Étranger dans les bois est un film d’horreur qui tente noblement de se démarquer du genre bondé, réalisé par Adam Newacheck et écrit par Holly Kenney, qui joue également le rôle de la protagoniste troublée du film, Olivia. À une époque où les films d’horreur misent souvent sur le gore excessif et les frayeurs pour enthousiasmer le public, Étranger dans les bois s’efforce d’apporter une approche centrée sur la narration. Bien que le film ait ses moments, un manque d’innovation et un scénario quelque peu prévisible donnent lieu à un sac mitigé. Le bon: La prémisse de Étranger dans les bois se concentre autour d’Olivia, interprétée par Holly Kenney. Olivia, après l’événement traumatisant de presque se noyer dans une baignoire avec un poignet fendu après les funérailles de son fiancé, part en vacances avec ses amis. Les amis d’Olivia, Sam (Brendin Brown), Clayton (Teddy Spencer), Theresa (Paris Nicole) et Liam (Devon Deshaun Stewart), la soupçonnent de tentative de suicide, bien qu’Olivia insiste sur le fait que quelqu’un l’a attaquée. Cela ouvre la voie à un récit qui plonge dans l’horreur psychologique, visant à mélanger le mystère avec les tactiques effrayantes traditionnelles. Le portrait d’Olivia par Holly Kenney est louable. Elle navigue avec finesse dans les émotions complexes des personnages, décrivant de manière convaincante quelqu’un aux prises avec le chagrin et la peur. Les acteurs secondaires, dont Brendin Brown et Teddy Spencer, réalisent des performances respectables, même s’ils tombent parfois dans les pièges des clichés de genre. La dynamique entre amis contribue à certaines des scènes les plus fascinantes du film, donnant un aperçu de la façon dont la tragédie et la paranoïa peuvent mettre à rude épreuve les relations. Le mauvais: Cependant, le film a beaucoup de mal à créer un rythme et un suspense. Le réalisateur, Adam Newacheck, vise à tisser tension et malaise à travers une série de rencontres et de révélations étranges. Pourtant, l’exécution échoue, principalement en raison de la nature prévisible de l’intrigue. Bien que l’idée d’une histoire d’horreur tournant autour de traumatismes psychologiques et de menaces externes potentielles soit intrigante, Stranger in the Woods ne parvient pas à proposer de nouvelles idées ou des rebondissements qui n’ont jamais été vus auparavant dans le genre. La cinématographie, portée par un talent méconnu, oscille entre mise en ambiance efficace et plans de paysages génériques. Cette approche ajoute peu au récit. Il y a des moments où le film capture l’isolement et la vulnérabilité d’être dans un lieu de vacances isolé, jouant sur les éléments d’horreur. Pourtant, ces cas sont trop rares pour entretenir une atmosphère de terreur ou d’anticipation tout au long de la durée du film. De plus, le scénario, écrit par Holly Kenney, souffre d’inégalités. Certains dialogues parviennent à capturer efficacement la crudité des émotions des personnages. Cependant, d’autres semblent guindés, nuisant à l’impact escompté des scènes clés. De plus, le fait que le film s’appuie sur des dialogues explicatifs pour faire avancer le récit plutôt que de montrer le développement des personnages ou la progression de l’intrigue à travers les actions se traduit par une expérience de visionnage quelque peu désengagée. Où Étranger dans les bois Ce qui brille, quoique brièvement, c’est dans ses tentatives d’explorer des thèmes plus profonds. Explorer les problèmes de santé mentale dans un contexte d’horreur aurait pu se faire en affrontant ses démons personnels de manière isolée. Cette opportunité est malheureusement sous-exploitée, éclipsée par l’ambition du film d’adhérer aux éléments d’horreur conventionnels. Le point culminant du film est peut-être la partie la plus révélatrice de sa lutte pour marier originalité et attentes du genre. Sans s’aventurer en territoire spoiler, on peut dire que la résolution semble précipitée et insatisfaisante. Il offre peu de conclusion ou d’aperçu du destin des personnages. Cette conclusion précipitée constitue un microcosme du défi global du film. Équilibrer le désir d’innover dans le genre de l’horreur tout en offrant les sensations fortes et les frissons attendus. Dans l’ensemble: Étranger dans les bois est un film ambitieux d’Adam Newacheck et de l’écrivain-star Holly Kenney. Malgré le principe prometteur et les moments de véritable introspection des personnages, le film échoue. Il n’innove jamais, mais est plutôt la proie de tropes familiers et d’une exécution qui manque de suspense. Les performances, notamment celles de Kenney, sont remarquables, mais elles ne suffisent pas à élever le matériau au-delà de ses limites inhérentes. Les fans d’horreur psychologique