Le secret pour faire un bon thriller est l’équilibre. Un film du genre bien conçu doit vous captiver dès le début, vous piéger avec une intrigue captivante qui incite le spectateur à utiliser son imagination et vous faire prendre soin des personnages qui vivent probablement quelque chose d’horrible. Tout ce qui va au-delà est utile s’il est bien appliqué, mais les bases d’un film à suspense efficace ne sont pas un secret. Il s’agit d’écrire quelque chose de bien. Dans DétenuRébecca est un mystérieux inconnu qui se réveille dans un commissariat. Elle est interrogée sur des événements dont elle ne se souvient pas. Elle est meurtrie, ses mains portent des traces de sang et elle a peur d’avoir blessé quelqu’un lors d’un délit de fuite. Cependant, les détectives qui l’interrogent sont constamment en désaccord et jouent évidemment les rôles du bon flic et du méchant flic. Il y a quelque chose d’anormal dans son arrestation, et elle le découvre lorsque des gens commencent à se faire tuer. En réalité, ceux qui la détiennent envisagent de la voler dans le cadre du plan le plus élaboré jamais conçu. J’ai trouvé difficile de communiquer avec Felipe Muccic’est Détenu. Le film est un thriller soigneusement conçu qui met en vedette un casting imbattable. Le problème est que son histoire alambiquée est plus compliquée qu’elle ne devrait l’être. Plusieurs rebondissements deviennent lassants à mi-parcours lorsque le film devient un peu prévisible (une question répétitive sur qui est qui), et honnêtement, j’ai arrêté de m’en soucier. Mais non, Détenu n’est pas un mauvais film. C’est juste une itération évidente d’un concept que nous avons vu dans le passé et qui se rafraîchit avec un casting finement réglé. Détenu essaie d’être intelligent avec une intrigue avec laquelle je n’ai pas de connexion et des personnages qui, selon moi, auraient pu bénéficier d’un meilleur développement. Néanmoins, l’exécution est tout sauf médiocre. Il y a un bon film dans un montage final qui aurait pu utiliser un meilleur montage pour éviter toute prévisibilité et rendre l’intrigue plus conviviale. Abbie Cornishen tête, est assez bon pour affronter un groupe entier et être crédible quand vient le temps de jouer à la fois la victime et le cerveau. Laz Alonso (Les garçons) fait un excellent travail en incarnant un homme moralement corrompu et le principal antagoniste. Le reste du casting reste dans un décor secondaire, mais Laine Breeda s’impose comme le meilleur interprète du film. Si seulement elle avait eu plus de temps devant un écran. Détenu appelle à deviner, ce qui est de bon augure pour le thriller, car cela maintient le public constamment engagé. Mais ils résoudront probablement le conflit trop tôt. Le film devient alors la confirmation d’une idée qui ne pose aucun défi et soumet même les personnages à une élimination rapide. Nous savons que Rebecca triomphera car elle est évidemment la figure mystérieuse que tout le monde ne cesse de mentionner (dans une sorte de moment Keyser Söze que le film utilise fièrement). Le talent derrière la caméra ne fait aucun doute. Détenu est magnifiquement tourné et bien joué. Mais cela ne suffit pas pour l’empêcher d’être un film inoubliable avec une intrigue à plusieurs niveaux dont nous sommes censés nous soucier. Au lieu de cela, cela vous obligera à saisir votre téléphone pour vous éloigner trop souvent. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Spyral (2024) Critique du film | Film-Blogger.com
