Jared Goff a lancé cinq interceptions dimanche lors d’une victoire 26-23 contre les Texans de Houston. C’était la troisième fois depuis 1991 qu’un QB était choisi cinq fois et son équipe gagnait quand même. Les autres étaient Tony Romo en 2007 et Matt Ryan en 2012. Goff a terminé 15 sur 30 pour 240 verges et deux passes de touché. Le match de Romo était une victoire du 25 au 24 octobre 2007 contre les Bills de Buffalo. C’était un match bizarre qui a vu les Bills marquer deux fois sur des six et une fois sur un retour de coup d’envoi de 103 verges par Terrence McGee. Les Cowboys sont revenus d’un déficit de 24-13 avec 12 points au dernier quart. Ils ont marqué neuf points dans les 20 dernières secondes avec un panier de Nick Folk – oui, ce Nick Folk – à 53 mètres de la différence. Comment est-ce arrivé ? Selon le DemocratandChronicle : Alors que les Cowboys étaient menés 24-16, Romo a commencé une marche avec 3 min 45 s à jouer sur ses 20, et lors du 12e et dernier jeu, il a frappé Patrick Crayton avec une passe TD de quatre verges à 20 secondes de la fin. Les Bills ont semblé sauver ce qui aurait été une énorme victoire bouleversée lorsque Jabari Greer a dépouillé Terrell Owens dans le coin arrière de la zone des buts pour refuser la conversion de deux points. Cependant, Tony Curtis des Cowboys a récupéré un coup de pied en jeu au Buffalo 47, et Romo – fonctionnant sans temps mort – a effectué deux passes courtes pour déplacer le ballon vers le 35. Folk, une recrue de l’Arizona, a effectué sa première tentative à la 53e minute, mais les Bills ont demandé un temps mort juste avant que le ballon ne soit cassé, le forçant à rejouer. Aucun problème. Il a calmement réussi le deuxième pour garder les Cowboys invaincus à 5-0. Lors du match de cinq interceptions de Ryan, les Falcons ont battu les Cardinals 23-19. Il est devenu le premier QB depuis Bart Starr en 1967 à gagner en lançant cinq choix et aucune passe de touché.
Dans les aventures de jeu les plus folles d’Hollywood
Le faste est peut-être la caractéristique déterminante de Las Vegas, mais les fortunes se gagnent aussi facilement que se perdent sous la canopée incroyablement éclairée de cette ville, et les aventures de jeu des célébrités sont devenues presque autant une partie de la culture populaire que le lieu lui-même. Avec des enjeux élevés, ces histoires mettant en vedette des acteurs de premier plan et des personnalités sportives emblématiques transforment les sommets palpitants des jeux d’argent à enjeux élevés en un statut légendaire, suscitant fascination et avertissements. Ces personnages plus grands que nature sont ces contes qui non seulement glorifient un monde de casino aussi passionnant, mais qui jettent également une ombre sur son côté le plus sombre ; le même charisme qui les attire vers les tables ne les protège pas toujours du chaos. Ces célébrités jouent sur ces chemins fastueux et périlleux, et les marques qu’elles laissent reflètent la complexité de leur personnalité et la façon dont elles jouent. Michael Jordan Michael Jordanpeut-être le plus grand joueur de basket-ball de tous les temps, est célébré pour sa nature compétitive en dehors du terrain, en particulier pour les jeux de hasard à enjeux élevés. Il a été fasciné et critiqué pour sa passion pour des jeux comme le poker et le blackjack – et pour sa propension à placer d’énormes paris sur le golf. L’incident dont on a probablement le plus parlé a eu lieu en 1993, lorsque Jordan a été vu en train de jouer à Atlantic City alors qu’il remportait la finale de la Conférence Est, soulevant la question de savoir si son jeu affectait son gameplay. Cependant, son style de vie aux enjeux élevés a été encore plus mis à rude épreuve la même année lorsqu’il a admis avoir perdu 1,25 million de dollars sur un pari de golf avec l’homme d’affaires Richard Esquinas. Mais Jordan affirme que le fait de jouer n’a jamais interféré avec sa carrière professionnelle et que son esprit de compétition inextinguible le pousse à faire monter les enchères sur le terrain ou en jouant au poker. Charlie Sheen La vie de Charlie Sheen a été une série de gros titres dramatiques à chaque instant, et ses histoires de jeu s’accordent comme prévu. Sheen est célèbre pour son appréciation du blackjack et des paris sportifs, et ses histoires les plus farfelues semblent provenir d’un scénario de film. Il a perdu 200 000 $ lors d’une session de blackjack au Palms Casino Resort de Las Vegas en 2006. Mais ce n’était qu’un prélude à une explosion plus horrible de 165 000 $ aux tables dans cinq ans. Pour Sheen, le jeu était une évasion (et cela pouvait être terrible) lorsqu’il était combiné à ses tristement célèbres combats contre la toxicomanie, un cycle destructeur. Pourtant, il a admis que sa dépendance au jeu n’était rien d’autre qu’un aspect de ses tendances autodestructrices, mais il n’a jamais pu vraiment briser l’attrait du jeu. Le folklore hollywoodien est constitué de ses légendaires parties de poker à enjeux élevés contre des rivaux célèbres tels que Ben Affleck et Tobey Maguire. Allen Iverson Célébrée pour son jeu électrisant sur le terrain, la vie personnelle de la légende du basket-ball Allen Iverson était très différente, ainsi qu’une