pourraient apprécier certains aspects du film, notamment dans son exploration du traumatisme et de la paranoïa. Cependant, pour ceux qui recherchent une expérience d’horreur vraiment innovante ou à couper le souffle, Étranger dans les bois pourrait ne pas répondre à ces attentes. En fin de compte, ce film illustre les défis liés à la création d’une histoire d’horreur captivante qui équilibre la profondeur narrative avec les sensations fortes du genre. Une approche plus ciblée aurait pu transformer Étranger dans les bois dans une entrée remarquable dans le genre. Dans l’état actuel des choses, il s’agit d’un ajout inégal, quoique sérieux, au paysage du film d’horreur. Agissant – 6/10 Cinématographie/Effets visuels – 5/10 Intrigue/Scénario – 5/10 Cadre/Thème – 5/10 Observabilité – 5/10 Re-regardabilité – 4/10
The American Society of Magical Negroes – Les choix de casting expliqués
La comédie satirique « The American Society of Magical Negroes » aborde la réalité complexe de l’expérience des Noirs en Amérique, avec une touche de réalisme magique. Avant la sortie du film le 15 mars 2024, nous avons eu l’occasion de participer à une table ronde avec les acteurs et l’équipe du film. hébergé par l’African American Film Critics Association sur YouTube. Le blog du cinéma : Le film avait déjà un énorme défi en parlant de l’expérience des Noirs en Amérique, à côté de la blancheur. Vous avez choisi de faire, Aren, le personnage principal biracial, ce qui contrastait avec la majorité des autres nègres magiques. Pouvez-vous partager votre processus de réflexion derrière cette décision dans le contexte de la description de l’expérience des Noirs en Amérique ? Kobi Libye: En ce qui concerne le sujet du film, une façon de penser à ce dont parle le film est la fausse promesse d’assimilation. Il y a donc une suggestion dans certaines régions de l’Amérique selon laquelle si nous nous assimilons plus difficilement en tant que personnes noires ou non-noires de couleur, si nous nous conformons simplement aux ordres des officiers, pour ainsi dire, nous serons en sécurité. Je pense que c’est un mensonge vraiment dangereux. Et une partie de la satire souligne que… l’appétence ne vous sauvera pas. Droite. Et pour affiner la critique de cela… en prenant les personnes de couleur les plus agréables… que ces personnes de couleur comme celle-ci n’auront jamais accès à tous les privilèges de la blancheur, malgré leur proximité littérale avec la blancheur. Ce choix de casting était incroyablement délibéré pour souligner la fausseté de cette promesse d’assimilation. En tant que cinéaste noir, nous pensons toujours au colorisme. Nous pensons toujours à notre représentation. Je parle au nom de Justice (Smith) et de moi-même, à savoir que nous sommes incroyablement conscients du coût d’opportunité lié à la présentation de corps qui ressemblent aux nôtres, par opposition à des corps à la peau plus foncée. Il y a une politique (difficile) à cela… Je crois que ces politiques sont vraiment positives pour la communauté noire, car attaquer ce mensonge sur l’assimilation est un travail extrêmement important pour tous les Noirs et aussi pour les personnes de couleur non noires. Je pense qu’il est vraiment important de s’attaquer à cette rhétorique et à cette idéologie. Et pour moi, ce (casting) a aiguisé cette critique. À propos de la Société américaine des nègres magiques : Écrit, réalisé et produit par Kobi Libii (Koe-bee Luh-BEE) aux côtés des producteurs Julia Lebedev, Eddie Vaisman et Angel Lopez, THE AMERICAN SOCIETY OF MAGICAL NEGROES est une comédie fraîche et satirique inspirée du trope cinématographique du « nègre magique » popularisé en Le cinéma et la télévision américains tout au long du XXe siècle ont été nommés et critiqués pour la première fois par le cinéaste Spike Lee. Renversant le trope, THE AMERICAN SOCIETY OF MAGICAL NEGROES suit un jeune homme, Aren, qui est recruté dans une société secrète de Noirs magiques qui consacrent leur vie à une cause de la plus haute importance : rendre les Blancs plus à l’aise. Bien qu’initialement séduit par ses nouveaux pouvoirs, Aren commence à remettre en question l’utilité d’utiliser des moyens surnaturels pour faire exactement ce qu’il s’est senti obligé de faire toute sa vie. Directeur: Kobi LibyeÉcrivains): Kobi LibyeÉtoiles: Le juge Smith, David Alan Grier, An-Li Bogan, Drew Tarver, Michaela Watkins, Rupert Friend, Nicole Byer, Aisha Hinds, Tim BaltzLa Société américaine des nègres magiques arrive en salles le 15 mars 2024. Assurez-vous de suivre les critiques de films d’E-Man sur Facebook, de vous abonner sur YouTube ou de me suivre sur Twitter/IG @EmansReviews pour encore plus d’actualités et de critiques de films !
