«East High est un endroit où les enseignants nous ont encouragés à briser le statu quo et à nous définir au moment où nous choisissons. Où un jock peut cuisiner une crème Brulee moyenne, et un cerveau peut nous décomposer sur la piste de danse. C’est un endroit où une personne, si c’est la bonne personne, nous change tous. Flashback ”Regard sur 2008 High School Musical 3: Senior Ouir. High School Musical 3: Senior Year «Les Wildcats sont de retour!» Directeur: Kenny Ortega Écrivain: Peter Barsocchini Mettant en vedette: Zac Efron, Vanessa Hudgens, Corbin Bleu, Monique Coleman, Lucas Grabel et Ashley Tishdale Temps d’exécution: 112 minutes Date de sortie: 24 octobreème2008 Classé: G L’histoire La dernière année est arrivée à East High et les Wildcats se préparent pour leur prochain chapitre. Alors que la remise des diplômes approche, Troy Bolton (Troy Bolton) fait face à une décision qui change la vie: restez près de chez vous avec une bourse de basket-ball à l’Université d’Albuquerque, ou risquez de grandir de Gabriella (Vanesa Hudgens), qui se dirige vers Stanford. Leur relation est testée à la fois comme lutte contre les réalités de la distance et des avenir incertaines. Dans le même temps, Sharpay Evans (Ashley Tishdale) est déterminé à faire de la comédie musicale finale de l’école sa vitrine ultime, encadrant une nouvelle étudiante de l’échange britannique, mais non sans son flair et son ambition de signature. Son frère jumeau Ryan (Lucas Grabel) commence à entrer dans le sien, sortant de l’ombre de Sharpay et explorant sa propre direction créative. Le meilleur ami de Troy, Chad (Corbin Bleu), et l’ami de Gabriella, Taylor (Monique Coleman), s’attaquent également à ce qui vient ensuite, chacun essayant de définir leur avenir en dehors des murs familiers d’East High. Alors que le PROM s’approche et que le rideau augmente sur une dernière performance, le groupe doit se réconcilier avec le changement, l’amitié, l’excitation et la peur qui viennent en grandissant. Mes pensées Au cours des dernières semaines, je me suis retrouvé dans un peu une humeur musicale, revisitant diverses productions de scène à écran et des comédies musicales cinématographiques comme Méchant (2024), West Side Story (2021), Le plus grand showman (2017), et Le fantôme de l’opéra (2004). Quelque part en cours de route, je suis retourné à High School Musical 3: Senior Year (2008), le troisième et dernier épisode principal dans le Comédie musicale du lycée franchise, et notamment le seul à recevoir une version théâtrale complète. Je ne l’avais pas regardé depuis un certain temps, mais je me souvenais de l’avoir apprécié. Donc, avec la saison de remise des diplômes en plein essor et ma fièvre musicale toujours dans les airs, je suis retourné à East High pour voir si ce Disney Threequel tient encore dix-sept ans plus tard. Réalisé par le vétéran de la franchise Kenny Ortega, Dernière année profite grandement de sa familiarité avec le monde et les personnages qu’il a aidé à établir. Bien que toujours enracinée dans l’esprit fantaisiste et optimiste de ses origines Disney Channel, cette troisième entrée reçoit le traitement théâtral complet, avec un budget plus important, des valeurs de production plus grandes et un flair plus cinématographique. Ortega monte dans l’assiette et livre ce qui est sans doute sa sortie la plus forte dans la trilogie, élevant la présentation globale sans perdre le charme qui a fait de la série un succès pour commencer. Bien sûr, les numéros musicaux restent le pain et le beurre de la franchise, et Dernière année se vante sans doute de la meilleure gamme de chansons dans les trois films. Du numéro d’ouverture de haute énergie «Now ou Never», à Sharpay et Ryan «I Want It All All», l’hymne nostalgique de l’amitié «The Boys Are Back», «Scream» introspectif de Troy, et la finale sincère «High School Musical», chaque piste est jouée avec enthousiasme, chorégraphiée et apporté à la vie avec plus de polies qu’auparavant. Le film embrasse pleinement son échelle sur grand écran, et les séquences musicales en bénéficient énormément. À la base, le film fonctionne comme une finale, explorant la transition émotionnelle du lycée à l’âge adulte. Le bal, la remise des diplômes et les décisions universitaires pèsent lourdement sur les personnages, donnant au film une résonance thématique à laquelle la plupart des téléspectateurs, en particulier ceux qui ont parcouru ce même chemin, peuvent se rapporter. C’est du fromage et sentimental, oui, mais il gagne cette émotion par un fort sentiment de fermeture et de réflexion. De cette façon, Dernière année Se sent comme une conclusion appropriée et bien méritée du voyage qui a commencé en 2006. Cela dit, le film n’est pas sans ses lacunes. Malgré les valeurs de production élevées et les thèmes sincères, le récit retombe souvent sur des tropes familiers et une narration de formule. Une grande partie du développement du personnage semble stagnante, avec peu de croissance réelle pour le casting principal au-delà de ce que nous avons vu auparavant. L’intrigue retend les conflits et les résolutions antérieurs, ce qui le rend un peu trop sûr et répétitif par endroits. Il y a aussi des moments qui se rédigent la crédibilité, comme le processus d’admission supposément prétendument précoce de Stanford commodément chronométré pour un effet dramatique, ajoutant des tensions artificielles qui n’atterrissent pas tout à fait. Bien qu’il sert d’obstacle final pour Troy et Gabriella, la configuration se sent forcée et un peu farfelue compte tenu du calendrier des horaires du lycée réels. Heureusement, le casting de retour aide à ancrer le film. Zac Efron, Vanessa Hudgens, Corbin Bleu, Monique Coleman, Lucas Grabel et Ashley Tisdale reprennent tous leurs rôles, et bien que les personnages eux-mêmes n’aient pas beaucoup changé, les acteurs apportent encore beaucoup d’énergie et de charme. Soutenir des joueurs comme Olesya Rullin, Chris Warren Jr., Ryne Sanborn et Kaycee Stroh reviennent également, offrant des moments petits mais mémorables tout au long. Les nouveaux ajouts, Matt Prokop en tant que recrue trop zélée Jimmie «Rocket Man» Zara et Jemma McKenzie-Brown comme l’or tiara prim
