★★★★ Chaleureusement accueilli par les enfants et les critiques, Moana s’est avéré l’antidote parfait contre Congelé fièvre en 2016. La longue ombre glacée était forte mais le soleil de Musker et Clements s’embrassait, l’aventure océanique a fourni à la fois un bref dégel et l’occasion pour les parents de enfin… lâcher prise. Vous êtes les bienvenus. Cependant, des retours décents au box-office n’ont pas immédiatement lancé le train de la suite. Malgré toutes les prouesses de Disney en matière de monétisation de la propriété intellectuelle, les suivis ont rarement été le mode opératoire du studio d’animation. Seulement trois en cent ans. C’est la course au contenu en streaming qui a commandé Moana 2mais initialement sous la forme d’une série limitée longue durée. Apparemment, la qualité seule a inspiré la mise à niveau cinématographique, même si l’on soupçonne qu’une année 2023 financièrement décevante a joué un rôle. Celui-ci, au moins, va être énorme. Dans l’ensemble, vous ne remarquerez pas la différence. Chaque fois qu’elle s’est produite, la transition s’est déroulée presque sans couture et avec un grand succès. Moana 2 est une autre grande comédie musicale Disney pour la collection brillante, offrant des visuels éblouissants, une partition gagnante et un arc sincère. De plus, il y a ici un vrai sentiment de maturité développée. De la même manière que DreamWorks a vieilli Hiccup et compagnie à chaque nouvelle entrée dans le Comment dresser votre dragon série, Moana 2 trouve son héros et sa famille, trois ans d’avance et avec un œil sur un horizon de plus en plus proche. L’intention évidente de continuer au-delà de la suite est curieuse. Il sera certainement intéressant de voir jusqu’où ils iront. Le passage du temps va bien sûr dans les deux sens ici. Un scénario de Jared Bush et Dana Ledoux Miller, le premier créateur Pasifikan de Disney, s’appuie plus intensément sur l’héritage de leur héros, permettant une relation plus ouverte avec le contexte polynésien dans lequel le film existe. Il s’agit d’une histoire ancrée dans des attentes ancestrales et d’une bande-son d’orientation bien plus océanique qu’auparavant. C’est audacieux et beau à cette fin, avec du temps et de l’attention consacrés à un monde qui est réalisé à la fois dans une vaste étendue et dans des détails microcosmiques – chaque grain de sable est rendu. Bush et Ledoux Miller peignent une toile plus profonde qu’auparavant, plus riche en communiquant l’expérience de Motunui et la vie de ses insulaires. Il y a cependant des inconvénients à cela, le film risquant parfois de disperser son attention en raison d’un élargissement de la rôtissoire de son personnage. Lorsque Moana (Auliʻi Cravalho) s’embarque cette fois – appelée par ses ancêtres pour briser la malédiction de Nalo (Tofiga Fepulea’i) et ainsi réunir les peuples d’Océana – elle le fait avec un équipage de trois personnes, sans oublier son coq et cochon. Une large caractérisation des esquisses fait bien pour attirer l’ensemble à un rythme soutenu, mais chacun a du mal à faire face à un nombre croissant d’ajouts. Maui (Dwayne Johnson) ne rejoint l’équipe qu’à mi-chemin, tandis qu’Awhimai Fraser exprime un autre demi-dieu avec un grand potentiel mais une exécution confuse. Son gros chiffre est un zinger mais ne correspond pas tout à fait. Peut-être a-t-on accordé plus de temps à sa diversion sous forme longue ? C’est l’une des rares victimes notables de la condensation. Cela et une certaine certitude du complot. Il n’en va pas de même en ce qui concerne la portée et la vision du film. Ceux-ci impressionnent sur grand écran et auraient surpris sur le petit. Les panoramas sont larges, chaleureux et riches en couleurs, ondulant sur un monde trop désireux de notre visite. Même si le parcours principal est globalement le même qu’auparavant, le changement dynamique d’une expérience d’équipe apporte de nouveaux angles d’approche et de développement individuel. La croissance de Moana en tant que personnage brille ici, mêlée aux insécurités qui renforcent sa relativité fondamentale. C’est une héroïne d’action, bien sûr, mais un peu loufoque. N’oublions pas que ses meilleurs amis sont un cochon mignon mais malheureux et un coq à l’esprit stupide. Pour ce que ça vaut, Heihei est encore plus émeute cette fois-ci. Comme auparavant, les enjeux sont plus importants sur le plan émotionnel que sur le plan émotionnel. Il s’agit d’un message d’une simplicité trompeuse, bien rédigé, qui met en avant les valeurs du travail d’équipe et du travail acharné. Livrés avec un tel flair visuel, ces thèmes scintillent avec la mer. C’est un monde magnifique plein d’histoires à raconter et enrichi par les histoires déjà racontées. TS
Quels films de braquage de casino sont les plus réalistes ?