Avatar : le dernier maître de l’air revient pour les saisons 2 et 3
Vous vous souvenez d’« Avatar : Le dernier maître de l’air », la série épique qui vous tenait collé à l’écran il y a quelques semaines ? Eh bien, préparez-vous à canaliser à nouveau votre Aang intérieur, car la nouvelle vient d’être annoncée selon laquelle le gang revient sur Netflix pour non pas une, mais deux toutes nouvelles saisons ! C’est vrai, je suis aussi excité qu’Appa de découvrir un buffet de bisons célestes à ce sujet. La série originale suivait Aang, le dernier maître de l’air, et son équipage dans leur quête épique pour arrêter la méchante Nation du Feu et rétablir l’équilibre dans le monde. Il était rempli d’action non-stop, de moments hilarants et d’histoires réconfortantes qui en faisaient un véritable joyau, et je n’étais pas le seul à le penser (consultez ma critique ici). Ce que nous savons des nouvelles saisons Bien que les détails sur les nouvelles saisons soient encore secrets, j’ai hâte de voir où ils mèneront l’histoire. Aang maîtrisera-t-il enfin les quatre éléments ? À quels nouveaux défis le gang sera-t-il confronté ? Et mes personnages préférés (qui te regardent, Toph) feront-ils leur retour ? Cette renaissance est une victoire pour de nombreuses raisons. Il ramène un classique légendaire à découvrir par une toute nouvelle génération, prouve que Netflix prend au sérieux la qualité de l’animation et nous rappelle que les histoires épiques ne meurent jamais vraiment. L’Avatar original : le dernier maître de l’air La série originale suivait Aang, le dernier maître de l’air, et son équipage dans leur quête pour vaincre la méchante Nation du Feu et rétablir l’équilibre dans le monde. Il était rempli d’action, d’aventure, d’humour et de cœur, ce qui en faisait un favori du public de tous âges. Bien que les détails sur les nouvelles saisons soient encore secrets, ce sera certainement une suite passionnante de l’histoire. Nous pouvons nous attendre à voir Aang maîtriser les éléments, le gang faire face à de nouveaux défis et peut-être même le retour de visages familiers. Ce renouveau est important pour plusieurs raisons. Premièrement, il ramène un classique bien-aimé pour une toute nouvelle génération de téléspectateurs. Deuxièmement, cela montre que Netflix s’engage à produire du contenu animé de haute qualité. Et enfin, cela prouve que les bonnes histoires ne se démodent jamais vraiment. Source: Le journaliste hollywoodien
5 comparaisons entre les versions livre et film de « Dune 2 » pour les études littéraires
https://unsplash.com/photos/clap-board-roadside-jakob-and-ryan-CiUR8zISX60 En plongeant dans les profondeurs de « Dune 2 », les univers littéraires et cinématographiques se dévoilent dans une complexité et une beauté époustouflantes. Pourtant, à mesure que l’on passe des pages à l’écran, des changements et des adaptations notables deviennent apparents. Voici cinq domaines critiques dans lesquels les versions livre et film de « Dune 2 » divergent, chacune offrant une lentille unique à travers laquelle explorer ce récit aux multiples facettes. 1. Représentations de personnages Le développement des personnages prend différentes formes dans le livre et dans le film. La longueur du roman permet une évolution progressive des personnages, des histoires détaillées et une compréhension plus profonde du paysage psychologique de chaque personnage. L’adaptation cinématographique, tout en offrant des arcs de personnages convaincants, doit souvent condenser ces développements, en s’appuyant sur des moments et des interactions significatifs pour transmettre la croissance et le changement. Cette compression peut conduire à une perception différente des personnages, où le film amplifie parfois certains traits pour établir rapidement des identités et des motivations dans un temps d’écran limité. En tant qu’étudiant, vous souhaiterez peut-être explorer les personnages de Dune dans un essai. Si tel est le cas, vous aurez probablement besoin d’aide pour faire des recherches sur cette vaste série de livres. Contact pour une aide académique professionnelle dans la rédaction d’articles et la recherche. Ils embauchent des écrivains qualifiés qui peuvent améliorer votre jeu de rédaction d’essais. 