Clown in a Cornfield Review: Blood in the Heartland
Eli Craig Clown dans un champ de maïs est un slasher intelligent et sauvage qui combine des sensations de genre classiques avec des commentaires modernes, offrant une balade tendue et éclaboussée de sang à travers les angoisses de l’Amérique rurale. Basé sur le roman du même nom d’Adam Cesare (l’un de mes romans préférés de tous les temps), le film est plus qu’un simple tueur masqué dans un champ de maïs – c’est un calcul allégorique entre les générations, sur un contexte de carie de petite ville et de troubles. Avec une performance vraiment digne de Katie Douglas et une direction confiante de Craig (Tucker & Dale vs Evil), cette adaptation réussit à transformer les tropes familiers en quelque chose de fraîchement terrifiant. De la tragédie à la terreur: Le film s’ouvre en 1991 avec une séquence effrayante qui donne le ton: les adolescents se livrant à des plaisirs interdits sont soudainement coupés par une silhouette portant le masque troublant de Frendo, la mascotte effrayante de Kettle Springs. De là, Craig clignote à nos jours, ancrant l’histoire dans l’arc émotionnel de Quinn Maybrook (Douglas), une adolescente déménageant à Kettle Springs avec son père Glenn (Aaron Abrams), un médecin essayant de redémarrer sa vie après une tragédie familiale. Leur relation tendue ajoute un noyau émotionnel ancré qui ancre le chaos à venir. L’arrivée de Quinn en ville est manipulée avec un mélange habile de malaise de poisson hors de l’eau et de commentaires sociaux subtils. Kettle Springs est un endroit coincé dans le temps – une ville hantée par la perte de ses moyens de subsistance économiques après l’arrêt de l’usine de sirop de maïs Baypen. Le fossé entre les adultes à l’ancienne et les adolescents téméraires est établi tôt, mettant en place une tension mijotante qui est autant idéologique que interpersonnelle. La façon dont le film présente cette friction générationnelle – les adolescents embrassant des farces et des personnages en ligne tandis que les adultes s’accrochent à des valeurs obsolètes – les Fage pointés sans être lourd. Le scénario de Craig, co-écrit avec Carter Blanchard, est efficace et vif. Il comprend les mécanismes de slasher mais construit une histoire avec un courant sous-jacent plus profond de paranoïa et de contrôle. Les adultes de la ville voient les adolescents non seulement aussi indisciplinés mais comme des menaces existentielles pour l’identité de la communauté. Une fille finale forte et de véritables performances: Katie Douglas se révèle être une avance phénoménale. En tant que Quinn, elle est prudente, intelligente et volontaire sans tomber dans les clichés archétypaux de la «fille finale». Elle se sent comme une vraie personne – quelqu’un qui veut continuer, se connecter et survivre. Sa dynamique avec Coles MacCormac Cole – un adolescent paria essayant de repousser son père autoritaire – est tendre et crédible, donnant au film un courant émotionnel tranquille alors même que le nombre de corps augmente. Tués brutaux et une atmosphère sombre: En parlant de ça, Clown dans un champ de maïs ne retient pas en ce qui concerne la violence. Les éliminations sont brutales, pratiques et parfois absurdes de manière créative – exécutées avec juste la bonne quantité de flair horrible. Pourtant, ils ne jouaient jamais pour les rires. Contrairement à l’œuvre antérieure de Craig, qui s’est faufilée vers la comédie d’horreur, c’est un film qui se penche dans l’effroi et l’intensité. La cinématographie de Brian Pearson crée un sentiment palpable d’isolement, en particulier pendant le massacre de la fête de la grange et les séquences chaotiques dans les champs de maïs. Les tiges dorées se tournent vers des murs de terreur, et les paysages ruraux familiers deviennent des calculs de mort claustrophobes. Kevin Durand est bien coulé en tant qu’Arthur Hill, le maire autoritaire de la ville avec une présence menaçante et un feu idéologique qui mijote sous son comportement calme. Will Sasso, souvent connu pour les rôles comiques, joue de manière impressionnante contre le type comme le shérif sévère et de plus en plus sinistre Dunne. Les deux aident à élever les adultes de la ville, des «boomers en colère» caricaturés à des manifestations effrayantes de l’autoritarisme du monde réel. Symbolisme derrière le sourire: L’un des éléments les plus intéressants de Clown dans un champ de maïs est son commentaire sur la violence performative et le blâme social. Les adolescents sont blâmés pour tout ce qui ne va pas avec Kettle Springs – son industrie perdue, sa décroissance morale, même sa crise d’identité. Le masque Frendo devient plus qu’un simple déguisement; C’est un symbole de nostalgie armé, un visage souriant cachant des intentions mortelles. Le film flirte avec des idées sur la tradition, l’endoctrinement et les boucs émissaires générationnels, mais maintient toujours l’horreur à l’avant et au centre. Cela dit, il y a des patchs bruts. Le film a parfois du mal avec le ton, surtout lorsqu’il se déplace entre des moments de liaison adolescente sincère et une violence soudaine et écrasante. Quelques personnages, en particulier au sein du groupe d’amis, sont sous-développés, servant davantage de fourrage pour Frendo que de personnalités mémorables à part entière. Pourtant, la chimie de Douglas et MacCormac maintient les choses émotionnellement ancrées, et Aaron Abrams apporte de la chaleur et du grain au rôle de Glenn, le père en deuil qui fait de son mieux pour se reconnecter. Une finale imbibée de sang: Le rythme est serré, se déroulant à seulement quatre-vingt-seize minutes, avec peu de remplissage. Craig crée intelligemment des tensions avec des peur plus petites et des indices troublants (comme les boîtes de musique Baypen récurrentes), avant de laisser le troisième acte exploser dans une confrontation frénétique étendue qui est aussi passionnante que grotesque. L’ancienne finale d’usine – un labyrinthe de l’industrie en décomposition, des idéaux tordus et de l’horreur masquée – est un moment fort, offrant un point culminant cauchemardesque plein de revers et de catharsis sanglants. Les scènes de clôture donnent un ton étonnamment plein d’espoir, suggérant que la survie signifie plus que vivre – il s’agit de cycles de rupture. Il