Les films de braquage de casino, avec leur tension, leur action et leurs intrigues complexes, ont toujours captivé les téléspectateurs. Ces films plongent dans la psychologie du risque, explorant l’attrait des jeux d’argent à enjeux élevés et le frisson du jeu. activités criminelles. Des projets méticuleusement conçus aux récits d’avarice et de ruine, ils décrivent de manière vivante l’excitation et les périls associés à la prise de risque. Plongeons-nous dans ces célèbres films de braquage de casino et dans les informations fascinantes qu’ils fournissent sur le comportement humain. Les films de braquage représentent la quintessence du plaisir coupable, y compris un royaume rusé de tromperie et d’esprit, avec le public participant en tant que complice. Alors, aujourd’hui, vous serez notre complice pendant que nous passons en revue une compilation des films de braquage de casino les plus authentiques jamais produits. Casino : le ventre du jeu Année de sortie : 1995 Le Casino de Martin Scorsese présente une perspective plus sombre de l’industrie du jeu vidéo. Le récit se concentre sur Sam « Ace » Rothstein, un opérateur de jeu avec un engagement obsessionnel envers les cotes et le contrôle. Il examine les éléments de dépendance, de contrôle et les implications éthiques de l’excès. La quête de pouvoir, de richesse et de domination de Rothstein culmine finalement dans la trahison et l’auto-sabotage, mettant en évidence le péril d’une avarice effrénée. Éléments réalistes Ce film dépeint la fascination et la captivité qui s’ensuit de la dépendance au jeu. Le casino illustre comment, pour de nombreux individus, l’excitation du risque se transforme en une addiction incontrôlée, entraînant des comportements imprudents et des répercussions personnelles importantes. Casino examine les facettes néfastes du risque, fonctionnant comme un récit exemplaire concernant les conséquences importantes de la dépendance au jeu et la nécessité de reconnaître quand se désengager. Ocean’s Eleven (2001) : La stratégie du risque délibéré Année de sortie : 2001 Ocean’s Eleven de Steven Soderbergh est un film de braquage classique qui suit Danny Ocean et son équipe triée sur le volet alors qu’ils entreprennent de cambrioler simultanément trois casinos importants de Las Vegas. Chaque membre de l’équipe apporte une compétence unique, soulignant l’importance d’une planification méticuleuse, de la collaboration et de la précision. Le frisson du film réside dans la complexité de leur crime, mais le gang est toujours conscient des enjeux élevés et du risque constant d’échec. Éléments réalistes Le film met l’accent sur le risque stratégique : chaque action est évaluée pour maximiser le succès et minimiser l’échec potentiel. Cela attire les individus qui apprécient les paris stratégiques dans ces derniers casinosmettant en avant une évaluation méticuleuse et des paris réglementés. Néanmoins, malgré une planification méticuleuse, Ocean’s Eleven illustre que toutes les variables ne peuvent pas être gérées et que le risque entraîne invariablement un coût. Logan chanceux Année de sortie : 2017 Ce film est une interprétation contemporaine du récit de Robin des Bois. Il se situe dans un contexte politique important, mais il reste silencieux sur les questions politiques et sa conscience de classe est intangible. Le récit s’écarte de l’opulence de Las Vegas, combinant des éléments de farce et d’expertise. On pourrait suggérer qu’il se conforme au modèle « Océans » tout en rajeunissant simultanément l’esthétique hors-la-loi. Éléments réalistes Logan Lucky harmonise habilement la vérité avec la fiction tout en explorant habilement les problèmes communément liés aux braquages de casino. Il offre une nouvelle perspective sur le genre du braquage et reflète des préoccupations primordiales concernant les hiérarchies de classe et sociales. Le récit est complexe et le scénario est captivant. Il distingue l’image du genre et établit un cadre au-delà du milieu de casino conventionnel de la roulette, du poker et des jeux similaires, et ce sens séduisant de la réalité en fait un choix facile pour la liste d’aujourd’hui. Maintenant tu me vois Année de sortie : 2013 Maintenant tu me vois incorpore des éléments de magie dans le genre du braquage conventionnel. Les Quatre Cavaliers, un groupe d’illusionnistes, utilisent leur expertise pour réaliser des braquages apparemment irréalisables, modifiant la vision du public et créant un faux sentiment de contrôle. Éléments réalistes La notion de « contrôle illusoire » apparaît ici, dans la mesure où les individus perçoivent à tort qu’ils possèdent une plus grande influence sur les résultats qu’ils n’en ont réellement. Cet effet est répandu dans le jeu réel, où les participants ont l’impression qu’ils peuvent influencer les résultats, entraînant un excès de confiance et, fréquemment, des pertes. Now You See Me postule que le risque et le contrôle sont arbitraires de manière réaliste, soulignant à quel point les stratégies méticuleusement conçues sont sensibles à des variables imprévues. Pensées finales Les films de braquage de casino présentent des récits exaltants qui examinent l’attrait et le danger de prendre des risques à enjeux élevés. De la stratégie calculée d’Ocean’s Eleven aux dures vérités de la dépendance dans Casino, ces films illustrent la relation complexe entre les individus et les concepts de risque et de récompense avec une production si réaliste que vous pouvez presque croire que vous regardez une histoire vraie. L’analyse du réalisme de ces récits captivants donne un aperçu des périls qui nous amusent et souligne l’importance de prendre des décisions prudentes dans la réalité. Qu’il soit virtuel ou tangible, le frisson du jeu est pleinement apprécié lorsque l’on garde une bonne perspective sur les enjeux impliqués.