Lorsqu’il s’agit de documentaires dans lesquels un certain sujet permet à une caméra d’entrer dans son monde et de documenter une histoire qui mérite d’être racontée, on ne peut s’empêcher d’avoir l’impression que quelqu’un se livre à une terrible invasion de la vie privée. Bien sûr, il y a le consentement, un facteur considérable à prendre en compte lorsqu’une histoire est composée de séquences montées et d’une vision indéniablement biaisée. Mais néanmoins, en tant que spectateurs, nous accédons à une pièce dans laquelle les secrets ne sont plus secrets et où l’histoire de quelqu’un deviendra publique. J’avais l’impression que Spyral, la plongée intimidante de Bill Guttentag dans les mécanismes d’une famille ravagée par des problèmes de santé mentale, était ce genre de film : un supercoup monté de la chute de la famille. Cependant, ce que j’ai fini par vivre a été une visite brute dans les restes détruits d’un concept, un portrait horrible et pur d’une famille en crise. Dans le film, un musicien prometteur nommé Randall rencontre Michelle et ils s’entendent bien. La relation devient sérieuse et ils se marient pour devenir parents peu de temps après. Le problème est que sous l’image de la famille parfaite, se cache un monstre, et à un moment de leur vie, ce monstre décide de montrer son visage. Michelle souffre de trouble bipolaire et cette condition l’a toujours dominée. Née dans une famille où les drogues n’étaient pas strictement condamnées, l’idée que Michelle se fait d’un noyau familial n’est pas traditionnelle, et même si elle lutte pour être une bonne mère et un bon mari, ses problèmes mentaux sont plus forts que sa volonté. Randall commence à enregistrer tout ce qu’il peut, à l’aide de caméras cachées et de son téléphone portable, et il obtient les preuves dont il a besoin pour se prouver qu’il doit faire quelque chose avant qu’il ne soit trop tard. C’est à travers les lettres de Michelle (reconstituées dans une performance vocale de Michelle Trachtenberg) que l’on découvre ses sautes d’humeur et ses éventuels épisodes de colère incontrôlée. À un moment donné, cela devient trop, et en tant que téléspectateurs, nous devons prendre conscience d’une horrible possibilité difficile à aborder dès le début : Michelle est sur la voie de l’autodestruction qui ne se terminera pas bien. Qu’est-ce que c’est joli La décision de Randall de fournir les informations qui vous obligeront à tirer vos propres conclusions sur Spyral est différente et sans aucun doute intéressante à propos de Spyral. Ce n’est pas du tout une question de victimisation, mais étant donné qu’il enregistrait toujours tout, il y a un jugement inévitable sur l’incapacité de la famille à « arrêter le monstre à portée de main ». Ceci est d’autant plus remarquable que Charlotte, la fille de Randall et Michelle, est au centre du conflit et témoigne de l’état de santé de sa mère. c’est afficher. Ce moment est vraiment pénible et sera peut-être déclencher certains téléspectateurs. Spyral est une expérience cinématographique pas comme les autres car aucun film n’a osé être aussi ouvert et honnête que celui de Guttentag. Randall White est également un homme courageux qui n’a pas peur des réactions négatives et qui aimerait que le monde observe la tourmente émotionnelle liée à sa relation avec Michelle. Si vous ne pensez pas qu’il est courageux, vous le serez probablement lorsque le film révélera que Michelle avait sa propre vie et qu’elle impliquait des relations extra-conjugales. Ceci, comme pour de nombreux autres événements que vous remarquerez probablement, a été le tournant de leur bataille pour la séparation et la garde. Et oui, Spyral est aussi un témoignage révélateur sur le suicide. Dans le cas de Michelle, cela semblait être une issue inévitable et, malheureusement, Randall n’a pas pu intervenir, le soumettant à l’horrible position de toujours attendre l’appel qui confirmerait que Michelle avait mis fin à ses jours. Le plus important, c’est que juger n’est pas admissible dans ce documentaire captivant. Il s’agit simplement d’un autre appel à l’action pour aborder la santé mentale comme une crise et non comme un sujet dont on entend tant parler sur les réseaux sociaux. Quand cela devient réel, comme cela se produit dans Spyralil n’y a pas grand-chose à faire à part réfléchir, réfléchir et réfléchir, et voir si nous, en tant que société, pouvons faire quelque chose pour quelqu’un qui traverse un problème de cette nature. Comme le film montre, tout n’est pas aussi parfait que il semble. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Nyctophobie (2024) Critique du film | Film-Blogger.com