série de problèmes de jeu et d’alcool qui ont également entraîné sa ruine financière. Bien qu’il ait gagné une fortune de 200 millions de dollars grâce à sa carrière dans la NBA, Iverson a dilapidé sa richesse en menant un style de vie à haut risque, en jouant d’innombrables heures dans les casinos. Son comportement est devenu si grave qu’il en est arrivé au point où il a été banni des établissements de Détroit et d’Atlantic City. John Daly L’histoire de John Daly sur le PGA Tour a été façonnée autant par ses énormes pertes de jeu, dont il admet librement qu’elles s’élèvent à quelque chose de l’ordre de 50 ou 60 millions de dollars sur 15 ans, que par ses exploits hauts en couleur. Le jeu compulsif a épuisé ses finances et a transformé sa carrière de golfeur, autrefois prometteuse, en ruine, le forçant à devoir à nouveau mettre de côté le jeu. Mais finalement, cette dépendance aux machines à sous et au blackjack a plongé Daly dans une tourmente financière. Ben Affleck Nous savons tous que l’amour de Ben Affleck pour le blackjack, gagnant 800 000 $ en une seule nuit en 2001, témoigne de ses compétences et de sa capacité à réfléchir de manière stratégique. Malgré cela, Affleck a été banni du casino de Las Vegas pour avoir utilisé un logiciel plutôt sophistiqué. stratégie de blackjack — le comptage des cartes — qui n’est ni illégal ni illégal. Affleck parle ouvertement de ses combats contre le jeu et la dépendance et est allé en cure de désintoxication plus d’une fois, tout comme une célébrité à succès peut être aussi sujette aux pièges que les moins fortunés. Robert De Niro Le célèbre acteur italo-américain Robert De Niro, célèbre pour avoir joué Asso dans « Casino » de Martin Scorsese, est tellement épris de l’amour cinématographique du jeu qu’il a transposé cette passion dans le monde réel. Inspiré par le film, De Niro entreprend également un effort pour développer un casino de luxe dans le paradis tropical d’Antigua-et-Barbuda. Une partie de cet effort de 250 millions de dollars repose sur un partenariat avec le légendaire homme d’affaires James Packer. De Niro n’a pas hésité à se lancer dans l’industrie du jeu auparavant ; il a déjà investi dans le Nobu Hotel Manila, qui comprend une collection d’hôtels et de casinos de luxe comprenant 380 tables de jeux et 1 700 machines à sous. Matt Damon et Edward Norton Connus pour leurs rôles dans le film « Rounders », Matt Damon et Edward Norton ont mis à profit leur passion pour le poker à l’écran et ont laissé leur marque dans la communauté du poker. Même si ce ne sont pas les seuls acteurs qui ne sont pas là pour l’argent (tous deux
Les Broncos mettent les Saints en déroute dans «Thursday Night Football»
Partagez cet article partager tweeter texte e-mail lien sur Facebook sur Twitter par SMS est LinkedIn par e-mail 18 octobre 2024, 3 h 06 HE
Benjamin Walker et Robert Aramayo : naviguer dans l’héritage de la Terre du Milieu
Quand je me suis assis avec Les anneaux de pouvoir mettant en vedette Benjamin Walker et Robert Aramayo, il était clair que ces deux-là avaient plus qu’un simple lien profond avec leurs personnages emblématiques, Gil-galad et Elrond. Ils comprennent le poids du monde de Tolkien : son savoir tentaculaire, ses relations complexes et la complexité qui accompagne la représentation des légendes en devenir. Et laissez-moi vous dire que nous avons eu une conversation aussi épique que la Terre du Milieu elle-même. Crafting Elrond : rendre hommage à Hugo Weaving Lorsque vous assumez un rôle comme Elrond, vous avez de grandes chaussures à remplir…énorme. Robert Aramayo, qui joue la version plus jeune d’Elrond, a évoqué le défi d’équilibrer la continuité avec le portrait de Hugo Weaving tout en s’appropriant le personnage. « Je l’ai toujours abordé avec légèreté. Ce que nous voyons dans les films de Peter Jackson, c’est qu’Elrond est pleinement réalisé au Troisième Âge, mais nous explorons maintenant son voyage. Il y a tellement d’histoire riche sur laquelle s’inspirer du Deuxième Âge. Aramayo a plongé profondément dans le texte de Tolkien, en lisant le Premier et le Deuxième Âge et en s’inspirant de Le Silmarillion et les annexes de Le Seigneur des Anneaux. Bien qu’Aramayo reconnaisse la responsabilité de maintenir la continuité d’Elrond, il est également ravi de montrer comment le jeune elfe devient la figure légendaire que nous connaissons. Il a partagé, “Il s’agit avant tout de semer les graines de ce qui va arriver : Fondcombe et tout ce que nous savons qu’Elrond deviendra.” La puissance diplomatique de Gil-galad Nous nous sommes ensuite tournés vers Benjamin Walker, qui incarne Gil-galad, le Haut Roi des Elfes. Personnage plus connu pour sa ruse politique que pour son épée, Walker incarne le roi elfe pendant une période de paix relative. Mais ne vous laissez pas tromper par la diplomatie : Gil-galad est prêt pour la guerre et Walker fait allusion au changement à venir dans son caractère. « Nous construisons quelque chose de grand avec Gil-galad. Il commence comme une figure de paix et de diplomatie, mais vous le verrez lentement se transformer en le roi guerrier qu’il est destiné à être. Et lorsque les gants seront enlevés, vous verrez la lueur dans ses yeux qui dit : « Enfin, je