2. Structure narrative La structure narrative de « Dune 2 » se transforme du livre au film. Dans le monde littéraire, Frank Herbert crée un conte riche en monologues internes et en expositions détaillées, permettant aux lecteurs de se plonger dans les pensées et les motivations complexes des personnages. Le film, contraint par le temps et le support visuel, rationalise ces récits, en se concentrant sur l’action et le dialogue pour faire avancer l’histoire. Ce passage d’un voyage profond et introspectif à un récit plus externe change la façon dont le public interagit avec l’intrigue et les personnages, offrant une expérience plus rapide mais potentiellement moins nuancée. 3. Éléments de construction du monde La construction complexe du monde de « Dune 2 » est une caractéristique du travail d’Herbert, plongeant les lecteurs dans les structures sociopolitiques complexes, les détails environnementaux et les nuances culturelles de l’univers de Dune. L’adaptation cinématographique donne visuellement vie à ce monde, mettant en valeur des paysages, des costumes et des technologies époustouflants qui reflètent les descriptions du livre. Cependant, le film sélectionne et met nécessairement l’accent sur certains aspects par rapport à d’autres, modifiant potentiellement l’importance ou la fonction perçue de certains éléments. Même si le film peut visuellement hypnotiser, il ne capture peut-être pas toute la profondeur de la construction du monde du livre, échangeant une exposition détaillée contre un spectacle visuel. 4. Thèmes et interprétations L’exploration et l’accent mis sur des thèmes tels que le pouvoir, le destin et la nature humaine dans « Dune 2 » varient considérablement entre le livre et le film, chaque médium offrant une approche distincte : Récit nuancé et dialogue. Le livre aborde des thèmes avec une narration détaillée et des dialogues riches, permettant une exploration à plusieurs niveaux de concepts complexes. Exploration aux multiples facettes. Cette approche dans le livre encourage réflexion profondelaissant souvent les lecteurs réfléchir à la présentation nuancée des thèmes. Thèmes rationalisés pour le cinéma. L’adaptation cinématographique vise un attrait plus large, en simplifiant et en se concentrant sur des interprétations plus universellement pertinentes de ces thèmes. Livraison visuelle. Le film véhicule des thèmes à travers une narration visuelle convaincante, utilisant des scènes et des images dramatiques pour impacter le public. Impact du support sur le message. Le contraste dans le traitement thématique entre le livre et le film met en évidence la façon dont le choix du médium influence la profondeur et la complexité de l’exploration thématique. Cette analyse comparative révèle comment les différentes présentations du livre et du film invitent les fans à réfléchir sur le rôle du média dans la formation des messages thématiques, en soulignant les compromis entre complexité et accessibilité. 5. Expérience du public En fin de compte, la transition du livre au film modifie l’expérience du public de « Dune 2 ». La lecture du livre est un processus solitaire et imaginatif dans lequel les individus construisent l’univers dans leur esprit, guidés par la prose descriptive d’Herbert. Regarder le film est une expérience sensorielle collective où les éléments visuels et auditifs créés par les cinéastes façonnent la perception de l’histoire. Cette différence fondamentale de consommation affecte la manière dont le public se connecte à l’histoire, le livre proposant un voyage profondément personnel dans l’univers de Dune et le film proposant une exploration partagée et visuelle de ses thèmes et de ses récits. Résumé En comparant les versions livre et film de « Dune 2 », il est clair que chaque média apporte ses atouts pour raconter cette histoire épique. Alors que le livre permet une plongée plus profonde dans le fonctionnement interne de l’univers de Dune, le film adapte l’histoire pour une expérience visuelle et communautaire pour le public. Ensemble, ils offrent des perspectives complémentaires sur un récit complexe, enrichissant notre compréhension et notre appréciation du travail visionnaire d’Herbert. Auteur : Sam Stahl Sam Stahl est un rédacteur d’articles chevronné et un professeur de littérature respecté, connu pour ses analyses perspicaces et sa passion pour la narration. Fort de plusieurs décennies d’expérience dans le monde universitaire et dans l’édition en ligne, il rend des concepts littéraires complexes accessibles à un large public. Le travail de Sam comble le fossé entre la recherche scientifique et la lecture quotidienne, enrichissant le paysage littéraire de ses contributions.