Seayoon Jeongle long métrage expérimental de Nyctophobie est vraiment spécial. Mais ce n’est pas une expérience très conviviale. En fait, vous pourriez vous retrouver à essayer de vous débattre avec son approche unique et son arc de personnage tout en essayant de donner un sens à ce que vous voyez réellement. Cependant, je crois que tout cela a un but. Et cet objectif est celui que Jeong n’affichera pas comme le font d’autres cinéastes avec leurs films. Il s’agit d’une version mystérieuse et expérimentale de quelque chose dont nous ne savons pas grand-chose. Que se passe-t-il dans notre esprit lorsque nous nous endormons ? Comment fonctionnent les pensées lorsque nous pouvons contrôler ce qui se passe ? Pourquoi nous sentons-nous vulnérables dans la sécurité de notre propre lit ? Nyctophobie est un thriller psychologique angoissant qui ne s’en remet ni aux formules de genre ni aux décors traditionnels. Il s’agit plutôt d’une interprétation de quelque chose de réel, d’une maladie largement reconnue comme chronique mais rarement explorée dans sa conception et son expression. Le monde aléatoire des rêves est désormais mêlé à une peur tangible, et dans l’esprit de Liz affligée, des monstres résident, transcendent et célèbrent. Liz est une femme seule qui souffre de troubles du sommeil. Elle a tout essayé et rien n’y fait. Se coucher est une épreuve, car elle a aussi peur de ce qu’elle ne peut pas voir dans l’obscurité totale et qui s’active lorsqu’il est temps de se reposer et de dormir. Cependant, à mesure que nous accompagnons Liz vers un état de conscience plus profond, nous réalisons que peut-être c’est tout pour quelque chose. La seule ressource de Liz est de revisiter les souvenirs heureux de son enfance. Mais elle se lance à fond, dérive dans une couche chaotique où elle rencontre des entités maléfiques qui veulent lui faire du mal dans le domaine le plus cauchemardesque auquel on puisse penser. Le film se joue comme un rêve qui se transforme en cauchemar. C’est répétitif, fastidieux et parfois difficile à supporter. Il est difficile de dire si c’était le but de Jeong, mais c’est quelque chose que nous ne pouvons pas l’accuser d’infliger aux téléspectateurs. Nyctophobie admet très tôt de quel genre de film il s’agit, et si vous décidez de l’accepter, c’est votre responsabilité. Les films traditionnels sont la norme, et ceux qui enfreignent les règles présentent avec audace un changement qui ne se passe pas toujours bien pour les téléspectateurs dont les attentes ne sont pas satisfaites. Cependant, nous devons également apprécier le point de vue de l’auteur et à quel point cela pourrait être passionnant mais pas vraiment convaincant pour beaucoup. C’est un film qui trouvera sûrement un écho auprès de ceux qui ont traversé des conditions mystérieuses comme la paralysie du sommeil et l’anxiété du sommeil. Mais la représentation des cauchemars par Jeong sera source de division car elle prend une direction avec laquelle certains ne s’identifieront pas : aussi effrayants que soient ces clowns, Nyctophobie est tout sauf un film d’horreur traditionnel. Jeong Nyctophobie est une exploration créative de quelque chose de personnel pour chacun, et il lui est impossible de décrire quelque chose comme les monstres qui vivent dans l’esprit de chacun. Néanmoins, son portrait contourne exceptionnellement les règles. Ce film doit être célébré, mais tout le monde ne passera pas un bon moment avec lui. Que ce soit bon ou mauvais, la réponse réside dans l’esprit de Jeong et Nyctophobie n’est que le début de notre exploration à l’intérieur. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Vue (2024) Critique du film | Film-Blogger.com