Zendaya et Mike Faist remportent la compétition dans les Challengers
Quand Zendaya et Mike Faist sont apparus à l’écran dans Challengersils ne se contentent pas de jouer leurs rôles, ils les incarnent. Réalisé par Luca Guadagnino, connu pour son travail sur Appelez-moi par votre nomce drame sportif offre un mélange captivant de romance, de compétition et de luttes personnelles. Mais Challengers est bien plus qu’un simple film de tennis : c’est une histoire complexe d’ambition, d’identité et de relations. Au centre de l’histoire se trouve Tashi Duncan, interprété par Zendaya, un ancien prodige du tennis dont la carrière a été interrompue par une blessure. Désormais entraîneur de son mari, Art, joué par Josh O’Connor, Tashi se retrouve ramenée dans l’orbite de son ancien amant, Patrick (Mike Faist). Ce qui se déroule est un triangle amoureux aussi explosif qu’une balle de match de championnat. Les couches de Zendaya en tant que Tashi Duncan Le portrait de Tashi par Zendaya est une masterclass en matière de travail sur les personnages. Lors d’une récente conférence de presse, elle a expliqué combien de préparation avait été nécessaire pour incarner les émotions complexes de Tashi. “Il s’agissait de comprendre sa douleur, sa perte et son ambition”, a révélé Zendaya. Des exercices de tennis aux longues répétitions, elle n’a ménagé aucun effort pour donner vie à ce personnage à plusieurs niveaux. Tashi n’est pas une actrice principale typique. Elle est imparfaite, déterminée et sans vergogne, une rupture rafraîchissante avec les personnages féminins prévisibles des drames sportifs. La performance de Zendaya garantit que même lorsque les choix de Tashi vous font grincer des dents, vous ne pouvez vous empêcher de sympathiser avec son combat. Mike Faist brille dans le rôle de Patrick Mike Faist apporte de la profondeur à Patrick, un personnage qui aurait facilement pu être éclipsé par la présence plus grande que nature de Zendaya. L’approche du jeu d’acteur de Faist – une plongée profonde dans les pensées et les comportements d’un personnage – transparaît dans sa performance nuancée. Le voyage de Patrick ne consiste pas seulement à raviver une vieille flamme. Il s’agit de retrouver sa place dans un monde qui tournait autrefois autour du tennis. Sa chimie avec Zendaya crépite à l’écran, ajoutant de la tension et du poids émotionnel à chaque scène qu’ils partagent. La vision de Guadagnino s’élève Challengers Luca Guadagnino n’est pas étranger aux histoires visuellement époustouflantes et riches en émotions. Dans Challengersson sens aigu du détail élève le récit. De l’intensité trempée de sueur des matchs de tennis à la vulnérabilité tranquille des moments intimes, Guadagnino veille à ce que chaque image soit au service de l’histoire. La capacité du réalisateur à équilibrer le côté physique du tennis et les enjeux émotionnels des personnages est particulièrement impressionnante. Comme Zendaya l’a noté, « Luca édite dans sa tête. Il sait déjà exactement comment chaque scène s’intègre dans l’ensemble. Pourquoi Challengers Résonne Qu’est-ce qui fait Challengers ce qui se démarque est son engagement à explorer les imperfections de ses personnages. Il ne craint pas les émotions désordonnées ni les choix moralement ambigus. Au lieu de cela, il invite les téléspectateurs à s’asseoir avec l’inconfort et à se poser des questions difficiles : jusqu’où iriez-vous pour récupérer vos rêves ? Comment naviguer dans l’amour quand le passé refuse de rester enterré ? Zendaya l’a mieux résumé lorsqu’elle a déclaré : “Tout le monde dans cette histoire a des défauts, mais c’est ce qui la rend humaine.” Challengers sert une combinaison gagnante de drame, d’émotion et d’athlétisme. Avec les performances remarquables de Zendaya et Mike Faist, Luca Guadagnino a créé un film aussi stimulant que divertissant. Que vous soyez fan de tennis ou que vous aimiez simplement une bonne histoire d’amour et d’ambition, ce film a quelque chose pour tout le monde. Alors prenez votre pop-corn, installez-vous et laissez Challengers vous emmène dans un voyage que vous n’oublierez pas de sitôt.
Bande-annonce officielle de The Bad Guys : Les « criminels » sont de retour !