The Woman in the Yard Review: passionnant mais frustrant
Universal Pictures et Blumhouse se sont associés pour livrer la nouvelle horreur psychologique, «The Woman in the Yard», désormais hanté des théâtres près de chez vous. Réalisée par Jaume Collet-Serra, le gars derrière des frappeurs de colonne vertébrale comme Orphan et des aventures familiales comme Jungle Cruise, ce film promet beaucoup de peur et de profondeur émotionnelle. Danielle Deadwyler (jusqu’à) brille alors que Ramona, une maman en deuil, essayant désespérément de garder sa famille à l’abri d’une mystérieuse femme qui se cache juste à l’extérieur de leur maison. Russell Hornsby passe en tant que défunt mari, David, tandis que Peyton Jackson et Estella Kahiha jouent les enfants forcés de grandir trop vite. Un début atmosphérique Le film s’ouvre puissamment, nous plongeant immédiatement dans la douleur et l’isolement de Ramona. Danielle Deadwyler offre une performance chargée émotionnellement en tant que mère hantée par le chagrin. Sa représentation est brute, faisant en sorte que les téléspectateurs se sentent profondément connectés à ses difficultés. Russell Hornsby, malgré un temps d’écran limité, laisse une forte impression en tant que défunt mari de Ramona. Les enfants, Taylor (Peyton Jackson) et Annie (Estella Kahiha), ajoutent de la profondeur avec des représentations convaincantes d’enfants forcés de grandir trop rapidement. Collet-Serra connaît son chemin autour du suspense, et le directeur de la photographie Pawel Pogorzelski amplifie les frissons avec des angles de caméra effrayants et des peurs de saut. La partition musicale effrayante de Lorne Balfe ajoute une couche supplémentaire de malaise, en vous assurant que vous saisissez fermement votre pop-corn. Un changement qui perd la focalisation «La femme dans la cour» prend un virage nette à mi-chemin, passant du thriller surnaturel au drame psychologique ambigu. Initialement intrigant, le récit devient de plus en plus déroutant. Les peintures de la femme mystérieuse de Ramona suggèrent des thèmes psychologiques plus profonds, mais le film a du mal à fournir des réponses claires. Okwui Okpokwasili, est effectivement troublant en tant que femme mystérieuse. Son approche lente et méthodique de la famille de Ramona crée du suspense, mais sa présence soulève plus de questions que de réponses. Bien que l’ambiguïté puisse améliorer l’horreur, ici, cela m’a frustré et m’a laissé en espérant la clarté. Re-vrai représentation et authenticité La productrice Stephanie Allain apporte une authenticité à la table en mettant en lumière une famille noire de classe moyenne supérieure de manière réaliste. Le cadre à domicile, l’art et la dynamique familiale résonnent vraiment. La dynamique semble réelle, le cadre est authentique et vous racine vraiment ces personnages. Cependant, cette représentation réfléchie est éclipsée par des intentions narratives peu claires, me laissant en conflit. Insistance de la production Selon les notes de production, «la femme dans la cour» est profondément enracinée dans l’exploration des effets dévastateurs du chagrin. Le scénariste Sam Stefanak a conçu une histoire personnelle initialement intitulée «L’homme dans la cour», réécrit spécifiquement pour Deadwyler. Le réalisateur Collet-Serra visait à créer un voyage introspectif, mettant l’accent sur les peurs et les doutes internes sur des peurs simples. Les propres peintures de Danielle Deadwyler présentées dans le film ajoutent une autre couche personnelle, renforçant l’authenticité de l’histoire. The Woman in the Yard Review: Thrills, frisson et beaucoup de confusio Agir – 7/10 Cinématographie / effets visuels – 9/10 Plot / scénario – 6/10 Réglage / thème – 8/10 Watchability – 6/10 REWATCHABILITÉ – 5/10 Révision des utilisateurs 0 (0 votes) Résumé Consultez notre examen plein d’esprit de «The Woman in the Yard», le thriller psychologique maintenant dans les salles. Est-ce que cela donne des peurs ou simplement une confusion? Pros Avantages: Cinématographie fantastique et conception sonore de refus. Des performances exceptionnelles, en particulier Danielle Deadwyler et Peyton Jackson. Des peurs très efficaces qui vous garderont éveillé. Inconvénients Inconvénients: Un complot qui vous vous fait gratter la tête plus que de vous mordre les ongles. La seconde moitié traîne et perd de la clarté. Une forte représentation éclipsée par la confusion narrative. Par intérim Cinématographie / effets visuels Complot / scénario Réglage / thème Vignabilité Rewatchabilité Résumé: La femme dans la cour “offre des peur effrayantes et des performances exceptionnelles, en particulier de Danielle Deadwyler. Le film commence incroyablement fort, vous agrippant avec une émotion brute et un véritable suspense. Cependant, le récit se perd inutilement. Questions que les réponses 3.4 Frustrant et bon Votre note Note utilisateur: 0 (0 votes)
The Monkey Review: Vous n’irez pas de bananes pour cela
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The Gorge Review: Vaut le battage médiatique?