peux faire bouger les choses. » Il est clair que Walker aime la dualité de son personnage, un leader qui aspire à l’action, mais qui doit attendre son heure dans les manœuvres politiques. “Gil-galad a eu des siècles pour perfectionner l’art de la patience, mais croyez-moi, il est prêt à se jeter le moment venu.” Mentor & Protégé : La dynamique entre Gil-galad et Elrond La dynamique mentor-étudiant entre Elrond et Gil-galad est l’une des plus nuancées de la série. Lorsque j’ai demandé aux deux acteurs comment ils avaient construit cette relation en coulisses, ils ont souligné à quel point le mentorat était subtil. “Il y a beaucoup de choses que Gil-galad enseigne à Elrond sans le dire directement”, » expliqua Walker. “Il s’agit moins de grands gestes que de ces moments calmes où Elrond apprend par l’exemple.” Aramayo intervint, expliquant comment les leçons de Gil-galad façonnent le futur leadership d’Elrond. «Je pense qu’il y a une complexité dans la façon dont Elrond perçoit Gil-galad. Il lui fait confiance, mais il y a aussi un peu de tension, d’autant plus qu’Elrond commence à remettre en question certaines décisions prises. Le poids de l’héritage Les deux acteurs comprennent la gravité de leur rôle dans cette saga tentaculaire. Walker a souligné que Gil-Galad n’est pas seulement un roi ; il est un symbole de paix sur la Terre du Milieu, mais aussi quelqu’un capable d’exercer un immense pouvoir. Aramayo, quant à lui, incarne un personnage dont nous savons qu’il jouera un rôle central dans les événements futurs, notamment la formation du Conseil d’Elrond. Comme l’a souligné Walker, « Les Anneaux de Pouvoir nous montrent les racines de tant de choses que nous avons vues sur la Terre du Milieu. Il ne s’agit pas seulement d’action ; il s’agit des relations et des décisions qui façonneront tout à venir. Ce spectacle nous permet de voir les bases de conflits épiques comme la Guerre de la Dernière Alliance et l’éventuelle montée de Sauron. Pensées finales Interviewer Benjamin Walker et Robert Aramayo m’a donné une nouvelle perspective sur la façon dont les acteurs assument des rôles emblématiques tout en laissant leur propre marque. Les anneaux de pouvoir. Qu’il s’agisse d’Elrond, jeune mais calculateur d’Aramayo, ou de Gil-galad, royal mais agité de Walker, les deux acteurs façonnent des personnages qui laisseront un impact durable sur l’univers de Tolkien. Si vous êtes fan de Le Seigneur des Anneaux ou Les anneaux de pouvoirvous voudrez garder un œil sur ces deux-là alors qu’ils continuent d’apporter une nouvelle profondeur à ces personnages légendaires.
Ricky He parle de l’évolution de Kenny dans FROM Saison 3
Ricky Il est devenu un incontournable dans DEPUIS comme Kennyle député émotionnellement tourmenté mais fort essayant de garder la ville et lui-même ensemble. Avec DE LA Saison 3 offrant des moments à couper le souffle et des émotions intenses, le voyage de Kenny est l’un des plus fascinants de la série. Nous avons récemment rencontré Ricky He pour approfondir l’évolution de Kenny et sa relation avec Boyd Stevens (joué par Harold Perrineau), ainsi que le poids de la perte de sa mère, Tien Chenet assumer un rôle de leadership. L’évolution de Kenny : de député à leader Dans la saison 1, Kenny était une figure de soutien – le bras droit fiable de Boyd, mais maintenant ? Il intensifie ses efforts. Ricky He a partagé ses réflexions sur la façon dont le personnage de Kenny a évolué : « Kenny se rend compte qu’il ne peut pas gérer le restaurant comme le faisait sa mère. Mais il doit combler ce vide dans la ville, en étant le gardien des gens. La transformation de Kenny en leader a déjà été évoquée dans les saisons précédentes, mais la saison 3 l’élève vers de nouveaux sommets. Ricky a expliqué que même lorsque Kenny a remis son badge lors de la saison 2, il n’a jamais vraiment démissionné. Au lieu de cela, Kenny continue d’assumer davantage de responsabilités, s’assurant que la ville ait ce dont elle a besoin pour survivre. Et qu’en est-il de la relation de Kenny avec Boyd ? Selon Ricky, le lien de Kenny avec Boyd influence sa croissance : « Leur relation a toujours été symbolique. Boyd est toujours une figure paternelle pour Kenny, mais cette saison, Kenny doit grandir et assumer lui-même une plus grande part du fardeau du leadership. Le poids émotionnel du chagrin L’un des arcs les plus déchirants de cette saison est le chagrin de Kenny suite à la perte de sa mère, Tien-Chen. Ricky Il a expliqué comment il s’était préparé à ces scènes chargées d’émotion, expliquant qu’il s’agissait avant tout de rendre la douleur réelle. « Le plus difficile a été de rester honnête. Dans la vraie vie, les gens vivent leur deuil en privé. Kenny fait la même chose : il s’effondre intérieurement, mais publiquement, il affiche un visage courageux. Ricky a parlé de l’importance de montrer Kenny comme quelqu’un qui essaie de tout garder ensemble tout en s’introduisant à l’intérieur. Le parcours émotionnel du personnage résonne chez tous ceux qui ont déjà fait face à une perte profonde. Lorsqu’on lui a demandé comment c’était de filmer ces moments, Ricky a admis : «Je voulais que le combat de Kenny reste privé. En public, il essaie de dire ‘je vais