S’il y a une chose qui Vue On peut lui reprocher, c’est le fait qu’il soit trop naïf dans son approche d’une histoire vraie. Le monde réel n’est ni aussi sûr ni aussi ordonné. C’est horrible et brutal, et parfois il vous poussera au sol et vous soumettra à des difficultés dont vous ignoriez même l’existence. Cependant, cela ne signifie pas que raconter ces histoires doit être réaliste pour être efficace. Vue peut être accusé d’être trop innocent pour son propre bien, mais parfois, c’est ce que recherchent les téléspectateurs. L’histoire derrière Vue et les personnages qu’il représente sont bien plus intéressants que l’exécution. Mais le film est loin d’être défectueux ou superficiel. C’est une histoire réconfortante sur la résilience que vous n’êtes pas censé remettre en question. Réalisé avec la passion qu’il requiert, il s’agit d’un long métrage indépendant qui respecte les listes de contrôle Hallmark du drame familial auquel il se limite. Vue raconte l’histoire vraie du Dr Ming Wang, un pionnier de la chirurgie oculaire qui fait de son mieux pour redonner la vue à ses patients. Cependant, comme cela arrive dans le monde médical, parfois la volonté d’aider ne suffit pas. En revisitant ce qu’il a dû endurer pour arriver là où il est aujourd’hui, le Dr Wang trouve une solution possible à un problème qui a laissé des millions de personnes sans la capacité de voir. Mais revenir sur son passé sera trop difficile pour le médecin. Le film est une aventure dramatique intense qui montre la communauté chinoise pendant les troubles politiques et l’installation d’une doctrine. C’est la raison pour laquelle il a trouvé des détracteurs dans le secteur de la distribution de films en Chine, où les gens devrait voyez-le. Bien sûr, d’autres l’accuseront de propagande. Mais au plus profond du film, vous découvrirez une histoire captivante sur la force de l’esprit humain et sa résilience face à l’adversité, aux ennemis et, bien sûr, à la nature elle-même. L’équilibre entre drame politique et thriller médical est parfait, merveilleusement géré par le réalisateur Andrew Hyattqui comprend quel genre de film il fait et quels conflits il doit aborder pour faire l’histoire de Wang plus efficace. Encore une fois, le film semble crédule à un moment donné, mais cela ne rend pas l’histoire moins convaincante. Il n’est pas non plus étonnant que le générique comprenne des images de certaines des scènes que nous avons vues en train d’être recréées, puis nous hochons la tête, reconnaissant que certaines parties de l’histoire, aussi émotionnellement manipulatrices qu’elles paraissent, étaient en réalité authentiques. Vue n’est pas une réussite cinématographique. C’est une adaptation d’une histoire vraie qui suit suffisamment de règles pour en faire un film réconfortant. Néanmoins, il ne donne aucun coup de poing Quand cela vient à étant une représentation brute du passé et de la réalité d’un pays. Ce n’est pas de la propagande. C’est une réalité que certains ont peur d’observer car cela donnerait alors une bonne image aux autres. Dans les temps modernes, cela est considéré comme un péché. Dans mon cas, Je considère c’est une célébration de l’endurance et de la résilience de l’esprit humain. Wang n’est pas un dieu pour tout le monde. Mais il est ce qui se rapproche le plus d’un saint parmi quelques-uns, et le film fait un excellent travail en marquant la différence entre ce qui devrait être célébré ou nié. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Simon (2023) Critique du film | Film-Blogger.com
