessaire sans alourdir l’intrigue. La progression de l’intrigue, bien qu’elle soit un peu formelle, se dévoile en morceaux intrigants. L’histoire bénéficie de l’exploration par McGuire des peurs élémentaires et primitives, basée autour d’une piscine, transformant une scène de banlieue typique en un étrange territoire de terreur. La scène de la noyade va faire dresser les cheveux, un événement fou qui fait passer la piscine de répit récréatif à zone de terreur aquatique. Pourtant, certains moments de l’intrigue se transforment en une surdose de typicité, atténuant quelque peu la tension et la sensation globales. Le mauvais: Malheureusement, l’entité manque de définition substantielle pour rivaliser avec les ennemis surnaturels classiques. Le public a souvent soif d’indices supplémentaires sur l’esprit sinistre qui hante la piscine. Elle est considérée comme une force vitale nécessitant des sacrifices. Le troisième acte se déroule précipitamment, juxtaposant des moments d’horreur intense à un amour et un sacrifice familial poignants. Certains téléspectateurs pourraient trouver cette approche discordante, un choc d’émotions gênant au lieu d’un point culminant intense. Dans l’ensemble: Visuellement, McGuire réussit. La cinématographie obsédante parvient à dépeindre la banlieue comme un microcosme isolé, souligné par la présence quasi constante de la piscine. De l’immobilité semblable à un miroir aux ondulations menaçantes, l’eau contribue à maintenir une ambiance inquiétante. Baignade nocturne plonge profondément dans la terreur aquatique. Il dévoile un sous-genre de l’horreur qui flotte sur un bassin d’émotions humaines. Le concept, bien que solide, échoue malheureusement dans son exécution et le facteur de peur peut sembler quelque peu édulcoré. Début notable pour le réalisateur Bryce McGuire, le film promet un grand potentiel, voire un ensemble effrayant. Examen de la natation nocturne Agissant – 8/10 Cinématographie/Effets visuels – 8/10 Intrigue/Scénario – 7/10 Cadre/Thème – 7/10 Observabilité – 8/10 Re-regardabilité – 7/10
Dune : Deuxième partie | Revoir
★★★★★ Le beau pari de Denis Villeneuve s’est avéré payant. Cela est désormais assurément irréfutable. Le tome littéraire autrefois apparemment insurmontable de Frank Herbert a enfin un homologue cinématographique digne de ce nom. Dune. S’il semblait y avoir peu d’appétit pour une seule épopée de science-fiction en 2021, la conviction de Villeneuve selon laquelle la vision d’Herbert en justifiait deux était risquée. Certes, rien ne garantissait, dans un box-office affaibli par la pandémie, que Deuxième partie verrait jamais le jour. La suite tant attendue de Villeneuve – dans certains milieux – de Blade Runner n’avait, après tout, pas réussi à égaler les critiques en termes de succès commercial. Et pourtant, nous y sommes. Où Villeneuve est arrivé en premier Dune était audacieux, noble et un peu lourd dans sa construction mondiale, son second est tout simplement hypnotisant. Villeneuve a fait la paix avec les Shai-Hulud et ce n’est que le début. Il y a certainement quelque chose à dire sur le fait d’entrer dans un film comme Dune : deuxième partie aveugle. Malgré cela, il semble difficile d’imaginer que même les attentes les plus élevées ne soient pas satisfaites dans ce cas. La deuxième partie a tout pour plaire. Une romance douloureuse équilibre parfaitement scène après scène d’action palpitante. Le cœur s’emballe, se brise, s’envole et chante conformément à un récit doté du genre de répit pour lequel la plupart des superproductions et des réalisateurs à gros budget tueraient. Qui plus est, comme l’écrit Villeneuve lui-même, aux côtés Passagers” – ouais – Jon Spaihts, le film jouit d’une densité à la fois d’intrigue et de provocation de la