Qu’est-ce qui est bon, les amateurs de films? Ya Boy est de retour avec une autre critique. Cette fois, nous parlons de «la gorge». C’est le nouveau thriller de science-fiction d’action dont tout le monde parlait. Alors, je me suis assis, j’ai attrapé mon pop-corn et je l’ai vérifié. Cela valait-il le battage médiatique? Continuez à lire pour le découvrir. Premières impressions Tout d’abord, ce film est une balade sauvage. Il vous jette directement dans l’action. Pas de construction lente ici. Nous rencontrons notre homme principal, Miles Teller. Vous le connaissez peut-être dans des films comme «Top Gun: Maverick». Il joue un marin à la retraite. Il est également un tireur d’élite. Le gouvernement a besoin de ses compétences. Donc, il est de retour dans le jeu. Quelle est l’histoire? L’intrigue est un peu cool. Il se déroule dans un monde où il y a ces créatures étranges et dangereuses. Ils vivent dans un endroit appelé la gorge. Les gens doivent se battre pour survivre. Le personnage de Teller a une mission spéciale là-bas. Il doit protéger une femme. Elle a joué par Anya Taylor-Joy. Vous l’avez peut-être vue dans «The Queen’s Gambit». Aventure pleine d’action Ce film est une fête d’action totale. C’est comme une montagne russe. Beaucoup de combats, de tirs et d’explosions. Les effets spéciaux sont assez malades. Ils rendent les créatures super réelles. Les scènes d’action sont intenses. Ils m’avaient sur le bord de mon siège. “Un incontournable pour les aficionados d’action” Les bonnes choses Ce qui fait fonctionner ce film, ce sont les personnages. Teller et Taylor-Joy sont super ensemble. Ils ont cette chimie cool. L’écriture est tranchante. Cela leur donne des moments drôles et intenses. Le film a également l’air incroyable. La façon dont ils utilisent les ombres et la lumière est vraiment cool. Cela rend le monde sombre et mystérieux. “Un chef-d’œuvre visuellement magnifique” Pas si bon D’accord, donc le film n’est pas parfait. Cela laisse quelques questions sans réponse. C’est comme s’ils voulaient que vous le regardiez à nouveau pour comprendre les choses. Ce qui, honnêtement, je le ferai probablement. Mais encore, ça aurait été bien d’avoir plus de fermeture. De plus, la fin est un peu trop heureuse à mon goût. Tout fonctionne un peu trop parfaitement. «Préparez-vous à un voyage cinématographique qui pèse dans l’esprit» Réflexions finales Dans l’ensemble, «The Gorge» est une montre amusante. Il y a une grande action, des personnages sympas et des visuels incroyables. C’est le genre de film que vous pouvez simplement vous asseoir et profiter. Ne vous attendez pas à toutes les réponses. Mais si vous cherchez un bon moment, vérifiez-le. “Une balade à sensations exaltantes qui vous laissera essoufflé”
Wolf Man Review: ça vaut la peine de hurler
Celui de Leigh Whannell Homme-loup réinvente le classique de 1941 avec une touche viscérale et moderne qui mêle enjeux émotionnels bruts et terreur atmosphérique. Ancré par les performances stellaires de Christopher Abbott, Julia Garner et Matilda Firth, le film explore les thèmes de la rage héritée, des liens familiaux et des instincts primitifs qui se cachent sous la civilité humaine. Bien qu’il ne réinvente pas entièrement le mythe du loup-garou, il propose suffisamment de nouvelles prises et de séquences captivantes pour en faire un ajout convaincant au genre. Une prémisse effrayante fondée sur des tensions familiales : La force du film réside dans son double objectif : la transformation terrifiante de Blake Lovell (Christopher Abbott) en loup-garou et la tension émotionnelle qu’elle exerce sur sa famille. Il ne s’agit pas seulement d’une histoire d’horreur sur un homme qui se transforme en monstre, c’est l’histoire d’une famille qui lutte pour survivre à des menaces externes et internes. Le scénario de Whannell et Corbett Tuck utilise intelligemment la malédiction du loup-garou comme métaphore du traumatisme générationnel et de la colère incontrôlable, ajoutant une couche de profondeur qui l’élève au-delà d’une simple caractéristique de créature. Dès les scènes d’ouverture, la dynamique de la famille Lovell s’établit avec un sens aigu du réalisme. Le caractère instable de Blake et sa relation tendue avec sa femme Charlotte (Julia Garner), une bourreau de travail, ouvrent la voie à un récit chargé d’émotion. Leur fille Ginger (Matilda Firth) ajoute une couche de vulnérabilité et d’enjeux, son innocence contrastant fortement avec le chaos primaire qui se déroule. La mise en scène de Whannell garantit que les battements émotionnels frappent aussi fort que l’horreur, rendant le sort des personnages profondément émouvant. Une horreur tendue et atmosphérique : Whannell prouve une fois de plus qu’il est un maître de la tension. Tout comme son travail sur L’homme invisibleil utilise le suspense et l’ambiance pour garder le public en haleine. La maison de montagne isolée devient un personnage en soi, avec ses sols grinçants, son éclairage tamisé et ses espaces claustrophobes amplifiant le sentiment d’isolement. La conception sonore du film est un autre remarquable, avec des grognements gutturaux, des transformations qui brisent les os et des silences étranges créant une expérience auditive immersive. Les attaques de loups-garous sont brutales et implacables, évitant le camp au profit d’un réalisme réaliste. Whannell ne craint pas l’horreur viscérale du processus de transformation. La métamorphose de Blake est décrite avec des détails atroces, de la chute des dents à la pousse des griffes, faisant ressentir au public chaque once de sa douleur et de sa terreur. Il s’agit d’une vitrine d’horreur corporelle qui rivalise avec certains des meilleurs du genre, rappelant Un loup-garou américain à Londres mais avec une approche plus concrète et plus fondée. Des performances captivantes : Christopher Abbott réalise un tour de force dans le rôle de Blake, capturant la descente du personnage d’un père imparfait mais bien intentionné à une créature consumée par ses instincts primaires. La performance d’Abbott est une classe magistrale en matière de physicalité, alors qu’il contorsionne son corps et transmet l’agonie de la transformation avec une authenticité troublante. Il apporte également une vulnérabilité discrète au rôle, faisant de Blake une figure tragique plutôt qu’un monstre unidimensionnel. Julia Garner associe l’intensité d’Abbott à une performance qui oscille entre force et désespoir. En tant que Charlotte, elle est le point d’ancrage émotionnel du film, décrivant une femme déchirée entre son amour pour son mari et son instinct de protéger son enfant. Le portrait nuancé de Garner garantit que Charlotte ne se sent jamais comme une victime passive, mais plutôt comme un personnage ingénieux et déterminé à part entière. Matilda Firth, dans le rôle de Ginger, offre