bien’, mais en réalité, il retient un raz-de-marée de chagrin.» Naviguer dans le leadership dans le chaos Alors que Boyd s’éloigne de son rôle habituel, Kenny se retrouve sous les projecteurs en tant que leader, et c’est un lourd fardeau. Interrogé sur les défis auxquels Kenny est confronté pour maintenir l’unité de la ville, Ricky a réfléchi à la façon dont le leadership, en particulier dans un environnement aussi chaotique, oblige Kenny à faire des choix difficiles : « Kenny doit décider : honorera-t-il l’esprit de sa mère et prendra-t-il soin de tout le monde, ou laissera-t-il le chagrin le consumer ? Je pense que Kenny est une bien meilleure personne que moi – parce que, honnêtement, je ne sais pas si je pourrais le faire. La force de Kenny vient de sa capacité à avancer, même lorsque tout autour de lui s’effondre. Mais le portrait de Ricky est clair : Kenny n’est pas invincible et ses luttes internes sont tout aussi intenses que les menaces extérieures qui pèsent sur la ville. Travailler avec Harold Perrineau (Boyd Stevens) Bien sûr, nous ne pouvions pas parler à Ricky sans lui demander ce que cela signifie de travailler aux côtés d’Harold Perrineau, qui donne vie à Boyd Stevens avec tant d’intensité. Ricky a partagé qu’Harold est plus qu’un simple collègue : c’est un mentor et un ami : « Harold est comme un rêve. Nous parlons en dehors du tournage, et c’est tellement fou de penser que ce type, cet acteur incroyable, est désormais l’un de mes amis les plus proches. Il m’a donné tellement de conseils sur la vie et le métier d’acteur, et j’en suis très reconnaissant. Et même si Harold n’a pas dévoilé les mystères les plus profonds de la série (nous nous demandons tous encore pourquoi on l’appelle DEPUIS), il est clair que le lien entre Boyd et Kenny se reflète dans la vraie vie avec la forte amitié de Ricky et Harold. Réflexions finales : le voyage héroïque de Kenny L’histoire de Kenny dans DEPUIS La saison 3 s’annonce comme une saison de résilience et de croissance. Alors que la situation de la ville s’aggrave et que Boyd se retire, Kenny passe sous les projecteurs et assume un rôle de leadership qu’il n’a jamais demandé mais qu’il est déterminé à remplir. La performance de Ricky He est brute et émouvante, faisant de Kenny l’un des personnages les plus remarquables de la série cette saison. « C’est un voyage visant à équilibrer le deuil et la responsabilité. Kenny est plus fort qu’il ne le pense, mais il est humain, et c’est ce qui le rend si accessible », a déclaré Ricky en réfléchissant à l’arc de Kenny. Ricky He continue de livrer une performance puissante et nuancée, donnant de la profondeur à un personnage pris entre le devoir envers sa ville et la douleur de perdre ses proches. Comme DEPUIS se déroule, le voyage de Kenny nous emmènera sans aucun doute dans une aventure folle remplie de chagrin, d’espoir et de choix difficiles.
Préparez-vous pour la guerre de vengeance dans « Yudhra » !
Bollywood ramène le frisson de « Kill » ! Un thriller d’action intense est sorti sur grand écran le 20 septembre 2024. Intitulé « Yudhra », ce thriller d’action menaçant a été écrit par Shridhar Raghavan, produit par Farhan Akhtar et réalisé par Ravi Udyawar. Il présente l’étoile montante de Bollywood, Siddhant Chaturvedi, dans le rôle principal face à Raj Arjun et Raghav Juyal en tant qu’antagonistes. Alors qu’un prisonnier impétueux, Yudhra Rathore (Siddhant Chaturvedi), est libéré, il se voit confier la mission de démanteler un puissant cartel de la drogue dirigé par Firoz (Raj Arjun) et son fils Shafiq (Raghav Juyal). Mais les intentions de Yudhra sont bien plus meurtrières que la simple destruction de la mafia de la drogue. Il cherche à se venger de Firoz pour le meurtre de ses parents ! Yudhra (2024) Bande-annonce officielle : Le Bon : Hattrick n’est pas seulement créé par l’équipe indienne de cricket, mais vous pouvez également le réaliser en travaillant dans le cinéma indien ! Raghav Juyal a prouvé ce point en marquant un triplé de performances stellaires après avoir repris son rôle d’antagoniste dans Yudhra. Action-Explosion ! Avec Siddhant Chaturvedi (à gauche) dans le rôle de Yudhra et Raghav Juyal (à droite) dans le rôle du baron de la drogue Shafiq. Bien que Siddhant Chaturvedi ait le battage médiatique principal dans le film, le public est toujours plus désireux de voir Raghav dans son personnage négatif. Après avoir intimidé le public avec ses terribles rôles de méchants dans Kill et Gyaarah Gyaarah, il a prouvé avec Yudhra qu’il avait une carrière prometteuse dans le cinéma hindi. Raj Arjun incarne le rôle du méchant principal et du père à l’écran de Raghav et sa performance est tout aussi passionnante. En parlant de Siddhant Chaturvedi, il vous laissera ahurissant avec son avatar d’action impressionnant mais controversé qui souffre de problèmes de colère. Vous verrez la rage dans ses yeux alors qu’il est libéré de prison pour traquer un cartel de la drogue. Les effets sonores et la chorégraphie des séquences d’action et de cascades sont de premier ordre. Vous ressentirez les coups de pied et les coups de poing délivrés. Blague à part, vous oublierez de mettre une sucette dans votre bouche la prochaine fois. Je vois pour la première