Les criminels préférés de tous sont de retour alors qu’Universal Pictures et DreamWorks Animation Studios publient la bande-annonce officielle de leur suite animée Les méchants 2. Voir la bande-annonce ci-dessous. Cinq ans après les événements du premier film, les Bad Guys ont du mal à trouver confiance et acceptation dans leur nouvelle vie de Good Guys, lorsqu’ils sont retirés de leur retraite et contraints de faire « un dernier travail » par une femme entièrement féminine. escouade de criminels, The Bad Girls. Oh wow….pour être tout à fait honnête….Je suis un peu surpris par cette bande-annonce. Oui, j’ai aimé (et apprécié) regarder le premier Les méchants film, appréciant le style d’animation, l’humour et les talents vocaux qui ont participé au long métrage. Même si j’ai accueilli favorablement l’idée d’un film suite, je ne me souviens pas avoir entendu une quelconque annonce officielle à ce sujet, ce qui rend cette bande-annonce officielle du nouveau film assez intéressante. J’aime le fait que cela ressemble beaucoup à ce que j’ai aimé dans le premier Les méchants les films (animation, humour et talents vocaux) sont tous de retour et sous une forme rare. L’intrigue semble intéressante, mais semble un peu pratique pour un long métrage d’animation. Quoi qu’il en soit, je pense que Les méchants 2 sera un film d’animation agréable qui ravira beaucoup de ses groupes démographiques cibles. Les méchants 2 arrive en salles le 5 août 2025 Comme ça: Comme Chargement… En rapport
Sortie de la bande-annonce officielle 2 de Sonic The Hedgehog 3
Sonic the Hedgehog 3 Bande-annonce officielle 2 Une ombre se dresse à l’horizon alors que Paramount Pictures publie la deuxième bande-annonce officielle de sa prochaine suite, Sonic the Hedgehog 3. Voir la bande-annonce ci-dessous. Sonic the Hedgehog revient sur grand écran cette période des fêtes dans son aventure la plus palpitante à ce jour. Sonic, Knuckles et Tails se réunissent contre un nouvel adversaire puissant, Shadow, un mystérieux méchant doté de pouvoirs sans précédent. Avec leurs capacités surpassées à tous points de vue, la Team Sonic doit rechercher une alliance improbable dans l’espoir d’arrêter Shadow et de protéger la planète. Je dois être tout à fait honnête ; Je suis de plus en plus excité pour ce film. Même si je pense que ces films Sonic deviennent de plus en plus grands et meilleurs, une ambition aussi banale est toujours l’un des nombreux pièges du traitement des suites de films, le nouvel opus essayant toujours de « surpasser » le précédent et de perdre le focus sur ce qui se passe. a rendu le prédécesseur agréable et sympathique. Cette nouvelle bande-annonce présente de nombreuses nouvelles séquences, y compris des moments humoristiques (la scène à la fin de l’aperçu est hilarante) ainsi que des moments plus dynamiques/dramatiques. Il sera intéressant de voir comment ce troisième opus sera comparé aux deux précédents. Sonique films. Cependant, je pense que cette suite particulière plaira beaucoup à sa base de fans. J’ai hâte de le voir. Sonic le hérisson 3 arrive en salles le 20 décembre 2024 Comme ça: Comme Chargement… En rapport marqué avec Ben Schwartz, Contenu vedette, Films, Idris Elba, Jeff Fowler, Jim Carrey, Keanu Reeves, bandes-annonces de films, films, SEGA, Shadow, Sonic the Hedgehog, Sonic the Hedgehog 3, Films de jeux vidéo
Rouge | Revue | Le blog du cinéma
★★ Décrier Rouge car son cynisme commercial semble quelque peu fallacieux. Vous attendiez-vous à autre chose ? C’est Dwayne Johnson… à Noël… avec un blaster de science-fiction. Captain America est son coup de pied latéral. Au contraire, étant donné le cynisme qui alimente la plupart des films de Noël de nos jours, RougeLe désintérêt chronique de cacher le fait semble presque honorable. Presque. La critique ne peut que tomber dans l’oreille d’un sourd au motif que Red One est exactement le film qu’il prétend être. C’est Hobbs et Shaw avec des cloches en argent. Sans âme très compétent. C’est-à-dire une éviscération coûteuse de chaque once de cœur censée battre dans le message de Noël. Celui commercialisé, bien sûr. Le réalisateur ici est Jake Kasdan, dont le travail sur le récent Jumanji les suites auraient dû annoncer plus de chaleur et d’esprit. Hélas, il travaille avec un scénario à couper le souffle et sans originalité de Rapide et furieux Chris Morgan régulier. Des thèmes et des idées familiers sont intégrés dans un récit probablement réorganisé à partir du Hobbs et Shaw une suite qui n’a jamais eu lieu. Il s’agit, dans tous les sens du terme, d’un véhicule de Dwayne Johnson, entièrement articulé autour de son schéma typique. Le résultat est un Johnson sur le régulateur de vitesse, incontesté et poussant son travail le plus faible depuis des années. Il n’a pas l’air de s’amuser – peu ici le font – et, si l’on en croit les rumeurs, ce n’était pas le cas. Johnson incarne Callum Drift, commandant en chef de l’équipe de logistique et de fortification du pôle Nord et bras droit de Saint Nick de JK Simmons – nom de code : Red One. L’opération « Père Noël » a pris un certain chemin depuis le bon vieux temps, l’idée ici étant que le Père Noël travaille désormais en tandem avec une organisation militaire résolument américaine appelée MORA. Ils sont dirigés par une Lucy Liu complètement gaspillée et font fortement allusion à la volonté du film de créer son propre univers cinématographique de mythes modernes. Cela sent aussi horriblement Amazon – c’est une production MGM – avec une étrange obsession pour la logistique de Noël qui passe complètement à côté de la magie. Le Père Noël de Simmons soulève des poids, compte les calories et réside sous un dôme camouflé de haute technologie dans l’Arctique. Arthur Noël a pris un angle similaire