Disney affine son focus : Bob Iger parle de stratégie
The Walt Disney Company, nom synonyme d’émerveillement infantile et d’histoires intemporelles, est en constante évolution. Récemment, Bob Iger, PDG de The Walt Disney Company, a participé à une conférence au cours de laquelle il a discuté de la stratégie actuelle de l’entreprise, en mettant l’accent sur la rationalisation des opérations, la création de contenu et l’adaptation à un paysage de divertissement en évolution. Focus sur la qualité : Iger a reconnu la nécessité d’une prise de décision stratégique dans une industrie du divertissement dynamique. Il a souligné une évolution vers la priorité à un contenu de haute qualité qui trouve un écho auprès du public. Cela peut impliquer de réévaluer les projets et de s’assurer qu’ils correspondent à la vision de l’entreprise avant de leur donner le feu vert. “Vous devez tuer des choses auxquelles vous ne croyez plus, et ce n’est pas facile dans ce métier, car soit vous avez démarré, soit vous avez des coûts irrécupérables, soit c’est une relation soit avec vos employés, soit avec la communauté créative”, Iger dit. « Ce n’est pas une chose facile, mais il faut prendre des décisions difficiles. Nous avons en fait pris ces décisions difficiles. Nous n’en avons pas parlé publiquement, mais nous avons déjà abandonné quelques projets que nous ne pensions tout simplement pas assez solides. Bob Iger a souligné l’engagement de Disney à créer des contenus exceptionnels, notamment pour son service de streaming en plein essor, Disney+. Cette plate-forme a été une réussite majeure et la création de contenu pour celle-ci restera probablement un objectif clé à l’avenir. S’adapter au paysage changeant des super-héros Bob a repoussé l’idée de lassitude des super-héros ou des franchises, affirmant que ce n’était «pas un accident» si les 33 premiers films de Marvel avaient généré un peu moins de 30 milliards de dollars au box-office. «Beaucoup de gens pensent que c’est à cause de la fatigue du public, mais pas de la fatigue du public. Ils veulent de grands films. Et si vous le construisez bien, ils viendront et il existe d’innombrables exemples de cela. Certains sont les nôtres et d’autres appartiennent à d’autres. Oppenheimer en est un parfait exemple. Juste un film fantastique », a déclaré Iger. « La concentration est vraiment importante. Nous avons réduit la production de Marvel, à la fois le nombre de films qu’ils réalisent et le nombre d’émissions de télévision, et cela devient vraiment critique, mais je me sens bien dans l’équipe. Je me sens bien dans la propriété intellectuelle que nous créons. J’ai parlé de beaucoup de projets. En réalité, nous regardons des années à l’avance. Et c’est itératif. “Non seulement vous regardez les films que vous faites, vous regardez chaque étape de ce processus, qui sont les réalisateurs, qui sont choisis, qui lisent les scripts. Personnellement, je regarde des films trois à cinq fois avec l’équipe et je crée simplement. une culture d’excellence et de respect, ce qui est vraiment important pour la communauté créative », a-t-il ajouté. “Et encore une fois, le bilan parle de lui-même.” Naviguer dans un secteur du divertissement en constante évolution nécessite de la flexibilité. Iger a reconnu ce défi, soulignant l’importance d’adopter les nouvelles technologies et les préférences du public. Cette adaptabilité garantit que Disney reste pertinent et continue d’offrir des expériences captivantes aux générations futures. Qu’est-ce que cela signifie pour vous En tant que passionné de Disney, vous pouvez vous attendre à un contenu soigneusement sélectionné et de haute qualité. Disney donne la priorité à la qualité plutôt qu’à la quantité, s’assurant que les expériences qu’ils proposent sont vraiment magiques et continuent de captiver le cœur et l’imagination du public du monde entier. Essentiellement, Disney procède à des ajustements stratégiques pour consolider sa position de leader dans l’industrie du divertissement. En rationalisant les opérations, en se concentrant sur la création de contenu de qualité et en acceptant le changement, Bob Iger ouvre la voie à un avenir rempli d’expériences innovantes et captivantes. Source : Le journaliste hollywoodien
Fais-moi une pizza (2024) Critique du court métrage
Vous n’avez jamais vu quelque chose comme Fais-moi une pizza. Talia Shea LevinLe court métrage de est une approche absurde et torride du porno et des tropes pornographiques qui utilise la pizza et ses ingrédients comme toile de fond d’une histoire simple qui n’est possible et probable que dans les films pour adultes d’une époque où certains d’entre eux avaient quelque chose qui ressemblait à une intrigue. C’est assez drôle pour égayer votre journée, et cela vous fera probablement rire plusieurs fois. Mais ce qui suit n’est qu’un coup de fouet d’un développement, le tout se déroulant dans un pays imaginaire de fromage, de graisse et de garnitures. Oui, vous n’avez jamais vu quelque chose comme ça, et vous ne le ferez probablement jamais. Dans le film, tourné en vidéo analogique et avec un beau rapport hauteur/largeur qui séduira les fans de films nostalgiques, un livreur arrive devant la porte d’une femme. Elle fait suffisamment d’avancées pour faire savoir au public qu’il est coincé dans un film porno des années 70. Il ne voit