fois l’utilisation de quelque chose de fragile comme des bonbons à la sucette dans des séquences d’action sanglantes et gores. Il faudra le regarder pour le croire ! Présentation de Siddhant Chaturvedi dans et en tant que Yudhra ! Yudhra a obtenu une certification U/A grâce à ses séquences sanglantes. Certaines scènes sont tellement gore qu’elles peuvent vous donner des frissons et vous geler sur vos chaises. Et ces scènes surviennent soudainement dans le scénario ! À l’intérieur de la prison, alors que Siddhant et le personnage principal Yudhra se transforment en férocité, le bain de sang dont vous serez témoin sera insupportable. Vous devrez peut-être le regarder les yeux fermés. Cela rappellera les souvenirs du thriller d’action intense « Kill ». Si vous avez regardé des thrillers d’action de Bollywood comme Race (2008), vous ferez l’expérience du même nombre de rebondissements imprévisibles et ahurissants dans Yudhra. La tromperie, la trahison et la vengeance sont les fondements de cette histoire et même certains flics caractérisent la malhonnêteté. Tout le monde semble suspect ! La personne que vous considérez comme le héros s’avère en réalité le méchant ; tel est le niveau des rebondissements ! Vous devrez regarder le film pour savoir si le personnage Yudhra interprété par Siddhant est un héros ou s’il est en réalité un méchant. Je ne vais pas vous gâcher le plaisir ici. Bref, de l’action brute et du suspense rehaussés d’un frisson glaçant, c’est ça Yudhra ! Faites vibrer le sol avec Raghav Juyal dans le rôle du baron de la drogue Shafiq dans Yudhra ! Non seulement l’action, mais aussi les dialogues puissants et la manière intimidante avec laquelle ils ont été livrés vous feront froid dans le dos. Le dialogue était super fort et semblait réaliste. Cela donnait l’impression d’un véritable film d’action hindi des années 1990. Ce thriller d’action bénéficie d’un casting de soutien exceptionnel avec Malavika Mohanan comme actrice principale face à Siddhant. Ils partagent une excellente alchimie à l’écran. En dehors de cela, Gajraj Rao et Ram Kapoor ont apporté un soutien massif. De plus, les lieux, décors, visuels et effets étaient exceptionnels. Pour être précis, ce thriller d’action violent a offert une expérience cinématographique de haut niveau ! Raghav Juyal dans ses avatars méchants dans Kill (à gauche) et Yudhra (à droite) Yudhra (2024) Bande-annonce officielle 2 : Le mauvais : Présentation de Malavika Mohanan dans le rôle de Nikhat, l’intérêt amoureux de Yudhra Nous attendions de profiter de la confrontation ultime « aurait pu être » entre Siddhant Chaturvedi et Raghav Juyal. Mais cette scène était si courte qu’elle perdait de son impact. Cela m’a complètement déçu même s’il s’agissait d’un film d’action très médiatisé. J’étais triste de voir un scénario aussi passionnant se terminer dans la médiocrité. De plus, trop de morceaux romantiques ont été ajoutés, ce qui a affecté le déroulement de l’action et le frisson. Je pense que cela aurait été une sage décision de la part de l’éditeur s’il avait envisagé de maintenir le flux au lieu de forcer des chansons romantiques inutiles au milieu du scénario. Pistes romantiques “Saathiya” et “Sohni Lagdi” de Yudhra avec Siddhant Chaturvedi et Malavika Mohanan Le verdict : Présentation de Raj Arjun comme le père de Shafiq, le baron de la drogue Firoz Pour certains d’entre vous, regarder un thriller d’action comme Yudhra peut s’avérer répétitif. Si vous êtes un fan de cinéma hindi, vous avez peut-être regardé de nombreux films des années 1990 et du début des années 2000 ayant le même scénario. L’essence de cet incroyable thriller d’action est gâchée simplement à cause de son concept répétitif et de trop de pistes romantiques forcées. Et mes plus sincères remerciements aux réalisateurs de ce film pour avoir gâché la confrontation entre Siddhant et
Les Lions survivent aux Seahawks dans une compétition avec des scores élevés
Jared Goff a lancé 18 passes lors du Monday Night Football contre les Seahawks de Seattle. Le quart-arrière des Lions de Détroit complète chacun d’entre eux dans une victoire de 42-29. Goff a lancé pour 292 verges et deux touchés. Il a également capté une passe de touché d’Amon-Ra St. Brown. Jared Goff réalise un PARFAIT 18/18 pour 292 yards et 2 TD.#SEAvsDET pic.twitter.com/HCzoEiHf5O – NFL (@NFL) 1 octobre 2024 Le 18 pour 18 n’est pas un record de la NFL car il faut 20 tentatives pour se qualifier pour cette marque. Geno Smith, de Seattle, a réalisé un match phénoménal. Il était 38 sur 56 pour 395 verges avec une passe de TD et un choix. Seattle a réalisé 516 verges offensives totales. Détroit a accumulé 389 verges. Chaque équipe a réalisé 11 drives dans le cadre du concours sauvage. Seattle avait battu Detroit six fois de suite avant le match. Les deux équipes sont 3-1. Kenneth Walker III a réalisé 80 verges au sol et trois touchés au sol pour Seattle. Il a ajouté 36 verges sur réception. Pour Detroit, St. Brown a réalisé six attrapés pour 45 verges et une réception de TD en plus du lancer de TD à Goff. Le seul autre match de la NFL à s’être terminé sur un score de 42-29 s’est produit en 2005 lorsque les Bengals de Cincinnati ont battu les Ravens de Baltimore.