sans se sentir si capitaliste. Lorsqu’une équipe de scélérats des opérations noires, dirigée par Grýla de Kiernan Shipka, franchit le dôme et kidnappe le Père Noël, MORA recrute le Naughty-lister de niveau 4 Jack O’Malley (Chris Evans), le hacker mercenaire numéro un au monde, pour aider à sauver Noël. Même si nous savons que Jack est un pourri – il vole littéralement les bonbons d’un bébé – c’est un père décevant et donc prêt à faire son voyage vers la Nice List. Johnson l’aidera à y arriver, quoique à contrecœur. Peut-être a-t-il quelque chose à apprendre de Jack en retour ? On pourrait s’attendre à ce que cette union inspire des plaisanteries entre amis et de l’humour, mais cela ne vient jamais. De l’ouverture à la fermeture, Red One est un film étrangement peu drôle. Ce n’est pas que les blagues tombent à plat, elles ne sont tout simplement pas là. Au lieu de cela, l’essentiel est une série de rencontres combatives, d’abord avec des bonhommes de neige géants sur une plage d’Aruba, puis dans l’antre du Krampus de Kristofer Hivju. Hiviju, au moins, apporte une touche de style, apportant des bouffées de camp au rôle de souche crapuleuse du Père Noël. Plus de cela aurait été le bienvenu. Certainement, face au sérieux excessif qui pèserait autrement sur le film. C’est curieux. Peu importe le nombre de fois où Johnson ou Liu au visage impassible avertissent que Noël est menacé, cela ne semble jamais être une menace réaliste ou urgente. Cela est peut-être dû à la décision inhabituelle prise de décrire les cadeaux du Père Noël comme étant un ajout superflu aux cadeaux achetés en magasin que les enfants reçoivent de maman et papa. Les jeunes de RougeLe monde a-t-il même remarqué si le Père Noël n’était pas venu ? Louange à Amazon, hein. De plus, avec une violence trop sombre pour le plus petit public et un ton trop stupide pour maman et papa, il est difficile de savoir à qui s’en prendre. Rouge est visé. Ce n’est même pas amusant. Ce n’est pas amusant et c’est trop habile pour être stupide. Dans une dizaine d’années, l’IA éliminera ce genre de choses pour la moitié du budget. Pouvons-nous être sûrs que ce n’est pas déjà fait ? Excusez le cynisme, c’est contagieux. TS
Méchant | Revue | Le blog du cinéma
★★★ Il y a peu de choses dedans Méchantl’adaptation injustifiée et longue du premier acte de la comédie musicale éponyme par Jon M. Chu, susceptible de convertir les non-convertis. C’est une affaire envoûtante mais pas tout à fait envoûtante sur le plan transformationnel. Ceux qui aiment Méchantadoptera le film en nature. Il offre d’excellentes performances, des décors extravagants et une attention franchement extraordinaire aux détails. Ceux qui ne le font pas, faites attention : malgré une durée presque aussi longue que l’ensemble du spectacle de Broadway, entracte compris, Chu’s Méchant ne parvient à atteindre le fameux banger de la mi-temps de la série, « Defying Gravity », que par le rouleau de son générique. Deuxième partie est de douze mois après sa sortie. C’est une rupture jacksonienne, soit angoissante, soit frustrante, selon les inclinations personnelles. Les deux, vraiment. En tant qu’agnostique à deux fois, à la fois du spectacle et de son succès, la politique fragile et les airs à moitié oubliables – seuls quelques-uns déjouent vraiment le théâtre – me penchent généralement vers ce dernier camp. C’est mon parti pris. En ce qui concerne le film, une heure de rembourrage superflu ne peut en aucun cas résoudre les défauts principaux de l’intrigue. L’activisme animalier est sans aucun doute une voie intéressante. Son utilisation comme outil de critique du populisme, quant à elle, trouvera un écho particulièrement important auprès d’un public fin 2024. Et pourtant, MéchantL’exécution de est brutale et la gestion des arcs de personnages peu convaincants est confuse. Bien entendu, cela n’a pas perturbé les légions de fans qui ont propulsé Méchant de Broadway à la sensation mondiale. La comédie musicale est juste derrière celle de Disney Roi Lion dans le classement de tous les temps. Une adaptation cinématographique a longtemps semblé inévitable. L’histoire, tirée du roman original de Gregory Maguire de 1995, réécrit le livre de L. Frank Baum. Le Magicien d’Oz à travers le prisme des sorcières d’Oz. Cynthia Erivo incarne Elphaba, la méchante sorcière de l’Ouest de Baum et l’héroïne tragique de Maguire. Elle est formidable et brûle de la douleur d’une blessure longtemps réprimée. La mégastar pop Ariana Grande est assez bien Glinda – initialement connue sous le nom de Galinda – la fille dorée d’Oz, réinventée comme castrée par magie et vaniteuse de façon comique. Les deux se rencontrent à la prestigieuse université de Shiz, une inimitié précoce se transformant en une amitié sincère après avoir appris que chacun a beaucoup à apprendre de l’autre. Parmi ses camarades figurent Boq d’Ethan Slater, qui aspire à l’attention de Glinda, et Fiyero, le métrosexuel fringant de Jonathan Bailey, qui ne peut y échapper. Les prouesses magiques d’Elphaba sont évidentes tout comme la singularité de sa peau vert pois. Des flashbacks sur une enfance troublée présagent de l’intimidation qu’Elphaba subira à Shiz et de l’ostracisme auquel elle sera finalement confrontée lorsqu’elle sera exclue en tant que soi-disant méchante sorcière. Cependant, triée sur le volet par la sorcière suprême de l’école, Madame Morrible (Michelle Yeoh), Elphaba se retrouve bientôt invitée à rencontrer le merveilleux sorcier lui-même (Jeff Goldblum dans le rôle de Jeff Goldblum). Tout n’est pas aussi rose qu’il y paraît. Les animaux d’Oz sont devenus des boucs émissaires, réduits au silence et mis en cage – aucun prix pour deviner qui. C’est une intrigue similaire à la plus récente Zootropole