toujours pas qu’elle n’a pas l’intention de payer avec de l’argent. Quand il le fera enfin, Fais-moi une pizza confirme de quel genre de film il s’agit. Ils utilisent des tranches de pizza là où devraient se trouver les organes génitaux. Ils nagent dans le fromage et la graisse, et leurs corps ne font plus qu’un avec la pizza, jusqu’à ce que leurs corps se collent les uns aux autres dans une orgie de fromage et de chair qui vous fait croire que vous êtes pris au piège dans un cauchemar. Tout cela est magnifiquement filmé par un réalisateur suffisamment confiant pour réaliser un tel film. Heureusement, la véritable histoire à digérer est assez claire. Ce film érotique est tordu et violent et ne devrait pas donner envie de manger, mais bizarrement, il risque de vous pousser à décrocher le téléphone et à commander une pizza tout de suite. Est-ce acceptable ? Apparemment, dans Talia Shea LevinDans le monde d’aujourd’hui, une telle distinction est ennuyeuse et inutile. Fais-moi une pizza oblige les téléspectateurs à abandonner les normes, la décence et les récits traditionnels. Il vous invite dans un décor onirique (ou cauchemardesque, selon vos goûts et si la pizza vous donne la nausée) et pose une question bizarre : la pizza est-elle suffisante ? La préparation d’une assiette aussi fine est-elle suffisante pour satisfaire les besoins capitalistes et, pourquoi pas, le besoin primordial de toucher de la chair ? En fin de compte, vous obtiendrez votre réponse, et j’espère qu’à ce moment-là, vous serez suffisamment détendu pour vous reposer entre les mains d’un cinéaste et d’une équipe qui ont décidé que cela suffisait et ont opté pour une tournure extrême sur tout ce qui rend le sexe au cinéma excitant. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
Can (2024) Critique du court métrage
Cela peut paraître cliché, mais il n’y a qu’une seule chose sur laquelle je remettrais en question Kailee McGeec’est Peut, et c’est le fait qu’il est trop court. En même temps, parler de « clichés » tout en discutant du film étrangement original de McGee est presque offensant, étant donné qu’il n’y a rien de typique dans le film et ce que McGee vise. Célébrer l’art est une chose, mais McGee va plus loin dans son utilisation du médium et elle considère le cinéma comme un canal incontournable par lequel elle peut exprimer la partie la plus importante de sa vie. Celui dans lequel cela pourrait se terminer. Il est impossible de ne pas se demander quelle partie de Peut est vrai et ce qui a été manipulé, surtout lorsque les événements représentés à l’écran sont sans aucun doute réels. Cependant, lorsque l’on comprend le but ultime de cette œuvre artistique, ces questions deviennent secondaires. Nous avons été témoins de la manière réactionnaire et méticuleuse de McGee de faire savoir au monde que brouiller les lignes est intéressant et inévitable. Kailee McGee a reçu un diagnostic de cancer du sein de stade IV. La cinéaste a ensuite fait de son mieux pour aborder la maladie du point de vue de la tradition, des mantras qui changent sa vie et du remodelage de ses pensées. Et même si cela a pu fonctionner en partie, il y avait quelque chose qui se préparait dans son esprit créatif. Quelle meilleure façon de traiter l’impensable que de riposter avec une approche sincère de l’humour et du drame ? Peut est le résultat d’une telle analyse, qui n’aurait pas dû être facile pour McGee alors qu’elle traversait le douloureux processus de riposte. Peut est un merveilleux court métrage de McGee dans lequel elle joue elle-même, passant en revue les tropes courants du diagnostic et les mesures suivantes auxquelles le monde la soumet. Son partenaire la soutient, mais il la traite avec un mépris involontaire et ne la « touche » pas. Elle se laisse convaincre de participer à des séances photo, et elle le fait avec un sarcasme joyeux. Son travail de réalisatrice est solide, mais elle ne voit pas le monde de la même manière qu’avant. Kailee parle et se pose trop de questions, et elle n’obtient pas beaucoup de réponses. Le voyage semble aller partout sauf pour elle. Beaucoup critiqueraient l’artiste pour ce qu’elle fait. Surtout à l’ère actuelle d’indignation sélective, de tolérance déguisée en intolérance et de canalisation via les médias sociaux. Néanmoins, qualifier son effort de courageux, c’est simplement rester bref. McGee n’a d’autre intention que de trouver un sens au processus dangereux consistant à se moquer d’elle-même et de la façon dont le monde l’a vue après son diagnostic. Cela aurait-il dû être différent ? Bien sûr. Mais dans la société plastique d’aujourd’hui, la prévisibilité des actes de gentillesse ressemble à une évasion vide de sens. Vous n’avez jamais vu une approche aussi intime de quelque chose d’aussi intime que le cancer, comme le montre le regard d’un cinéaste qui a trouvé un moyen de faire face à l’impensable. McGee, actuellement en rémission, a réussi à célébrer non seulement la vie, mais aussi sa deuxième chance. Peut est un voyage émotionnel et réconfortant qui vous fera rire et pleurer, à la fois à voix haute et de manière absurde, qui s’accorde avec la capacité révolutionnaire d’une cinéaste à trouver son moi intérieur en réalisant un beau film. Critique de cinéma. Amoureux de tout ce qui touche à l’horreur. Membre de l’OFCS. Critique approuvé par RT.