pensée. C’est une épopée d’une telle ampleur et d’une telle puissance que le cinéma n’en a pas vu depuis les jours nobles de David Lean et Charles Heston. Une fois de plus, un casting d’une grande netteté ne fait qu’accentuer la réalité du monde à l’écran. Ne faites pas d’erreur à ce sujet, Dune possède un who’s who des stars les plus grandes et les plus brillantes de demain. Cela s’est avéré une décision judicieuse à l’ère en ligne lorsqu’il s’agissait de conquérir un public de quatre quadrants la dernière fois. Timothée Chalamet et Zendaya sont autant des icônes que de jeunes acteurs au talent fou. Chalamet incarne Paul Atréides, fils exilé du regretté duc Leto (Oscar Isaac). Zendaya est Chani, le guerrier Fremen dont il est tombé amoureux dans des visions au cours de la première partie. Ils sont désormais de plus en plus unis sur les plans désertiques d’Arrakis. La maison Harkonnen a pris le siège ducal, dirigée par l’horrible baron Vladimir de Stellan Skarsgård, mais c’est un monde de prophéties et de messies. Toutes sont soumises au destin et à la volonté de la confrérie mystique Bene Gesserit. Christopher Walken rejoint Deuxième partie dans le rôle de Shaddam IV, empereur Padishah de l’univers connu, avec Florence Pugh entrant également dans le rôle de sa fille, la princesse Irulan, une figure clé des livres. Bien qu’aucun des deux ne soit très présent, le casting est parfait. Certes, il est difficile d’imaginer une Irulan plus impérieuse que celle interprétée par Pugh. Le meilleur des nouveaux venus, cependant, est Austin Butler – c’est Elvis pour nous, petits mortels. Sting a joué Feyd-Rautha dans la version désavouée de David Lynch dans les années 80 sur Dune, mais n’était pas la moitié du deutéragoniste vampirique que Butler offre. Psychotique, sadique et sociopathe, le jeune neveu de Harkonnen est tout simplement terrifiant entre les mains de Butler. Son entrée en gladiateur, filmée dans un infrarouge saisissant, compte parmi les séquences visuellement les plus impressionnantes du film. Ce n’est pas une mince affaire. Deuxième partie est un spectacle presque entièrement visuel et propose un véritable festin de décors mémorables. La première balade de Paul sur un ver des sables, chaque minute un frisson, est peut-être la meilleure du groupe, mais j’ai aussi un penchant pour la scène trop brève dans laquelle Chani lui apprend à marcher sur le sable comme un vrai Fremen. Alors que l’action migre vers le sud et dans des environnements encore plus hostiles, les thèmes du fanatisme s’étendent dans les recoins d’un acte final incroyablement efficace. La religion a toujours été un moteur central du texte original d’Herbert, mais elle revêt ici une curieuse pertinence face à un monde contemporain qui se déchire. D’après un scénario vieux de plusieurs années maintenant, c’est presque prophétique. Une partition tonitruante de Hans Zimmer assimile le battement même du cœur d’Arrakis à la transcendance d’une vocation supérieure. Une cinématographie extraordinaire est, à ce stade, une évidence. Tout compte fait, la somme totale est une fonctionnalité exigeant une expérience globale sur grand écran. Les générations futures, dotées uniquement de l’expérience Netflix, ne bénéficieront tout simplement pas de toute la puissance de la réussite de Villeneuve. TS
Tarantino : “West Side Story” méritait l’Oscar