mais avec un peu moins d’impact. Peter Dinklage joue un rôle intéressant dans le rôle du Dr Dillamond, historien des chèvres, mais on ne prête pas suffisamment attention à ce que le public se soucie activement du sort de tout autre animal parlant. Plus de temps est accordé aux nombreux numéros musicaux du film. C’est dans ces séquences que Wicked prend réellement vie. Chu a une direction musicale exquise, après avoir livré l’album criminellement sous-estimé de 2021 Dans les hauteurset cloue ici la même exubérance. C’est un truc exaltant et méticuleusement exécuté. Pourtant, il y a des problèmes ici aussi, notamment dans le sentiment de suffisance accru du film. Cela ne se ressent pas seulement dans la longueur allongée, mais aussi dans MéchantL’approche sévère et très maudline de la coloration, de la lumière et de l’étalonnage, dont la désaturation s’avère mal adaptée à sa chorégraphie et à ses costumes vibrants. Ce n’est qu’occasionnellement que les roses de Galinda et les verts d’Elphaba peuvent vraiment éclater, et seulement lorsqu’ils sont capables de surmonter l’intérêt inesthétique de Chu pour le contre-jour. La conclusion de la routine « Populaire » de Grande voit la star baignée dans une ruée de rose fabuleux. C’est un indice rare de ce qu’aurait pu être le camp. En effet, il manque un engagement avec le côté fantastique d’Oz. L’émerveillement en technicolor qui a écarquillé les yeux de Judy Garland. Même si un flot de suffixes superflus se déposent à la fin des dialogues des personnages, ceux-ci se produisent un peu comme une version dirigée par Mike Leigh du Dr Seuss. À partir de là, une seconde moitié plus austère nous attend, pour le meilleur ou pour le pire. Avec moins d’occasions de s’amuser dans la deuxième partie, il est difficile de ne pas craindre la traînée à venir. Cependant, ce n’est que lorsque les deux sont réunis que l’on peut véritablement juger du succès. Une longue attente pour un fan dédié, donc. Je ne suis juste pas sûr d’être ce type. TS
Quelle est la prochaine étape pour le thriller de science-fiction bien-aimé ?
Les fans de « FROM » ont de nombreuses raisons de se réjouir alors que la série d’horreur et de science-fiction à succès se prépare pour sa quatrième saison. Avec Harold Perrineau à la tête d’un casting talentueux et une série battant des records d’audience sur MGM+, l’attente pour la saison 4 est à un niveau sans précédent. L’évolution de FROM Créé par John Griffin et produit par Griffin, Jeff Pinkner et Jack Bender, DEPUIS est une émission qui a toujours laissé les fans deviner. Se déroulant dans une ville terrifiante où les habitants sont piégés et pourchassés par des créatures cauchemardesques, la série mélange horreur psychologique et drame palpitant. La saison 3 a laissé aux fans plus de questions que de réponses, et la saison 4 promet d’approfondir le mystère. Les créateurs ont fait allusion à un tournant important : « D’ici la fin de la saison 3, nos personnages commenceront à comprendre pourquoi ils sont piégés… mais cette compréhension les aidera-t-elle à s’échapper ? » déclare le showrunner Jeff Pinkner. « Dans la saison quatre, un nouveau voyage commence. La question est de savoir si cela ramènera nos personnages chez eux ou plus profondément dans ce cauchemar implacable », partage le créateur John Griffin. Pourquoi les fans aiment le FROMily L’un des atouts les plus importants de la série est sa base de fans dévoués, affectueusement surnommés le AVECily. La camaraderie entre les fans et les acteurs est palpable, notamment sur les réseaux sociaux, où Harold Perrineau dialogue fréquemment avec ses followers. Perrineau, surtout connu pour ses rôles dans Perdu et La matriceapporte du sérieux au rôle de Boyd Stevens, le leader stoïque luttant contre les horreurs de la ville. Sa performance à plusieurs niveaux a été remarquable au fil des saisons. “FROM a fait sensation pour MGM+, captant l’attention de millions de téléspectateurs”, déclare Michael Wright, directeur de MGM+. À quoi s’attendre dans la saison 4 La production de la saison 4 se poursuivra en Nouvelle-Écosse, en conservant le décor à la fois étrange et magnifique que les fans adorent. Avec un nouvel arc de 10 épisodes, la série promet de dévoiler les couches plus profondes de sa mythologie. Le mélange caractéristique de profondeur émotionnelle et de suspense de la série occupera probablement à nouveau le devant de la scène. Les personnages pourront-ils s’unir pour se libérer, ou vont-ils s’enfoncer davantage dans les mystères de la ville ? Les enjeux n’ont jamais été aussi élevés. Un casting d’ensemble stellaire Outre Perrineau, DEPUIS dispose d’un casting d’ensemble comprenant Catalina Sandino Moreno, Eion Bailey et Scott McCord. De nouveaux rebondissements et arcs de personnages sont attendus, le créateur John Griffin taquinant que “la saison quatre est la fin du début”. Pourquoi FROM est important DEPUIS n’est pas simplement un autre thriller de science-fiction, c’est un phénomène culturel. Avec un score de 96 % sur Rotten Tomatoes et la distinction d’être la série la plus regardée de MGM+, il est clair que la série résonne profondément auprès du public. Il combine une narration intense avec les thèmes de la survie, de la communauté et de la condition humaine. “Nos talentueux créateurs de spectacles et nos acteurs ont brillamment conçu ce merveilleux spectacle, et nous sommes impatients de fournir les réponses dont le public de FROM rêve”, ajoute Michael Wright. Comment rejoindre le FROMily Saison 4 de DEPUIS devrait sortir en 2026, donnant aux fans suffisamment de temps pour rattraper ou revoir les épisodes précédents. Diffusée sur MGM+, la série est accessible sur tous les appareils, garantissant qu’aucun fan ne manque l’action.