une performance étonnamment mature, ajoutant un poids émotionnel à la dynamique familiale. Thèmes de l’héritage et de la survie : Thématiquement, Homme-loup explore la notion d’héritage, à la fois génétique et émotionnel. La lutte de Blake avec son caractère reflète celle de son ex-père, établissant un parallèle entre la malédiction du loup-garou et la nature cyclique du traumatisme familial. Le film pose des questions poignantes quant à savoir si l’on peut se libérer de ses pulsions les plus sombres ou s’il est condamné à y succomber. Cette profondeur thématique enrichit le récit, en faisant plus qu’un simple récit de survie. Le scénario explore également le concept d’abnégation et les efforts que l’on pourrait déployer pour protéger ses proches. Ces thèmes résonnent tout au long du film, culminant dans une finale poignante qui persiste longtemps après le générique. Défauts d’exécution : Malgré ses atouts, Homme-loup n’est pas sans défauts. Le rythme faiblit parfois, en particulier dans le deuxième acte, où le film s’appuie fortement sur la transformation de Blake au détriment de l’avancement de l’intrigue. Si l’horreur corporelle est indéniablement efficace, elle semble parfois répétitive, étirant des séquences qui auraient pu être plus succinctes. De plus, le recours du film aux tropes familiers des loups-garous, tels que la pleine lune et la vulnérabilité de la créature à l’argent, peut parfois le rendre prévisible. Alors que Whannell et Tuck injectent suffisamment d’originalité pour que l’histoire reste captivante, les passionnés du genre pourraient avoir envie de rebondissements plus innovants. Visuels : Les effets pratiques utilisés pour la transformation de Blake sont remarquables, évoquant une réaction viscérale que CGI ne parvient souvent pas à obtenir. La photographie de Stefan Duscio complète à merveille le ton du film. L’utilisation par Duscio de palettes de couleurs sourdes et d’un éclairage dynamique renforce l’atmosphère oppressante, tandis que le travail de la caméra à main levée pendant les séquences d’action ajoute un sentiment d’immédiateté. Dans l’ensemble: En guise de redémarrage, Homme-loup établit un équilibre délicat entre honorer son prédécesseur et tracer sa propre voie. Bien qu’il ne révolutionne pas le genre des loups-garous, il réussit à moderniser l’histoire avec une approche axée sur les personnages et des éléments d’horreur viscéraux. La mise en scène de Leigh Whannell, associée à des performances solides et à une profondeur thématique, garantit que le film laisse une impression durable. Avec
Den of Thieves 2: Pantera Review: Ambitieux Heist Thriller Fumbles
Le repaire des voleurs 2 : Panterala suite de Christian Gudegast du thriller de braquage de 2018, promet une action à enjeux élevés, des schémas complexes et des personnages réalistes. S’inspirant du tristement célèbre braquage de diamants d’Anvers en 2003, le film vise à mélanger l’intrigue du globe-trotter avec le côté streetwise de son prédécesseur. Gerard Butler et O’Shea Jackson Jr. reprennent leurs rôles, apportant charisme et tension à une intrigue pleine de doubles croisements, d’alliances tendues et de plans élaborés. Malheureusement, même si le film offre des moments d’excitation et de charme, il a du mal à offrir une expérience cohérente et percutante. Intrigue et rythme : L’histoire reprend avec le shérif Nick O’Brien de Gerard Butler qui navigue dans les retombées personnelles et professionnelles, tandis que Donnie Wilson de O’Shea Jackson Jr. se retrouve impliqué dans un braquage audacieux dirigé par une nouvelle équipe. Le récit est ambitieux, mêlant drame de personnages, rivalités mafieuses et intrigue de braquage détaillée. Cependant, le rythme souffre de son scénario surchargé, le film jonglant avec trop d’intrigues secondaires qui diluent le conflit central. Les moments clés de tension sont souvent sapés par des changements de ton brusques ou des détours inutiles, laissant le film inégal et trop long. Personnages et performances : La représentation de Nick O’Brien par Butler reste cohérente, équilibrant l’attitude bourrue et pragmatique du personnage avec des éclairs occasionnels de vulnérabilité. Son alchimie avec Jackson Jr. fournit certains des moments les plus forts du film, car leur alliance difficile ajoute des couches de tension et d’humour. Jackson Jr. offre une solide performance, conférant à Donnie un mélange de ruse et de loyauté réticente. Evin Ahmad, en tant que nouvelle venue Jovanna, apporte une présence imposante à son rôle de chef d’équipe de braquage. Son personnage respire la confiance et la cruauté, même si son histoire est malheureusement sous-explorée. Des acteurs de soutien comme Salvatore Esposito et Meadow Williams contribuent à la dynamique du film, mais leurs rôles semblent souvent unidimensionnels, éclipsés par le récit tentaculaire. Le braquage et les séquences d’action : Le braquage central, qui se déroule dans un coffre-fort de diamants européen, est méticuleusement conçu, mettant en valeur le talent de la franchise pour les projets élaborés. La tension est palpable alors que l’équipage manœuvre à travers une sécurité stricte, et l’utilisation d’une technologie avancée et d’une planification stratégique ajoute une couche rafraîchissante de complexité. Cependant, le résultat semble décevant en raison de rebondissements prévisibles et du manque d’enjeux émotionnels. Les séquences d’action sont exécutées avec compétence, avec des poursuites en voiture et des fusillades à indice d’octane élevé qui maintiennent l’adrénaline. Pourtant, ces moments reposent souvent sur des tropes génériques, dépourvus du côté inventif nécessaire pour les distinguer des autres entrées du genre. Réalisation et rédaction : La mise en scène de Gudegast est utile mais manque de la netteté et de la concentration nécessaires pour élever le matériau. La portée tentaculaire du film joue souvent contre lui, car le récit peine à équilibrer le développement des personnages avec son intrigue complexe. Le dialogue oscille entre une authenticité crue et une exposition maladroite, certaines scènes semblant trop artificielles. La décision de déplacer une partie de l’histoire en Europe ajoute une saveur internationale intrigante, mais le changement de décor ne parvient pas à être pleinement exploité. Le film aurait pu bénéficier d’une concentration plus étroite sur la dynamique entre O’Brien, Donnie et Jovahnna, plutôt que de détourner l’attention vers les personnages auxiliaires et les intrigues secondaires. Visuels et conception de production : Le film possède des valeurs de production impressionnantes, avec une cinématographie élégante capturant le courage urbain de l’Europe et le glamour aux enjeux élevés de la voûte de diamants. Les séquences de braquage sont visuellement attrayantes, avec une