Un nouveau chapitre terrifiant arrive dans le commerce de détail numérique
Si vous aviez envie d’un retour palpitant dans les profondeurs sombres et terrifiantes de l’espace, Extraterrestre : Romulus est là pour gratter cette démangeaison et laisser une cicatrice. Le dernier opus du légendaire Étranger la franchise promet de revenir à ses racines, offrant plus de facehuggers, de Chestbursters et d’obscurité provoquant la panique que votre cœur ne peut supporter. Réalisé par Fede Alvarez, l’homme qui sait exploiter vos pires cauchemars, Romulus extraterrestre sera disponible sur les détaillants numériques comme Prime Video et Apple TV le 15 octobre 2024, avec une sortie physique prévue pour le 3 décembre. Un nouveau départ, la même vieille peur Le bébé de Ridley Scott est de retour, mais avec du sang frais, au propre comme au figuré. Extraterrestre : Romulus prend ce que nous avons aimé dans l’original et monte la tension à 11. Le film est déjà Certifié frais sur Rotten Tomatoes et a des critiques utilisant des mots comme « pure terreur » et « absolument à couper le souffle ». Fondamentalement, si vous vous êtes déjà demandé ce que ça fait d’être chassé par un prédateur suprême dans l’espace, celui-ci est pour vous. Qu’est-ce qui est cool Romulus c’est que cela ressemble à un véritable retour à l’énergie claustrophobe et angoissante de l’original de 1979. Fede Alvarez comprend le jeu : des couloirs étroits, un éclairage effrayant et des xénomorphes qui sont plus qu’heureux de gâcher votre pause déjeuner. De plus, le casting regorge d’étoiles montantes comme Cailee Spaeny et David Jonsson, qui contribuent à apporter une nouvelle énergie à cet épisode. Sortie numérique au détail : obtenez-la en premier ! Entourez le 15 octobre sur votre calendrier car c’est à ce moment-là que vous pourrez saisir Extraterrestre : Romulus sur les plateformes numériques comme Prime Video, Apple TV et Fandango at Home. Si vous êtes le genre de personne qui aime la terreur en 4K Ultra HD, vous devrez attendre le 3 décembre pour la sortie physique. Mais croyez-moi, ça vaut la peine d’attendre. Le Blu-ray sera rempli de contenu bonus exclusif, y compris des featurettes qui plongent en profondeur dans la production du film, ainsi que des scènes inédites qui vous feront souhaiter qu’elles soient dans le montage final. Vous pouvez également vous procurer un SteelBook en édition limitée pour un peu plus de flexibilité de collection. C’est comme avoir votre propre coffre-fort personnel de cauchemars. Plus que de la nostalgie Maintenant, ne vous méprenez pas, ce n’est pas seulement un voyage nostalgique. Extraterrestre : Romulus apporte quelque chose de nouveau à la table tout en rendant hommage à l’original. Nous avons de toutes nouvelles créatures tout aussi horribles que les xénomorphes classiques, mais avec de nouvelles rebondissements qui vous laisseront agrippés à vos accoudoirs. Et les personnages ? Disons simplement que les comparaisons entre le personnage de Cailee Spaeny, Rain, et l’emblématique Ripley de Sigourney Weaver sont inévitables et méritées. C’est une décision judicieuse pour la franchise, et qui pourrait bien raviver l’intérêt d’une nouvelle génération de fans qui souhaitent ressentir la peur qui persiste. Étranger comme un incontournable de l’horreur de science-fiction depuis plus de quatre décennies. Je veux dire, l’original Étranger fête cette année son 45ème anniversaire. C’est plus longtemps que la vie de certaines personnes, et pourtant la terreur perdure. Fonctionnalités bonus à ne pas manquer Si vous êtes du genre à aimer découvrir les coulisses de vos films préférés, Romulus avez-vous couvert. Les bonus incluent une plongée profonde dans l’esprit du réalisateur Fede Alvarez et comment il a travaillé avec le parrain de la franchise, Ridley Scott, pour créer ce nouveau chapitre. Et si vous aimez découvrir les effets pratiques, vous allez vous régaler. Les décors et les créatures étaient en grande partie pratiques, ce qui signifie que la terreur semble bien réelle. D’autres extras incluent des scènes alternatives et une conversation spéciale du 45e anniversaire entre Alvarez et Scott. En gros, vous aurez largement de quoi vous mettre à croquer en attendant le prochain film. Pourquoi Extraterrestre : Romulus Importe Nous comprenons : les horreurs spatiales ne manquent pas de nos jours. Mais tous les films d’horreur de science-fiction ne peuvent pas prétendre provenir d’une franchise aussi emblématique que Étranger. Romulus parvient à honorer le passé tout en s’avançant avec audace vers l’avenir. Il ne s’agit pas simplement d’une reprise de vieux tropes, mais d’une vision nouvelle et sanglante de ce que signifie être totalement impuissant dans le vide de l’espace. Alors, que vous soyez un fan de longue date ou un nouveau venu qui veut juste avoir peur en sortant de son siège, Extraterrestre : Romulus est là pour livrer. Croyez-moi, vous en parlerez longtemps après le générique ou lorsque les xénomorphes cesseront de hanter vos rêves.