Comment dresser votre dragon Bande-annonce officielle
L’incroyable lien entre un garçon et un dragon reçoit une nouvelle vision cinématographique alors qu’Universal Pictures publie la bande-annonce officielle de Comment dresser votre dragon. Voir la bande-annonce ci-dessous. Sur l’île accidentée de Berk, où les Vikings et les dragons sont des ennemis acharnés depuis des générations, Hiccup (Mason Thames ; The Black Phone, For All Mankind) se démarque. Fils inventif mais négligé du chef Stoick le Vaste (Gerard Butler, reprenant son rôle de voix de la franchise animée), Hiccup défie des siècles de tradition lorsqu’il se lie d’amitié avec Krokmou, un redouté dragon Night Fury. Leur lien improbable révèle la véritable nature des dragons, remettant en question les fondements mêmes de la société viking. Avec à ses côtés la féroce et ambitieuse Astrid (Nico Parker, nominé aux BAFTA ; Dumbo, The Last of Us) et le forgeron excentrique du village Gobber (Nick Frost ; Blanche-Neige et le chasseur, Shaun of the Dead), Hiccup affronte un monde déchiré par peur et incompréhension. Alors qu’une menace ancienne émerge, mettant en danger à la fois les Vikings et les dragons, l’amitié de Harold avec Krokmou devient la clé pour forger un nouvel avenir. Ensemble, ils doivent parcourir le chemin délicat vers la paix, en dépassant les frontières de leur monde et en redéfinissant ce que signifie être un héros et un leader. Oh wow… Je ne m’attendais pas à une bande-annonce pour cela, mais je suis heureux que cela se soit concrétisé. Étant fan de la série depuis ses débuts, cette bande-annonce était très amusante et excitante à voir pour moi. C’était cool de voir Gerard Butler représenter le même personnage qu’il a joué dans le film d’animation et j’adore voir un Krokmou plus réaliste. Peut-être que ma seule pensée inquiétante à propos de ce film (d’après l’avant-première) est que certains moments sont des plans « un-et-un » du long métrage d’animation original. Certes, ce moment particulier montré est assez emblématique dans celui d’origine, mais il est inquiétant si ce remake en direct tente de réaliser le même coup que celui de 2019. Le Roi Lion a essayé de le faire en dupliquant de nombreuses scènes et images dans une présentation cinématographique textuelle. Espérons que ce ne soit pas le cas et que ce nouveau film apporte les prochaines idées et concepts pour le récit raconté. Malgré cette seule notion, je suis très impatient de voir ce que cette version live-action apportera à la table pour le Comment dresser votre dragon franchise. Comment dresser votre dragon arrive en salles le 13 juin 2025 Comme ça: Comme Chargement… En rapport
Une histoire de pouvoir et de rédemption
Le général devenu esclave. L’esclave devenu gladiateur. Le gladiateur qui a défié un empereur. Histoire saisissante ! Mais maintenant, les gens veulent savoir comment se termine l’histoire. Seule une mort célèbre fera l’affaire. Et quoi de plus glorieux que de défier l’Empereur lui-même dans la grande arène ? alors que Jason’s Movie Blog’s retourne dans la Rome antique pour revisiter l’épopée historique à succès dans la revue « flashback cinématographique » des années 2000 Gladiateur. GLADIATEUR « Le général devenu esclave. L’esclave devenu gladiateur. Le gladiateur qui a défié un empire » Réalisateur : Ridley Scott Scénaristes : David Franzoni, John Logan et William Nicholson Avec : Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Derek Jacobi, Djimon Hounsou et Richard Harris Durée : 155 minutes Date de sortie : 5 maième2000 Noté : R L’HISTOIRE Le général Maximus Decimus Meridias (Russell Crowe) a gagné l’amour de ses soldats et de son frère d’armes, avec sa dernière campagne défendant la gloire de l’empire romain contre les envahisseurs. Il a également l’amour de l’empereur de Rome, Marc Aurèle (Richard Harris), qui considère Maximus comme un leader né et souhaite qu’il lui succède à la tête de Rome, afin que le pouvoir puisse passer des Césars au peuple et au Sénat. . Avant de compiler pleinement le dernier souhait de son empereur, Marc Aurèle décède et son fils négligé et avide de pouvoir, Commodus (Joaquin Phoenix), a d’autres idées et ses propres ambitions à suivre. Échappant à une exécution ordonnée, Maximus rentre précipitamment chez lui en Espagne, trop tard pour sauver sa femme et son fils du même ordre. Réduit en esclavage et formé comme gladiateur par Proximo (Oliver Reed), Maximus ne vit que pour pouvoir