Le générique d’ouverture de Simonle long métrage vénézuélien de Diego Vicentini qui a remporté des prix dans plusieurs festivals de cinéma et a trouvé sa place sur des services de streaming comme Netflix, montre une célébration d’anniversaire effrénée. C’est bruyant, chaotique, mais extrêmement exaltant dans le pur style des célébrations vénézuéliennes. Un groupe de jeunes dans une salle de classe font la fête autour d’un enfant qui porte des lunettes de soleil dans l’obscurité totale et qui a de la crème tout autour du visage. Ses cicatrices ne sont pas visibles, mais ce n’est pas obligatoire. Il s’agit d’un traumatisme chevauchant un esprit si naturellement puissant qu’il est invincible. Puis, en quelques coupures, on découvre pourquoi Juanchi fête son anniversaire avec une blessure dont on ne guérira jamais. C’est le souvenir qui hante Simón. C’est pourquoi il ne laisse pas ses cauchemars être des rêves. Il se réveille avec un grand coup à la porte, ce qui signifie que le repos n’est que théorique dans son monde et qu’il est censé faire quelque chose. Comme tout autre citoyen vénézuélien, où qu’il soit, c’est le destin qui frappe violemment à la porte d’un appartement qu’il ne peut pas posséder, car c’est ainsi que nous avons grandi. Fuite de la réalité et incapacité à être normal. Dans Simon, le personnage principal a demandé l’asile à Miami. Il est informé que, si cela lui est accordé, il ne retournera jamais dans son pays d’origine, où il a été étudiant et a combattu contre le gouvernement et le personnel militaire lors d’événements passés. Son cœur est partagé entre la possibilité de repartir à zéro dans un autre pays ou de rentrer chez lui, où il luttera littéralement contre la tyrannie de la dictature installée il y a plus de 20 ans. Regardez une bande-annonce ici. Le film fait un excellent travail en montrant d’où il vient et pourquoi Simón est tel qu’il est aujourd’hui. Cependant, aussi réaliste que puisse paraître son histoire, le film n’est pas basé sur l’histoire vraie d’un réfugié vénézuélien. Vous seriez choqué d’apprendre que c’est ce qui est arrivé à des milliers de Vénézuéliens d’une manière ou d’une autre. Son traumatisme est notre traumatisme, et nous l’avons chacun géré différemment. Quoi Simon Cela brouille la frontière entre ce que les Vénézuéliens devraient faire et ce qu’ils sont amenés à faire. De chaque côté, on crie à Simón : il doit rentrer et se battre, et il doit oublier et recommencer. Les tranchées de culpabilité et d’optimisme sont dangereuses, et son histoire s’appuie sur ses expériences de jeune homme intelligent dont l’esprit brisé l’oblige à s’adresser aux fantômes du passé. L’arc dramatique est simple mais intéressant. Simon il y a de l’action en cours de route, et il est correctement adapté à l’aspect fictif du voyage de Simón. Mais le film a divisé à cause de cette « manipulation » des faits. Mais comment raconter des milliers d’histoires sur une seule chaîne ? Dans mon cas, en tant que citoyen vénézuélien, j’ai eu la capacité d’observer la division entre ce que j’étais censé croire et ce que je voulais croire. L’arc de personnage de Simón est cohérent et le résultat se combine bien avec une visite déchirante en enfer lui-même, une situation qui est décrite dans le film et qui fera trembler certains téléspectateurs. Que signifie « normal » dans le monde de Simón ? Qu’est-ce que la normalité pour les Vénézuéliens ? Y a-t-il une différence entre ceux qui sont restés et ceux qui ont osé s’enfuir ? Bien sûr, il y en a. Ils vivent dans des sphères complètement différentes de la société. Mais à l’intérieur, nous sommes toujours confrontés au traumatisme d’un conflit sur les fondamentaux. Nous tous. Ceux qui ont couru et ceux qui sont restés. Le combat n’est pas la même chose d’un point de vue physique, mais le combat est imprimé dans nos cœurs et nos esprits comme quelque chose auquel nous devons faire face chaque jour. Tout comme cela arrive à Simón, les rêves ne seront jamais des rêves car les cauchemars se cacheront toujours. Et oui, nous devrions aborder l’idéologie. La position du film est claire en ce qui concerne sa description d’un gouvernement autoritaire qui nie avec véhémence son exécution et le meurtre de Vénézuéliens. Que vous croyiez ou non à ce qui se passe dans ce pays, cela dépend de vous. Il y a suffisamment d’informations (et d’images) pour tirer des conclusions. Si vous pensez que c’est un mensonge, alors vous devez être sûr de votre position. Et non, vous n’êtes pas du côté de la vérité et de la justice. Simon ne vous fera pas changer d’avis, mais cela vous fera réfléchir si vous devriez réellement le faire. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Cabrini (2024) Critique du film | Film-Blogger.com