Une descente viscérale dans la terreur avec des résultats mitigés
Tilman Singer’s Coucou est un film d’horreur visuellement saisissant et thématiquement ambitieux qui tente de tisser la peur psychologique, l’horreur corporelle et le folklore dans un récit captivant. Avec un casting dirigé par l’énigmatique Hunter Schafer, le film s’aventure dans le paysage étrange des Alpes allemandes pour explorer les événements mystérieux et troublants entourant une famille en deuil. Alors que Coucou construit avec succès une atmosphère trempée de tension, son gain ultime laisse certains fils narratifs non résolus, ce qui donne lieu à une expérience à la fois engageante et frustrante. L’un des CoucouLa plus grande force de est son sens de l’atmosphère. Le décor du film est une station balnéaire isolée des Alpes bavaroises, offrant une toile de fond naturelle à des événements troublants. L’isolement des montagnes, combiné à l’architecture froide et imposante de la station, crée un sentiment de claustrophobie qui sert à accroître la tension alors que Gretchen (Hunter Schafer) est de plus en plus perturbée par les événements étranges qui l’entourent. Singer utilise efficacement l’environnement pour évoquer la peur, et la conception sonore du film joue un rôle central dans l’amplification de cette atmosphère. Les cris aigus et les sons réverbérants associés à la femme cagoulée, en particulier, sont véritablement dérangeants, ajoutant une couche d’inconfort qui persiste longtemps après la fin de la scène. Style visuel : Le style visuel du film se démarque également, mêlant beauté naturelle et grotesque. Singer et son directeur de la photographie capturent la majesté des Alpes, juxtaposées à l’atmosphère stérile, presque clinique, de la station. Le résultat est un contraste inquiétant entre le monde extérieur et le chaos intérieur que vit Gretchen. Les effets pratiques et la conception des créatures, en particulier dans les dernières étapes du film, sont terriblement efficaces, mettant en valeur la capacité de Singer à créer des moments d’horreur viscéraux. Performances principales : Le portrait de Gretchen par Hunter Schafer est le noyau émotionnel de Coucou. En tant qu’adolescente confrontée à la mort de sa mère et à la tension au sein de sa nouvelle dynamique familiale, Schafer imprègne le personnage d’un mélange de vulnérabilité et de défi. Sa descente dans la paranoïa et la peur semble authentique, même si l’intrigue du film devient plus farfelue. La performance de Schafer est particulièrement efficace dans les scènes les plus intimes, où le poids émotionnel du traumatisme de Gretchen transparaît de manière subtile mais puissante. Dan Stevens offre une performance mémorable dans le rôle de Herr König, l’énigmatique et sinistre surveillant du projet de station balnéaire. Son portrait équilibre charme et menace, gardant le public au courant de ses véritables intentions. Il y a cependant des moments où le personnage vire à la caricature, notamment dans le troisième acte, où les éléments les plus surréalistes du film occupent le devant de la scène. Stevens fait de son mieux avec le matériel, mais les motivations de König restent troubles, laissant son personnage sous-développé. Casting de soutien : Les acteurs secondaires, dont Jessica Henwick dans le rôle de Beth et Marton Csokas dans le rôle de Luis, font du bon travail, mais leurs personnages sont largement relégués au second plan. Ils existent plus comme des intrigues que comme des individus pleinement réalisés, et bien que Henwick et Csokas apportent de la profondeur à leurs performances, ils ne disposent pas de suffisamment de temps à l’écran pour vraiment briller. Narratif: Le récit de Coucou C’est là que le film commence à faiblir. À la base, le film traite des thèmes du deuil, de la famille et de l’identité, mais ceux-ci sont éclipsés par l’intrigue de plus en plus alambiquée impliquant la femme cagoulée et les expériences bizarres qui se déroulent dans la station. Le mystère de la créature au cœur de l’histoire est intrigant, et les parallèles établis avec la nature parasitaire du coucou ajoutent une couche intéressante à la mythologie du film. Les informations clés sont présentées de manière inégale et décousue, avec des révélations tardives. Alors que Coucou crée efficacement la tension dans sa première moitié, la seconde moitié du film s’enfonce dans un territoire chaotique. L’introduction de boucles temporelles, de slime parasite et d’espèces quasi-humaines semble trop complexe à la fois, laissant peu de place au public pour traiter les rythmes émotionnels fondamentaux du film. La relation de Gretchen avec son père et sa demi-sœur, qui est cruciale pour l’exploration thématique de la famille dans le film, est mise de côté au profit de développements d’intrigue de plus en plus farfelus. Moments d’horreur efficaces : Une chose Coucou fait toujours bien, c’est son horreur. Singer a un sens aigu de la création d’images troublantes, et les moments les plus terrifiants du film sont véritablement effrayants. La femme cagoulée, avec ses cris étranges et sa poursuite incessante de Gretchen, est un antagoniste obsédant, et les éléments d’horreur corporelle impliquant le slime parasite et les créatures quasi-humaines sont horribles dans tous les sens. Cependant, si ces moments d’horreur sont efficaces, ils semblent déconnectés du noyau émotionnel du film. L’horreur dans Coucou est viscéral et souvent dérangeant, mais il ne sert pas toujours le récit plus large. Les tentatives du film pour explorer des thèmes plus profonds, tels que le traumatisme de la perte et la fragilité de l’identité, se perdent dans le spectacle de ses éléments les plus grotesques. En conséquence, alors que Coucou tient sa promesse d’horreur troublante, il a du mal à relier ces moments au voyage émotionnel de son protagoniste de manière satisfaisante. Dans l’ensemble: Tilman Singer’s Coucou est un film plein de potentiel mais finalement freiné par son récit trop ambitieux. Le film excelle dans son atmosphère, sa conception sonore et son horreur visuelle, et la performance de Hunter Schafer ancre les moments les plus surréalistes du film. Cependant, les problèmes de rythme de l’histoire, couplés à un troisième acte confus, empêchent le film d’atteindre tout son potentiel. Les fans d’horreur atmosphérique et d’horreur corporelle trouveront beaucoup à apprécier dans Coucoumais ceux qui recherchent une histoire plus cohérente et plus émouvante pourraient repartir déçus. Agissant – 7/10 Cinématographie/Effets visuels
Vivez un jeu bizarre et démasquez-vous dans « Khel Khel Mein » de Bhushan Kumar !