attention méticuleuse aux détails dans la scénographie et les accessoires. Cependant, le vernis visuel semble parfois en contradiction avec le ton granuleux de l’histoire, créant un sentiment de dissonance. Thèmes et résonance émotionnelle : Pantera aborde les thèmes de la loyauté, de la trahison et de la survie, mais ces idées ne sont pas explorées avec la profondeur qu’elles méritent. Les relations tendues entre les personnages, en particulier O’Brien et Donnie, offrent un aperçu du poids émotionnel, mais le film donne souvent la priorité au spectacle plutôt qu’au fond. En conséquence, l’histoire manque de la résonance émotionnelle nécessaire pour que ses rebondissements aient un véritable impact. Dans l’ensemble: Le repaire des voleurs 2 : Pantera est une suite ambitieuse qui offre des moments d’excitation et d’intrigue mais qui finit par vaciller sous le poids de son récit alambiqué et de son rythme inégal. Alors que les performances, en particulier de Butler et Jackson Jr., insufflent un peu de vie aux débats, le film a du mal à justifier sa durée d’exécution pléthorique et n’a pas la netteté de son prédécesseur. Les fans du genre braquage trouveront peut-être un certain plaisir dans les schémas élaborés et les séquences d’action, mais ceux qui recherchent une expérience plus cohérente et plus engageante sur le plan émotionnel pourraient être déçus. Agissant – 6/10 Cinématographie/Effets visuels – 6/10 Intrigue/Scénario – 4/10 Cadre/Thème – 5/10 Observabilité – 5/10 Re-regardabilité – 3/10 Avis d’utilisateur 0 (0 voix)
Wallace & Gromit : Vengeance Most Fowl Review : un retour délicieux
Aardman Animations décroche une nouvelle fois l’or avec Wallace & Gromit : Vengeance la plupart des oiseauxune aventure joyeuse et nostalgique qui réintroduit le duo dynamique tout en y intégrant suffisamment de nouveaux éléments pour garder les choses fraîches. Réalisé par Nick Park et Merlin Crossingham, le sixième volet – et deuxième long métrage – ramène l’adorable inventeur Wallace, son fidèle compagnon Gromit et l’un des adversaires les plus rusés de la série, Feathers McGraw. Avec son humour vif, ses visuels complexes et ses thèmes réconfortants, le film fait de Wallace & Gromit des icônes durables de l’animation britannique. Nostalgique mais frais : Revenir dans le monde de Wallace & Gromit, c’est comme enfiler son pull en laine préféré. Les personnages, l’humour et le talent artistique du stop-motion restent toujours aussi charmants. Les fans des courts métrages originaux seront ravis des rappels à Le mauvais pantalon (1993), tandis que les nouveaux arrivants peuvent apprécier le film comme une aventure autonome. Feathers McGraw, le pingouin intrigant de Le mauvais pantalonfait un retour triomphal et sinistre, prouvant qu’il est toujours aussi rusé. Pourtant, sa réapparition est bien plus qu’un simple service aux fans ; il s’inscrit parfaitement dans une intrigue qui équilibre la familiarité avec l’innovation. Un conte fantaisiste avec une résonance moderne : L’histoire, écrite avec esprit et précision, aborde les thèmes de la technologie et de son empiètement sur les connexions humaines (et canines). L’invention par Wallace du Norbot, un nain de jardin robotique, illustre sa dépendance excessive aux gadgets, un thème qui résonne dans le monde saturé de technologie d’aujourd’hui. Gromit, toujours la voix silencieuse mais expressive de la raison, se retrouve marginalisé, conduisant à des moments de profondeur émotionnelle calme au milieu du chaos. Le rythme du film est rapide, avec juste assez de temps pour les personnages avant de plonger dans l’action. La réintroduction de personnages comme l’inspecteur en chef bourru Albert Mackintosh (exprimé par Peter Kay) et l’enthousiaste PC Mukherjee (Lauren Patel) ajoute une dynamique rafraîchissante. Les instincts aiguisés et la détermination de Mukherjee en font un ajout remarquable, et sa chimie avec le duo laisse présager des possibilités passionnantes pour de futures aventures. Animation : Un travail d’amour : Le savoir-faire méticuleux d’Aardman brille dans chaque cadre. L’animation en stop-motion conserve sa sensation artisanale, avec des textures si tangibles que vous pouvez presque sentir le fromage. Norbot, le gnome robotique, est une merveille de design, mêlant maladresse comique et agilité surprenante. Les pitreries des gnomes, en particulier lors de la vague de vols à l’échelle de la ville, constituent une véritable leçon de comédie visuelle. Les décors sont tout aussi impressionnants, allant du chaos douillet de la maison de Wallace et Gromit à la grandeur du musée de la ville et à l’intrigue sombre du zoo. La poursuite culminante du film à travers les canaux et les aqueducs est un moment fort visuel et narratif, mettant en valeur la capacité d’Aardman à combiner suspense et humour en parfaite harmonie. Distribution vocale : un ensemble parfait : Ben Whitehead continue d’incarner Wallace avec chaleur et fantaisie, capturant l’enthousiasme sans limites et l’inconscience occasionnelle de l’inventeur. Peter Kay apporte un délicieux mélange de bourru et d’humour à l’inspecteur en chef Mackintosh, tandis que Lauren Patel insuffle à PC Mukherjee énergie et détermination. Norbot de Reece Shearsmith est une révélation comique, offrant un mélange d’humour pince-sans-rire et de cœur inattendu. Onya Doorstep de Diane Morgan est une voleuse de scène, son esprit sec ajoutant une autre couche à l’humour du film. Humour et coeur : Comme pour tout Wallace et Gromit films, l’humour est un délicieux mélange de burlesques, de jeux de mots et de subtils gags visuels. L’attitude glaciale de Feathers McGraw juxtaposée à la loyauté maladroite des gnomes crée d’innombrables moments de rire aux éclats. Le film fait également des clins d’œil intelligents au cinéma classique et à la culture britannique, récompensant les spectateurs aux yeux d’aigle. Mais derrière l’humour se cache un véritable cœur. La relation évolutive entre Wallace, Gromit et Norbot ajoute un poids émotionnel, aboutissant à une résolution poignante qui met l’accent sur l’importance de la camaraderie et du contact humain (ou canin). Petits soucis : S’il y a un défaut dans Vengeance la plupart des oiseauxc’est la prévisibilité occasionnelle de ses rythmes d’intrigue. Les fans de longue date peuvent s’attendre à certains rebondissements, et même si le charme du film l’emporte sur ce problème, quelques surprises supplémentaires auraient pu rehausser davantage l’expérience. De plus, le temps d’exécution semble légèrement étiré, avec quelques séquences qui durent plus longtemps que nécessaire. Dans l’ensemble: Wallace & Gromit : Vengeance la plupart des oiseaux est un retour triomphal à la forme, mêlant le charme intemporel du duo à une histoire à la fois nostalgique et contemporaine. Le savoir-faire caractéristique d’Aardman, une distribution vocale exceptionnelle et un scénario débordant d’humour et de cœur en font un régal incontournable pour les fans, anciens et nouveaux. Que vous soyez un passionné de longue date de la série ou que vous la découvriez pour la première fois, cette histoire à plumes de vengeance et d’amitié vous laissera forcément sourire comme Wallace devant un coin de Wensleydale. Agissant – 8/10 Cinématographie/Effets visuels – 9/10 Intrigue/Scénario – 7,5/10 Cadre/Thème – 7/10 Observabilité – 8/10 Re-regardabilité – 7/10 Avis d’utilisateur 0 (0 voix)