Au cœur d’un film comme Chèvres, avec toute son approche sucrée du concept biographique, cache quelque chose de très fort. Un message d’espoir, un clin d’œil à notre propre réalité et au fait que peu importe qui raconte l’histoire, l’histoire mérite qu’on s’y arrête. Alexandre Monteverde a réalisé un beau film après avoir traversé le voyage déchirant et doux-amer qui a été Le son de la liberté, et il est resté à l’écart de l’examen minutieux du film. Il se contente de regarder en arrière et décide de rendre hommage à un sujet indispensable sous la forme d’un voyage historique pour comprendre la valeur du passé. Chèvres est le résultat d’une histoire qu’il a imaginée aux côtés de Rod Barr, qui a été matérialisée dans un scénario de Barr, où ils ont compilé une série de faits sur une femme très importante. Mère Cabrini est connue comme la première citoyenne américaine à être canonisée par l’Église catholique. Sa vie est un voyage inspirant qui fera sourire votre cœur d’espoir et de résilience. Faire un film sur elle n’est pas vraiment une victoire sûre. L’aspect religieux de l’histoire ne séduira pas vraiment le public actuel, déconnecté du passé. Mais Monteverde est assez courageux pour offrir sa vision et livre un drame fort qui semble parfois naïf mais qui triomphe finalement dans son traitement de Cabrini comme une femme dont le seul défaut était de ressentir trop d’amour pour ceux qui en avaient le plus besoin. À la fin des années 1800, Cabrini et d’autres sœurs de l’institut des Sœurs Missionnaires du Sacré-Cœur de Jésus se sont rendues à New York pour découvrir que les immigrants italiens n’étaient pas vraiment bien accueillis. L’archevêque n’est pas très utile, mais sentant la pression d’autres organisations religieuses, il accepte d’aider Cabrini et compagnie. C’est le début de son voyage, qui fera d’elle une figure clé dans la fourniture d’un refuge sûr aux immigrants, aux orphelins et à d’autres citoyens considérés comme secondaires à cette époque de la ville de New York. Sœur Cabrini était confrontée à presque toutes les menaces d’une société sexiste. Même le Vatican n’a pas pu l’aider inconditionnellement. Ce n’est que lorsque Cabrini a décidé d’utiliser son leadership pour contraindre les politiciens et autres dirigeants à reconnaître les immigrants comme des membres clés de la société que les Italo-Américains n’ont pas été pleinement acceptés. Dire qu’elle est une partie importante de leur communauté est un euphémisme. La capacité de Monteverde à filmer une pièce d’époque est indéniable. La conception de la production est magistrale et positionne réellement le spectateur dans une époque où la misère était la règle et où la survie était le seul résultat. La vie n’était que théorique pour les immigrants qui recherchaient de meilleures opportunités. Il se livre aux détails et perd parfois la perspective de l’histoire à cause de cela, mais finalement le film fonctionne parce que Cristiana Dell’AnnaLa performance de Cabrini force le film à rester ancré dans sa représentation infernale de la réalité. Son rôle n’est pas excessivement dramatique et Monteverde lui demande de rester dans un territoire d’équilibre. Bien que ce soit un film triste, il semble beaucoup plus optimiste en raison d’une interprétation déterminée de la figure de Cabrini. Parfois, un film est essentiel par ce qu’il représente dans son cadre artistique. Et parfois, c’est simplement à cause de l’histoire qu’elle raconte sur une chaîne correctement conçue par un conteur naturel. Cabrini appartient à ce dernier, et c’est l’un des films de 2024 que vous devriez vous donner l’opportunité de regarder si vous recherchez une expérience édifiante. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Maya (2024) Critique du film | Film-Blogger.com