un jour se venger et réaliser le dernier souhait de son empereur. Bientôt vient le moment où la troupe de Proximo est appelée à Rome pour participer à un marathon de jeux de gladiateurs organisés à la demande du nouvel empereur Commode. Une fois à Rome, Maximus ne perd pas de temps pour faire connaître sa présence et est bientôt impliqué dans un complot visant à renverser l’empereur avec son ancien amour Lucilla (Connie Nielsen), la sœur de Commode, qu’il convoite, et aussi la mère veuve de Lucius (Spencer Treat Clark), héritier de l’empire après son oncle, et sénateur à l’esprit démocrate, Gracchus (Derek Jacobi). Alors que tous les joueurs évoluent et manœuvrent vers leurs plans ultimes de fin de partie, un choc de volontés et de forces résonne au cœur de Rome alors que Maximus se rapproche de plus en plus de sa vengeance contre Commode, dans l’espoir d’honorer le souhait du défunt empereur de libérer Rome. MES PENSÉES Compte tenu du montant de la couverture et de l’anticipation faite pour Gladiateur IIj’ai décidé de revenir à l’original Gladiateur film et de voir ce que j’ai aimé de celui-ci. Il ne fait aucun doute que Gladiator a marqué l’histoire du cinéma, le réalisateur Ridley Scott présentant un long métrage au succès mémorable. Je me souviens que je n’ai pas vu ce film au cinéma et que je l’ai d’abord regardé en location dans mon blockbuster local (oui, il y a si longtemps) et j’ai immédiatement été époustouflé. Il reste toujours un véritable classique des années 2000 et à juste titre. Alors, avec la sortie du nouveau film, j’ai décidé de revenir en arrière et de revisiter pourquoi Gladiateur est largement considéré comme une véritable pièce cinématographique intemporelle. Gladiateur est réalisé par Ridley Scott, qui s’est révélé être un réalisateur assez efficace pour produire des projets aussi mémorables que Étranger, Coureur de lameet 1492 : Conquête du Paradis. L’ampleur du long métrage est peut-être celle où le talent de Scott est principalement utilisé de la bonne manière, le réalisateur envisageant une grande épopée historique hollywoodienne « à l’ancienne » qui n’a pas été réalisée depuis de nombreuses années (à l’heure actuelle) ; façonner un film pour résumer à merveille une telle notion. La mise en scène et l’orchestration de tout cela sont attribuées à la vision claire de Scott de ce qu’il voulait que le film soit… et c’est pour le mieux à cet égard. Naturellement, l’histoire du long métrage est assez captivante, avec une histoire de vengeance classique pour Gladiateur intrigue, mais enveloppée dans une vaste épopée remplie de drame et d’action et ayant pour toile de fond grandiose se déroulant dans la Rome antique. Le scénario, écrit par David Franzoni, John Logan et William Nicholson, tisse une histoire captivante de drame et de vengeance avec de nombreux moments de dialogue fantaisistes qui sont devenus inconiques/mémorables à citer (c’est-à-dire le discours de Maximus). Bien sûr, c’est dans l’action du film que le film brille le mieux, Scott livrant et exécutant plusieurs moments intenses de combats de gladiateurs et de séquences de bataille qui mettent en valeur la grande portée et la grandeur du film. Tout est bien chorégraphié de la bonne manière et présenté de manière à attirer les téléspectateurs par son enthousiasme et son divertissement. En gros, tout dans le film était incroyable et je considère définitivement Gladiator comme l’un des meilleurs films de Ridley Scott à ce jour. Pour un point de vue présentation de la production, Gladiateur est un film absolument magnifique qui est toujours (à ce jour) visuellement époustouflant pour les yeux. Immergé dans une ampleur, une portée et des détails incroyables, l’arrière-plan et l’aspect général du film semblaient élaborés et appropriés pour un projet de studio à gros budget (encore une fois, quelque chose qui rappelle les épopées du « vieil Hollywood »). Tout, des conceptions de production à la direction artistique, en passant par les décorations de décors et même les costumes, semble impeccable et d’une beauté saisissante à voir. J’adore tout. Même le travail cinématographique du film contribue à élever divers moments pour des scènes visuelles exceptionnelles qui élèvent le niveau cinématographique. Enfin, je ne peux sous-estimer la puissance et la magnificence du compositeur de films Hans Zimmer pour cette bande originale. La musique pour Gladiateur était l’une de mes bandes sonores préférées