House of the Dragon : Épisode 4 – Récapitulatif et critique
Bienvenue, amis passionnés de Targaryen, dans le feu et la fureur d’une nouvelle ère à Westeros ! House of the Dragon a été créé, nous ramenant 200 ans en arrière avant les événements de Game of Thrones pour explorer l’ascension et la chute de la maison Targaryen. L’épisode 4 de House of the Dragon, intitulé « Roi de la mer étroite », nous emmène dans un voyage rempli de manœuvres politiques, de désirs frustrés et d’une démonstration enflammée du pouvoir targaryen. L’épisode explore les conséquences des actions audacieuses du prince Daemon Targaryen (Matt Smith) dans les Stepstones. Revue vidéo de l’épisode 4 de House of the Dragon : Un royaume divisé De retour à King’s Landing, la nouvelle de la victoire de Daemon sur le Crabfeeder suscite des réactions mitigées. Tandis que certains célèbrent son triomphe, d’autres s’interrogent sur ses motivations et craignent sa popularité grandissante. Le roi Viserys Targaryen (Paddy Considine) est aux prises avec les conséquences de la guerre non autorisée de Daemon, face à la pression de sa main, Otto Hightower (Rhys Ifans), pour réprimander son frère. Le sort d’une princesse Pendant ce temps, la princesse Rhaenyra Targaryen (Milly Alcock) est de plus en plus frustrée par les limitations qui lui sont imposées simplement parce qu’elle est une femme. Contrainte d’endurer une fastidieuse tournée du royaume à la recherche d’un mari convenable, Rhaenyra se rebelle contre les attentes qui lui sont imposées. L’épisode approfondit son désir de prouver sa valeur et son désir d’une vie au-delà des limites de la tradition. Une réunion de famille Le retour de Daemon à King’s Landing marque un tournant dans l’épisode. Il cherche le pardon de son frère, le roi, et une réconciliation au sein de la famille Targaryen. Cependant, les tensions restent vives alors que Daemon affronte Otto Hightower et défie l’autorité de Viserys. L’épisode dépeint magistralement la dynamique complexe entre ces personnages, alimentée par l’ambition, le ressentiment et un désir de respect. Une couronne forgée dans le feu Le point culminant de « King of the Narrow Sea » offre un spectacle puissant et inattendu. Après un échange houleux avec Viserys, Daemon renonce à ses prétentions au trône de fer et aux Stepstones. Dans un geste symbolique, il retire sa couronne de fortune et la présente à Viserys, le reconnaissant comme le véritable roi. Cet acte d’humilité et de loyauté offre un aperçu de la complexité du personnage de Daemon et de sa relation conflictuelle avec son frère. Une nouvelle aube Une fois le conflit des Stepstones résolu, une paix fragile s’installe sur le royaume. Cependant, les derniers instants de l’épisode font allusion à des temps plus sombres à venir. Des murmures de mécontentement et des menaces potentielles contre la dynastie Targaryen commencent à faire surface. L’épisode se termine sur un sentiment de malaise, laissant les téléspectateurs impatients de voir comment ces développements se dérouleront dans les prochains épisodes. Tirez dans les commentaires ! Qu’avez-vous pensé du quatrième épisode de House of the Dragon ? Avez-vous apprécié la dynamique entre Daemon et Viserys ? Partagez vos réflexions sur l’épisode, les personnages et ma critique vidéo dans les commentaires ci-dessous ! Gardons le feu de la conversation allumé tout en approfondissant le monde de House of the Dragon. Showrunner : Ryan Condal, Miguel SapochnikÉtoiles: Paddy Considine, Matt Smith, Olivia Cooke, Emma D’Arcy et Milly AlcockMaison du Dragon Saison 1 peut être diffusé sur HBO Max. Assurez-vous de suivre les critiques de films d’E-Man sur Facebook, de vous abonner sur YouTube ou de me suivre sur Twitter/IG @EmansReviews pour encore plus d’actualités et de critiques de films ! House of the Dragon : Récapitulatif et critique de l’épisode 4 de la saison 1 Agissant – 7/10 Cinématographie/Effets visuels – 7/10 Intrigue/Scénario – 7/10 Cadre/Thème – 8/10 Observabilité – 8/10 Re-regardabilité – 8/10
Superman débarque dans l’Ohio, apportant des emplois et de superbes économies !