Dans la conversation très complexe sur l’influence des médias sociaux pendant les phases clés de l’enfance, nous avons appris l’importance d’inclure des sujets extrêmement inconfortables à aborder. Cependant, on a l’impression que ce n’est jamais suffisant. Les enfants sont des proies et les chasseurs ont trouvé des moyens créatifs de contourner les boucliers établis par la société. Tout cela pour dire que nous prenons la confiance pour acquise. La confiance que nous accordons aux enfants pour qu’ils découvrent ce qui ne va pas ou ce qui est pratique. Aussi protecteurs que devraient être les parents, les opinions divergent sur ce qui devrait être fait et dans quelle perspective. Les discussions gênantes devraient-elles être plus explicites pour avoir un impact ? Interdire l’accès semble extrême, mais c’est une mesure extrême qui semble logique dans certains cas, comme celui présenté dans le film. Mayaun long métrage indépendant beaucoup plus pertinent à notre époque actuelle qu’on ne le pense. Mais ne vous méprenez pas. La formule est simple et fait partie intégrante du message. Maya ne tourne pas autour en prétendant être un film, ce n’est pas le cas. Il s’agit d’un récit percutant de milliers d’histoires centrées sur une enfant dont les circonstances la conduisent dans un trou que nous avons traité dans le passé comme une pure catastrophe. Bien sûr, cela devient un peu trop dramatique, mais au fond, il y a une histoire qui mérite d’être observée et analysée plus en profondeur. Ce n’est pas exactement la raison pour laquelle Maya fait ce qu’elle fait, mais pourquoi elle en ressent le besoin. C’est la partie de la conversation que nous devons ajouter, stat. Dans le film, une adolescente du nom de Maya essaie de faire face à une situation à laquelle elle ne devrait pas faire face. Sa mère est toxicomane et est constamment sous la menace de son petit ami violent. Maya est choquée lorsqu’après une attaque brutale, elle le reprend. Elle cherche du réconfort dans le centre de communication qu’est son téléphone portable. Il ne s’écoule pas beaucoup de temps lorsqu’elle rencontre un garçon mignon via Internet. Ray lui offre le monde que sa mère ne peut pas lui offrir, et Maya décide de lui faire confiance. Au début, elle devient la « petite amie en ligne ». Et puis il dit qu’elle pourrait devenir mannequin, se marier avec lui et déménager avec lui quelque part. Maya s’enfuit de chez elle et fait instantanément partie d’un réseau de trafic d’êtres humains. Maya fait du bon travail en décrivant le territoire horrible du trafic sexuel. Mais ce n’est certainement pas l’aspect le plus marquant du film. L’histoire axée sur les personnages montre l’innocence fragile de Maya détruite par un méchant manipulateur et sa mère trouvant du réconfort dans son propre processus de réhabilitation. Lorsque le film est basé sur leur interaction, il devient un reflet stimulant de l’angoisse des adolescents et de la manière dont la dynamique sociale actuelle a une influence sur celle-ci. C’est excitant quand un film comme Maya est de nature beaucoup plus large que ce que nous lui attribuons au début. Et c’est là ce qu’il y a de plus important et de plus efficace dans le film de Verdin. À mi-chemin à travers Maya, il semble que l’histoire soit terminée et que le conflit soit résolu. Mais le traumatisme est toujours bien vivant. Même si elle est blessée, tant physiquement qu’émotionnellement, Maya pense que Ray est la solution à tous ses problèmes. Cette superbe représentation du syndrome de Stockholm mène à un point culminant, mais je préfère m’en