Sonic the Hedgehog 3 Review : un bond en avant passionnant
La troisième entrée dans le Sonic le hérisson série de films, Sonic le hérisson 3propose une aventure exaltante et chargée d’émotion qui surpasse ses prédécesseurs en termes d’ampleur, de profondeur de personnage et de valeur de divertissement. Réalisé par Jeff Fowler et écrit par Pat Casey, Josh Miller et John Whittington, le film équilibre avec succès l’action rapide, l’humour et les moments sincères, créant un plaisir pour les fans et les nouveaux arrivants. Avec le retour de visages familiers comme Jim Carrey, Ben Schwartz et Idris Elba, et l’introduction de Keanu Reeves et Krysten Ritter dans des rôles clés, le film capture l’essence de la série de jeux vidéo tout en élargissant son univers cinématographique avec une histoire captivante. Une intrigue complexe et engageante : Sonic le hérisson 3 tisse habilement son récit autour de l’arrivée de Shadow the Hedgehog, un personnage moralement ambigu et puissant dont l’histoire tragique alimente l’intrigue. L’introduction de Shadow ajoute une profondeur émotionnelle au film, alors que les thèmes de la vengeance, de la perte et de la rédemption sont explorés. Contrairement aux intrigues simples des films précédents, cet épisode plonge dans un territoire plus sombre et plus complexe, faisant monter les enjeux pour Sonic et ses amis. Le film s’ouvre sur un prologue captivant se déroulant il y a des décennies, établissant les origines de Shadow et son lien avec la famille Robotnik. Cette histoire fonde les motivations du personnage, faisant de lui un antagoniste sympathique mais redoutable. Alors que Shadow fait des ravages, Sonic, Tails et Knuckles doivent faire face à leurs propres défauts, naviguer dans des alliances changeantes et finalement travailler ensemble pour mettre fin à une menace catastrophique. Bien que l’intrigue s’appuie parfois sur des tropes familiers, elle est exécutée avec suffisamment de flair et de sincérité pour garder le public investi. Le rythme est rapide, avec des séquences d’action, des intermèdes comiques et des rythmes émotionnels parfaitement entrecoupés. Performances solides et dynamique des personnages : Ben Schwartz continue d’exceller dans le rôle de la voix de Sonic, insufflant au hérisson bleu une énergie et un charme sans limites. Idris Elba dans le rôle de Knuckles et Colleen O’Shaughnessey dans le rôle de Tails offrent des performances dynamiques, chacun apportant ses traits uniques à la chimie du trio. Le tempérament fougueux de Knuckles et le génie inventif de Tails offrent un équilibre à l’héroïsme impulsif de Sonic. Keanu Reeves brille dans le rôle de Shadow the Hedgehog, offrant une performance nuancée qui capture la nature maussade et le conflit intérieur du personnage. Reeves apporte du sérieux au rôle, faisant de Shadow à la fois un ennemi intimidant et un personnage tragique. Jim Carrey reprend son rôle du Dr Robotnik avec son flair exagéré, tout en incarnant Gerald Robotnik, ajoutant une couche de profondeur surprenante à la dynamique familiale. Krysten Ritter, en tant que directrice de GUN, Rockwell, apporte une autorité pragmatique aux débats, tandis que James Marsden et Tika Sumpter apportent un soutien réconfortant en tant que parents adoptifs de Sonic. L’inclusion de Maria Robotnik, interprétée par Alyla Browne, humanise davantage l’arc de Shadow, rendant son voyage encore plus percutant. Spectacle visuel et action : Visuellement, Sonic le hérisson 3 est un régal pour les yeux. Les séquences d’action du film sont passionnantes et imaginatives, mettant en valeur les capacités uniques des personnages de manière créative. Des poursuites à grande vitesse à travers Tokyo aux batailles intenses à bord d’une arme orbitale, les décors sont plus grandioses et plus raffinés que dans les épisodes précédents. Les effets spéciaux donnent vie à Sonic, Shadow et leurs pouvoirs avec des détails impressionnants. Les séquences de transformation, en particulier celles impliquant les Chaos Emeralds, sont visuellement époustouflantes et suscitent un sentiment de crainte. Le film fait également un travail fantastique en mélangeant des éléments d’action réelle et CGI, en conservant une esthétique cohérente et immersive. Humour et coeur : Même si les enjeux sont plus importants et le ton plus sombre, le film ne perd pas pour autant son sens de l’humour. Les plaisanteries de Sonic et les remarques involontairement drôles de Knuckles provoquent beaucoup de rires, tandis que le sérieux de Tails ajoute une couche d’innocence. L’humour est au bon moment, sans jamais miner le poids émotionnel de l’histoire. À la base, Sonic le hérisson 3 parle d’amitié, de famille et de recherche d’un but au-delà de la vengeance. Ces thèmes résonnent tout au long du film, culminant dans un point culminant satisfaisant et chargé d’émotion. Domaines d’amélioration : Malgré ses nombreux atouts, le film n’est pas sans défauts. L’intrigue secondaire impliquant la poursuite de Sonic, Tails et Knuckles par GUN semble sous-développée, Rockwell de Krysten Ritter bénéficiant d’un temps d’écran limité. De plus, certains personnages secondaires, comme l’agent Stone et Wade Whipple, sont sous-utilisés, servant davantage de soulagement comique que de contributeurs significatifs à l’intrigue. La durée du film, bien que justifiée par son histoire ambitieuse, aurait pu être raccourcie par endroits pour maintenir un rythme plus serré. Quelques scènes lourdes d’exposition ralentissent l’élan, notamment dans le deuxième acte. Un moment déterminant pour la franchise : Sonic le hérisson 3 marque un tournant pour la série, consolidant sa place comme l’une des meilleures adaptations de jeux vidéo au cinéma. En équilibrant le service des fans avec un récit captivant et une narration axée sur les personnages, le film atteint un niveau de qualité qui le distingue des films à succès habituels. Les fans des jeux apprécieront la représentation fidèle de personnages comme Shadow et l’incorporation d’éléments emblématiques comme les Chaos Emeralds. Pendant ce temps, les nouveaux arrivants trouveront de quoi profiter de l’humour, du cœur et du spectacle plein d’action du film. Dans l’ensemble: Sonic le hérisson 3 est un volet triomphal et passionnant qui améliore ses prédécesseurs dans presque tous les sens. Bien qu’il ne soit pas sans imperfections, le film offre une histoire captivante, des performances mémorables et des visuels à couper le souffle qui raviront le public de tous âges. Agissant – 7/10 Cinématographie/Effets visuels – 7,5/10 Intrigue/Scénario – 7/10 Cadre/Thème – 7/10