Préparez-vous à dévoiler de sombres secrets avec le casting comique et inquiétant de Khel Khel Mein ! Le roi des remakes et des flops revient cette fois sur grand écran avec un remake d’une comédie-thriller italienne de 2016 « Perfect Strangers ». La version Bollywood s’intitule « Khel Khel Mein », traduit par « All In Fun And Games », qui met en vedette Akshay Kumar et Fardeen Khan aux côtés d’un casting de stars populaire comprenant Ammy Virk, Taapsee Pannu et Vaani Kapoor. Je l’ai qualifié de « version Bollywood » car cette histoire a été refaite 27 fois plus tôt et détient le titre du Livre Guinness des records pour le plus grand nombre de remakes. Khel Khel Mein est le 28ème remake. Produit par Bhushan Kumar et écrit et réalisé par Mudassar Aziz, cette comédie-thriller est sortie en salles le jour de l’indépendance indienne. Khel Khel Mein (2024) Résumé : Trois couples mariés se sont réunis lors d’une soirée de noces où ils ont décidé de jouer à un jeu amusant. Ils placeraient leur téléphone portable sur une table et quels que soient les messages ou les appels qui leur parviennent, ils devraient partager ouvertement tous les détails de ces messages et appels avec les autres. Ce jeu continuerait jusqu’au matin. Comme vous le savez, à quel point le téléphone portable d’un individu peut être privé pour lui. Ainsi, au fur et à mesure que le jeu avançait, des révélations surprenantes se sont produites et, peu à peu, le jeu amusant s’est avéré révéler les vrais visages des individus qui n’étaient en réalité pas ce qu’ils semblaient être dans leur vraie vie. Cela a créé une série de malentendus entre les couples. Où ce jeu mènera-t-il leur destin ? Regardez cette comédie-thriller pour le savoir ! « Do U Know » : Akshay Kumar et Fardeen Khan font leur retour comique avec Khel Khel Mein ! Le remake de la comédie italienne « Perfect Strangers » : Khel Khel Mein (2024) Bande-annonce officielle : Le Bon : Khel Khel Mein (2024) : avec Akshay Kumar (à droite) et Fardeen Khan (à gauche) Comédie-thriller ; Je peux dire que beaucoup d’entre vous ne connaissent peut-être pas ce genre. C’est un genre unique qui peut divertir à fond en mêlant atmosphère mystérieuse et humour. Une comédie dramatique épurée qui vire au mystère est en effet surprenante et suscite la réflexion. Une telle intrigue est difficile à créer. Mais une fois qu’une telle histoire est créée, peu importe le nombre de remakes que vous en ferez, elle aura toujours l’air fraîche. Au fur et à mesure que le scénario bizarre se déroule, vous serez choqué par certaines révélations incroyables. Et vous serez même horrifié d’apprendre que l’un des joueurs est en réalité un meurtrier tandis qu’un autre est une travailleuse du sexe ! Le morceau romantique “Duur Na Karin” avec Akshay Kumar et Vaani Kapoor dans le rôle de sa femme à l’écran Akshay Kumar avec Vaani Kapoor qui joue sa femme dans Khel Khel Mein C’est donc le cas de Khel Khel Mein. Même si cela avait été refait plusieurs fois et que beaucoup d’entre vous avaient regardé la version hollywoodienne, vous apprécieriez toujours ce drame roman et divertissant. Le voleur de spectacle est l’aura d’Akshay Kumar. Même après avoir enchaîné les flops massifs, le Khiladi conserve son image d’invincible. On le retrouve dans un rôle comique après plusieurs années. Dans Khel Khel Mein, vous auriez l’impression de regarder Akshay Kumar lui-même, et non le personnage de chirurgien plasticien qu’il joue réellement. Tel est son jeu naturel dans le film. En fait, il est l’adhésif qui unit le mystère et la comédie et dépeint une excellente chimie avec sa femme à l’écran Vaani Kapoor. Khel Khel Mein marque le retour de Fardeen Khan à Bollywood. Il était une fois l’un des acteurs les plus beaux et les plus convoités de l’industrie. Il a soudainement disparu en raison d’une prise de poids massive qui l’a rendu complètement méconnaissable. Il s’est éloigné de Bollywood pendant plus d’une décennie et a maintenant fait son retour avec le même esprit et la même forme physique qu’avant. Son esprit sec dans cette comédie-thriller divertissante vous étonnera. La dernière fois que je l’ai vu avec Akshay, c’était dans la comédie romantique Heyy Babyy de 2007. Mais la question est-elle de réussir dans ce secteur compétitif ? Après tout, les choses ont beaucoup changé et la base de fans qu’il avait il y a longtemps a diminué. Nous devons attendre de voir ce que l’industrie lui réserve dans les années à venir. Organisez la fête animée avec « Hauli Hauli » de Khel Khel Mein ! Akshay Kumar avec Aditya Seal (à droite) sur les tournages de Khel Khel Mein Khel Khel Mein est le résultat d’un travail d’équipe massif. Il a un casting de soutien animé et excellent comprenant Ammy Virk, Taapsee Pannu, Aditya Seal et Pragya Jaiswal. En dehors de cela, le film présente des apparitions vocales de célébrités populaires comme Arjun Kapoor, Jimmy Sheirgill, Ananya Panday et Bhumi Pednekar. L’actrice vétéran Chitrangada Singh capture un moment avec son apparition spéciale. Les visuels sont riches et magnifiques avec les décors embellis signifiant une grande fête de mariage indienne. Le tournage a eu lieu dans des lieux fascinants à Londres et à Udaipur. Le montage est soigné avec une durée de 2 heures et 15 minutes. Le film regorge de morceaux punjabi rebondissants, rythmés et agréables. Le morceau « Chal Ve Dilaa » de Khel Khel Mein Le mauvais : Akshay Kumar avec Ammy Virk (à droite) dans une photo de Khel Khel Mein Je ne comprends tout simplement pas pourquoi le public indien a commencé à détester Akshay Kumar. Le héros d’action romantique le plus désirable et le plus beau des années 1990 est désormais traité de « maître des flops » après sa chaîne de douze films flops d’affilée ! Peut-être qu’il sort trop de films par an et que le public s’ennuie de le voir à plusieurs