tenir au conflit personnel de Maya qui en dit long sur la capacité à s’en sortir à cet âge et sur la façon dont nous tenons parfois pour acquis la confiance sacrée qui se déplace au cours d’une période. une maturité et une croissance. C’est ce que Maya est à propos. Reconnaître et gérer intelligemment la fragilité de cette période de prise de décision qui est cruciale face à des menaces telles que le toilettage, les prédateurs sexuels et autres monstruosités en ligne. Et enfin, les performances de Patricia Vélasquez et Isabelle Féliciana comme la mère et Maya respectivement, ne sont pas seulement bonnes. Ils sont essentiels pour rendre le film crédible et convaincant. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Nathan-isme (2024) Critique du film | Film-Blogger.com
Élan Faimle documentaire féroce Nathanisme commence comme une histoire édifiante sur un artiste, puis cela devient tout autre chose. Il y a un vieil homme appelé Nathan Hilu. Il vit à New York et a plus de 90 ans. L’ancien combattant passe ses journées à dessiner, mais dans ses peintures complexes, il inclut un morceau d’histoire. Une histoire qu’il tire de ses souvenirs de gardien lors du procès de Nuremberg. Il regarda l’horreur en face. L’impact d’un sourire sinistre du Diable, qui attendait la mort. Les histoires de Nathan sont incroyables. Avec beaucoup de détails, il décrit avoir été témoin du baiser de la mort, lorsque Hermann Göring a obtenu une capsule de cyanure de potassium et a pu se suicider avant d’être puni pour ses crimes. Il décrit également ses propres conflits personnels lorsqu’il était sous surveillance suicide. Il était le fils d’immigrés juifs syriens et était conscient des horreurs des camps de concentration. Pourquoi ne voudrait-il pas qu’ils meurent d’une mort horrible ? Il semble qu’Hilu ne puisse répondre qu’à travers ses peintures. Mais il y a un piège, et le documentaire fait un travail fantastique en décrivant une situation absurde, mais jugée nécessaire par certains. Il s’est avéré qu’il était impossible de trouver un moyen de savoir si Nathan disait la vérité. Les documents avaient été détruits et ses témoignages semblaient être la seule chose dont disposaient les producteurs pour confirmer si ce qu’il disait était vrai. Ceci est mieux mis en évidence dans une séquence où Nathan confronte le réalisateur, car il pense que personne ne croit ce qu’il dit. Là encore, Nathan avait besoin d’être entendu. Il faisait partie de ces types qui laissaient des messages, demandaient à être rappelés et ajoutaient un « s’il vous plaît » désespéré avant le bip. Ses peintures sont extrêmement intéressantes en tant que journaux d’horreur et cours d’histoire, mais il en voulait plus. Heureusement, le réalisateur visionnaire derrière le projet de Nathanisme s’en assure. À la fin, nous nous retrouvons avec des questions qui n’appellent aucune réponse et des réponses déchirantes à des questions dont nous ignorions l’existence. Nathan repose désormais en paix et ce long métrage documentaire est peut-être la meilleure représentation de son héritage. Mais c’est aussi un excellent article sur la solitude, la solitude et l’isolement dans lequel certaines personnes sont obligées de vivre. Personne n’a compris être là pendant les procès de Nuremberg comme Nathan l’a fait, et chaque fois qu’il parlait à voix haute, le scepticisme se cachait afin de demander au mauvaises questions. Aussi importante que puisse être l’exactitude historique, l’art ne peut-il pas être interprété comme une version personnelle des faits ? Il ne s’agit pas d’une falsification de l’histoire. Il s’agit de la force d’une déclaration d’un homme qui a décidé de parler du moment où il a vu le côté humain des monstres et s’est exprimé à ce sujet. À une époque où la haine semble être déguisée en intolérance et en justice, un film comme Nathanisme vaut le détour. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.