Yo, cinéphiles ! Vous vous souvenez des Oscars 2022 ? Ouais, celui avec la gifle entendu dans le monde entier ? Eh bien, au milieu de tout ce drame, il y a eu une autre histoire qui est passée inaperçue : Le principal problème de Quentin Tarantino avec les Oscars. Plus précisément, son reproche concernant leur décision de négliger “West Side Story” de Steven Spielberg. Attends quoi? Pourquoi l’ombre envers Spielberg ? Tout se résume à l’amour de Tarantino pour la « vraie affaire ». Il évite de regarder de nouveaux films, préférant s’en tenir aux classiques. Mais il a fait une exception pour « West Side Story » et « Top Gun : Maverick », et disons simplement qu’il n’a pas hésité à partager ses réflexions. Dans une récente interview, Tarantino ne s’est pas retenu. Il a qualifié « West Side Story » de « meilleur film de 2021 » et a déclaré qu’il « aurait dû remporter l’Oscar » (avec quelques mots choisis que nous ne pouvons pas répéter ici). Il a même fait l’éloge de l’acteur principal du film, Ansel Elgort, affirmant qu’il méritait le prix du meilleur acteur. Whoa, c’est dur. Spielberg l’a-t-il pris personnellement ? Non, ces deux-là sont des légendes de l’industrie, et un peu de compétition amicale n’a jamais fait de mal à personne. En fait, Spielberg s’est probablement contenté de rire et de dire : « Tiens mon talkie-walkie », faisant référence à son rôle de réalisateur emblématique de « Top Gun ». Pour Tarantino, il ne s’agissait pas seulement du film lui-même (même s’il l’aimait clairement). Il croit fermement qu’il faut honorer l’esprit du cinéma, et « West Side Story » représente une comédie musicale hollywoodienne classique qui prend vie grâce à des techniques cinématographiques modernes. C’est le genre de film qu’il admire et qu’il veut voir davantage. Mais n’y avait-il pas déjà un film « West Side Story » ? Oui, il y avait la version de 1961, elle-même basée sur une pièce de théâtre. Mais Tarantino adore un bon remake, à condition qu’il soit bien fait. Il pense que Spielberg a rendu hommage à l’original tout en y ajoutant sa propre touche unique, créant ainsi un film qui trouve un écho auprès du public d’aujourd’hui. Cela nous rappelle que même les plus grands noms d’Hollywood peuvent avoir des opinions bien arrêtées (et parfois les exprimer de manière colorée). Cela met également en lumière le débat en cours sur l’importance de l’originalité par rapport au respect des traditions cinématographiques. En fin de compte, que vous soyez d’accord ou non avec Tarantino, sa passion pour le cinéma est indéniable, et c’est quelque chose que nous pouvons tous apprécier. Source: Monde de la bobine
Spaceman Review : Un voyage inégal à travers l’espace et les sentiments
Celui de Johan Renck Astronauteadapté du roman de Jaroslav Kalfař de 2017 Astronaute de Bohême, se lance dans un voyage céleste visant à explorer non seulement les vastes inconnues de l’univers, mais également le labyrinthe complexe des émotions et des relations humaines. Alors que sa prémisse promet un mélange d’intrigue de science-fiction et de drame profond, l’exécution serpente malheureusement, ce qui donne lieu à un film aussi désorienté que son personnage principal. Le casting de stars, dirigé par Adam Sandler et Carey Mulligan, offre des performances louables mais se bat contre un scénario qui ne parvient pas tout à fait à décoller. L’intrigue est centrée sur Jakub Procházka, interprété par Adam Sandler, un astronaute tchèque envoyé en mission solo pionnière pour enquêter sur le nuage Chopra, un mystérieux phénomène cosmique. Le film tente de manière ambitieuse de naviguer dans la dynamique interstellaire et interpersonnelle complexe de la vie de Jakub, en mettant l’accent sur son isolement et son désir de connexion avec son ex-épouse, Lenka, interprétée par Carey Mulligan. Cependant, il trébuche dans la traduction à l’écran de la gravité émotionnelle et de la profondeur psychologique de son matériau source, sacrifiant souvent la cohérence au profit de l’abstraction artistique. Alors que la solitude de Jakub s’intensifie, il rencontre Hanuš, une araignée extraterrestre télépathique exprimée par Paul Dano, à bord de son vaisseau