Appel à tous les Ohioiens ! Gardez vos lunettes, car le Homme d’acier est sur le point d’atterrir dans votre état ! C’est vrai, le prochain “Superman Héritage” film s’installe à Ohioet cela apporte de nombreux avantages de la taille d’un super-héros. Alors, quel est le problème ? Eh bien, pour commencer, tourner un film comme « Superman Legacy » est une opération de plusieurs millions de dollars. Cela signifie entreprises locales On peut s’attendre à un élan économique majeur, des restaurants et hôtels aux magasins de costumes et entreprises de construction. Mais ce n’est pas tout! La production cherche également à embaucher plus de 3 000 travailleurs locaux pour divers postes. Que vous soyez un cinéphile rêvant d’être sur le plateau ou simplement quelqu’un à la recherche d’un bon travail, cela pourrait être votre chance de faire partie de quelque chose de super. Comment pouvez-vous vous impliquer? Gardez un œil sur les offres d’emploi et les annonces de la société de production. Ils rechercheront des personnes possédant toutes sortes de compétences, de cinéastes expérimentés à personnel de restauration et personnel de sécurité. Même si vous ne décrochez pas d’emploi, il existe toujours des moyens de participer à cette excitation. La production pourrait avoir besoin Suppléments pour remplir des scènes de foule, ou vous pouvez simplement visiter les lieux de tournage pour avoir un aperçu de l’action (ne vous gênez pas, s’il vous plaît !). C’est un gros problème pour l’Ohio, les amis. Non seulement cela apporte bénéfices économiques et opportunités d’emploimais cela place également l’État sur la carte en tant que lieu de tournage. Qui sait, ce n’est peut-être que le début d’un boom du cinéma de super-héros dans l’Ohio ! Alors, garde les yeux ouverts, Ohio. Superman sauve peut-être le monde à l’écran, mais il en apporte aussi des avantages de la taille d’un super-héros à votre état dans le monde réel. Voilà quelque chose à célébrer ! Source: NBC4i
House of the Dragon : Fire and Blood Reignite dans la saison 2 en juin !
Souvenez-vous des luttes de pouvoir épiques, des batailles torrides de dragons et de toute la question « qui obtiendra le trône de fer ? drame de Maison du Dragon Saison 1? Et bien préparez-vous à replonger dans le monde enflammé de Westeros, car la saison 2 débarque plus tôt que vous ne le pensez ! Marquez vos calendriers, car la saison 2 de House of the Dragon sera première sur HBO en juin. C’est vrai, les amis, l’attente est presque terminée et nous sommes sur le point de voir la guerre civile des Targaryen s’intensifier véritablement. Alors, que pouvons-nous attendre de la saison 2 de House Of The Dragon ? Attachez votre ceinture, car les choses sont sur le point de devenir intenses. Nous verrons la Danse des Dragons occuper le devant de la scène, avec Rhaenyra Targaryen et Aegon II engagés dans un combat brutal pour le trône de fer. Préparez-vous à ce que des alliances soient forgées et brisées, que les dragons fassent pleuvoir le feu et la fureur sur leurs ennemis, et à suffisamment de coups de poignard et de trahison pour vous faire tourner la tête. Mais il n’y a pas que guerre et effusion de sang. Nous verrons également l’émergence de nouveaux personnages et l’exploration plus approfondie de ceux existants. Nous approfondirons leurs motivations, leurs relations et la façon dont ils naviguent dans le monde perfide de Westeros. La saison 2 vaut-elle le battage médiatique ? Si vous avez apprécié la première saison, alors absolument. House of the Dragon a capturé l’essence de Game of Thrones avec ses personnages complexes, son drame à enjeux élevés et ses visuels époustouflants. La saison 2 promet d’en offrir encore plus, avec en prime des batailles de dragons épiques qui vous laisseront sans voix (ou peut-être des applaudissements, selon qui est votre dragon préféré). Donc, que vous soyez un fan inconditionnel de Game of Thrones ou que vous appréciiez simplement une bonne dose de fantaisie médiévale avec une touche moderne, la saison 2 de House of the Dragon vaut vraiment le détour. N’oubliez pas qu’à Westeros, l’hiver approche peut-être, mais les dragons sont toujours prêts à cracher du feu. Source: Variété