spatial. Hanuš cherche à comprendre l’humanité à travers les expériences et les souvenirs de Jakub, ouvrant la voie à ce qui aurait pu être une exploration approfondie de la condition humaine. Pourtant, les interactions entre Jakub et Hanuš, censées être le cœur du film, semblent souvent forcées. Il leur manque la résonance émotionnelle nécessaire pour impliquer pleinement le spectateur. La performance vocale de Dano est l’un des points forts du film, apportant chaleur et curiosité au personnage de Hanuš. Cependant, la qualité de la représentation CGI de Hanuš fluctue. Tirant parfois le spectateur de l’immersion que le récit cherche désespérément à réaliser. Le choix d’Adam Sandler dans le rôle de Jakub est une arme à double tranchant. Alors que Sandler a prouvé ses capacités dramatiques dans des films tels que Pierres précieuses non tailléessa performance dans Astronaute oscille inégalement entre véritablement touchant et maladroitement déplacé. Le fait que le film s’appuie fortement sur Sandler pour porter le poids émotionnel et philosophique de l’histoire expose ses faiblesses structurelles, en particulier dans son rythme et sa cohésion narrative. Carey Mulligan, dans le rôle de Lenka, livre une performance nuancée qui est malheureusement limitée par le développement limité de son personnage. L’histoire ne fournit pas suffisamment de contexte ou de temps d’écran pour le point de vue de Lenka. Ainsi, son rôle semble sous-utilisé et sa relation avec Jakub sous-développée. La présentation visuelle et les effets spéciaux du film sont mitigés. Si certaines séquences sont visuellement époustouflantes, d’autres souffrent d’apparentes contraintes budgétaires. Ils entravent l’ambition esthétique globale. La mise en scène de Johan Renck s’efforce d’adopter un ton lyrique et contemplatif. Malheureusement, cela finit souvent par des méandres, perdant de vue la dynamique et la clarté narratives. Le scénario, écrit par Colby Day, aborde de manière ambitieuse les thèmes de l’isolement, de la rédemption et du besoin humain de connexion. Cependant, il a du mal à équilibrer les éléments de science-fiction avec les questions émotionnelles et philosophiques plus profondes qu’il pose. Le dialogue, qui vise la profondeur poétique, atterrit parfois avec un bruit sourd, gêné par sa propre gravité. Le point culminant du film cherche à fournir une résolution cathartique mais laisse au lieu de cela de nombreux fils thématiques frustrants non résolus. Dans l’ensemble: Malgré ses défauts, Astronaute n’est pas sans mérite. L’ambition du film, tant dans ses aspirations thématiques que dans sa narration visuelle, est louable. Lorsqu’il parvient à aligner son récit, ses performances et ses visuels, il réalise des moments d’une véritable beauté et d’une résonance émotionnelle. L’enquête du film sur la fragilité des liens humains par rapport au cosmos infini est louable. Astronaute atteint les étoiles mais ne parvient finalement pas à saisir pleinement la profondeur thématique et la cohérence narrative à laquelle il aspire. C’est un film qui oscille entre des moments de véritable potentiel et des segments de sous-performance décourageante. Certains trouveront peut-être que ses performances et sa splendeur visuelle occasionnelle valent la peine d’être vues. Cependant, d’autres pourraient trouver cela décevant comme un voyage à travers l’espace et l’émotion humaine. Spaceman trouve sa place dans la vaste zone inconnue entre le succès et l’échec. Spaceman Review : Un voyage inégal à travers l’espace et les sentiments Agissant – 7/10 Cinématographie/Effets visuels – 6,5/10 Intrigue/Scénario – 4/10 Cadre/Thème – 4/10 Observabilité – 5/10 Re-regardabilité – 4/10
The Crow Reboot : à plumes ou pour toujours, un faux pas de mode ?
Vous vous souvenez du look gothique emblématique de Brandon Lee dans « The Crow » ? Ouais, celui avec le maquillage sombre, les cheveux lissés en arrière et l’eye-liner si pointu qu’il pourrait couper la kryptonite. Eh bien, préparez-vous pour un redémarrage et attachez votre ceinture, car le nouveau look du Corbeau soulève les sourcils plus vite qu’un hibou surpris. The New Crow : déchiré, tatoué et déroutant ? Le réalisateur Rupert Sanders est à la tête de ce reboot, et il a choisi Bill Skarsgard, le mec effrayant de « It », pour incarner le vengeur Eric Draven. Mais voici le problème : le Corbeau de Skarsgard a l’air… différent. Nous parlons d’abdos déchirés, d’une manche entière de tatouages et d’une ambiance plus « rockstar emo » que « veuf en deuil ». Fans divisés : est-ce le corbeau que nous méritons ? Internet, comme toujours, s’en donne à coeur joie. Certaines personnes apprécient la nouvelle version, louant l’intensité de Skarsgard et l’esthétique plus sombre du film. D’autres tiennent leurs perles, affirmant que le nouveau Crow ressemble à une version contrefaite du Joker de Jared Leto (oof, c’est une brûlure). Sanders affirme qu’il voulait créer un Corbeau qui résonne auprès du public moderne. Il dit que les tatouages représentent l’agitation intérieure de Draven et que le corps déchiré reflète sa transformation physique après la mort. Mais est-ce trop ? Peut être. Le « look corbeau » a toujours été bien plus que du maquillage et des vêtements déchirés. C’était un symbole de perte, de colère et d’aspiration à la justice. Il reste à voir si Skarsgard’s Crow peut capturer cette essence tout en faisant vibrer un abonnement à un gymnase et une manche d’encre. Devriez-vous regarder le redémarrage ? C’est à vous de décider, famille. Si vous êtes ouvert à une réimagination, essayez-le. Mais si le « Crow Look » original est sacré pour vous, ce redémarrage pourrait vous donner un sentiment plus « meh » que « wow ». Une chose est sûre : le débat sur le nouveau look Crow va certainement se poursuivre. Que vous l’aimiez, le détestiez ou que vous soyez tout simplement confus, il est indéniable que ce redémarrage génère un sérieux buzz. Source: Tyran geek
Jason Blum fait de votre imagination votre pire cauchemar
Yo, amis de l’horreur ! Avez-vous déjà vu un film si effrayant qu’il vous donne envie de dormir avec les lumières allumées et de vérifier sous le lit s’il y a des poupées tueuses nommées M3GAN (pas d’ombre, elle est plutôt emblématique) ? Si c’est le cas, tu dois remercier Jason Blumle mec derrière certains des films les plus terrifiants de ce côté d’une maison hantée. Blum : le cerveau derrière vos cris Ce ne sont pas les films de monstres de ta mère. La société de production de Blum, Blumhouse, produit une horreur à la fois effrayante et intelligente. Nous parlons de franchises comme « Paranormal Activity », « The Purge » et « Insidious » – des films qui vous feront remettre en question chaque choc de la nuit et laisseront la lumière de la douche allumée pendant des semaines. Mais Blum ne se limite pas à des frayeurs Bien que Blumhouse sache vraiment comment vous faire sortir de votre peau, ils abordent également des thèmes plus profonds. Prenez « Sortez », par exemple. Ce film aborde le racisme d’une manière à la fois horrifiante et stimulante. Blumhouse n’a pas peur de devenir réaliste, même si cela implique de modifier votre horaire de sommeil. Le dernier projet de Blum : retourner votre imagination contre vous Blum ne se repose pas sur ses lauriers (ou devrions-nous dire, sur ses cauchemars ?). Son prochain grand projet est un film intitulé “Imaginaire”. Voici le problème : il ne s’agit pas de fantômes ou de goules, mais des monstres qui se cachent dans votre propre esprit. Les choses qui bougent la nuit ? Ouais, ce ne sont que vos amis imaginaires d’enfance qui reviennent jouer… avec vengeance. Intrigué mais terrifié ? Ouais, nous le pensions. « Imaginaire » est sûr de vous déranger d’une manière que vous n’auriez jamais cru possible. Et qui sait, peut-être que cela vous fera même réfléchir à deux fois avant de laisser vos enfants avoir des amis imaginaires (je plaisante… surtout). Alors, quel est le point à retenir ? Jason Blum est un cerveau de l’horreur qui sait comment exploiter nos peurs les plus profondes et les transformer en or au box-office. Qu’il s’agisse de frayeurs ou de frissons psychologiques, Blumhouse est là pour vous faire peur. Alors, la prochaine fois que vous chercherez un film qui vous empêchera de dormir la nuit, n’oubliez pas de jeter un œil à une production de Blumhouse. Ne nous blâmez pas si vous faites des cauchemars. Source: ComicBook.com