Oh, Canada Review : Explorer la vérité et l’héritage
Celui de Paul Schrader Oh, le Canada se présente comme une réflexion poignante sur la vérité, l’héritage et les complexités de l’auto-mythification. Adapté du roman 2021 de Russell Banks Renoncementle film réunit Schrader avec Richard Gere, livrant un portrait austère et sans faille d’un homme dont la personnalité publique soigneusement organisée commence à s’effriter au crépuscule de sa vie. Avec Gere à la tête d’un ensemble stellaire et Jacob Elordi apportant une intensité viscérale aux séquences de flashback, Oh, le Canada Il s’agit autant d’un examen de soi que d’une prise en compte des dommages collatéraux de l’ambition. Une histoire de mensonges dénoués : Oh, le Canada se concentre sur Leonard « Leo » Fife (Richard Gere), un célèbre cinéaste canadien vénéré pour ses documentaires provocateurs et ses idéaux progressistes. Mais alors que la vie de Leo touche à sa fin, sa santé se détériorant à cause d’un cancer en phase terminale, il passe un dernier entretien. Ce qui commence comme une rétrospective de son illustre carrière se transforme en une confession profondément personnelle de ses échecs moraux. À travers des flashbacks et des révélations actuelles, Schrader décortique les différentes facettes de la vie de Leo pour révéler un homme aussi imparfait et contradictoire que les idéaux qu’il défendait autrefois. La double chronologie du film est ancrée par Gere et Jacob Elordi, qui dépeint Leo comme un jeune homme. Le portrait d’Elordi d’un artiste ambitieux mais égoïste capture les contradictions qui définissent le caractère de Leo, tandis que Gere apporte du sérieux au Lion d’aujourd’hui, un homme à la fois hanté par la culpabilité et enhardi par le besoin de dire sa vérité. Cette interaction de chronologies permet à Schrader de tisser un récit à la fois intime et expansif, racontant le voyage de Leo, de l’idéalisme à la tromperie égoïste. Une collaboration ravivée : Oh, le Canada marque la deuxième collaboration de Schrader avec Gere, des décennies après leur travail sur Gigolo américain (1980). La performance de Gere est discrète mais profondément touchante, capturant la lutte de Leo contre la fragilité physique et la vulnérabilité émotionnelle. Son portrait nuancé élève le film, attirant le public dans les confessions de Leo tout en laissant place à l’ambiguïté. Jacob Elordi, quant à lui, se révèle un homologue convaincant, conférant au jeune Leo un mélange de charisme et d’insouciance qui rend ses actions ultérieures d’autant plus dévastatrices. Uma Thurman offre une performance discrète et puissante dans le rôle d’Emma, l’épouse qui souffre depuis longtemps. Son personnage navigue sur un terrain émotionnel complexe, déchiré entre la loyauté envers Leo et son propre sens de l’intégrité. Malcolm de Michael Imperioli, ancien étudiant devenu documentariste, sert de catalyseur aux révélations de Leo, équilibrant admiration et désillusion alors qu’il découvre la vérité derrière l’héritage de son mentor. Le style signature de Schrader : Le style caractéristique de Schrader, marqué par des visuels sobres et des études de personnages introspectives, est pleinement mis en valeur dans Oh, le Canada. La cinématographie du film, dirigée par Andrew Wonder, utilise des tons sourds et un cadrage minimaliste pour souligner le poids émotionnel de l’histoire. Les scènes qui se déroulent dans le présent sont austères et claustrophobes, reflétant la détérioration de l’état de Leo et le confinement de ses souvenirs. En revanche, les flashbacks sont imprégnés d’une qualité onirique, soulignant la nostalgie et l’idéalisme qui déforment souvent la vérité. Le rythme du film est délibéré, permettant au poids des confessions de Leo de s’imprégner tout en donnant au public le temps de reconstituer le récit fragmenté. Même si cette approche mesurée peut parfois sembler lente, elle sert en fin de compte la profondeur thématique de l’histoire, renforçant l’idée selon laquelle tenir compte du passé est un processus graduel et souvent douloureux. Thèmes de l’héritage et de l’identité : Oh, le Canada est une méditation sur la tension entre identité publique et privée. L’image soigneusement construite de Leo en tant qu’icône progressiste contraste fortement avec les choix égoïstes et souvent cruels qu’il a faits dans sa vie personnelle. À travers les confessions de Leo, Schrader explore la manière dont les individus construisent leurs propres récits pour justifier leurs actions, ainsi que l’impact de ces récits sur les personnes qui les entourent. Le film explore également le concept d’héritage artistique, se demandant si la valeur de l’œuvre de Leo est diminuée par les échecs moraux de son créateur. Cette tension s’incarne dans le personnage de Malcolm, qui commence l’interview en tant qu’admirateur des films de Leo mais évolue progressivement vers une perspective plus critique à mesure que la vérité éclate au grand jour. Quelques trébuchements en cours de route : Malgré ses atouts, Oh, le Canada n’est pas sans défauts. Le recours massif du film aux flashbacks perturbe parfois le flux narratif, et certaines transitions entre les chronologies semblent discordantes. De plus, même si les acteurs secondaires offrent de solides performances, quelques personnages, en particulier Diana (Victoria Hill), se sentent sous-développés, laissant leurs arcs émotionnels moins percutants qu’ils n’auraient pu l’être. Le dialogue, bien que souvent incisif, vire parfois à l’exposition, notamment dans les scènes où Léo s’adresse directement à la caméra. Ces moments, bien que thématiquement riches, peuvent sembler trop didactiques, nuisant à la narration par ailleurs subtile du film. Un adieu qui fait réfléchir : Oh, le Canada est un film qui s’attarde longtemps après le générique, mettant le public au défi de se débattre avec des questions de vérité, d’héritage et du coût de l’ambition. La mise en scène de Schrader, associée aux performances remarquables de Gere et Elordi, garantit que le film résonne à la fois sur le plan intellectuel et émotionnel. Même s’il n’atteint peut-être pas les sommets du meilleur travail de Schrader, il constitue un ajout précieux à sa filmographie : une exploration poignante et stimulante d’un homme acceptant le poids de son propre mythe. Dans l’ensemble: Avec son récit introspectif et ses performances convaincantes, Oh, le Canada mérite sa place en tant que drame aussi complexe et multiforme que son protagoniste. La mise en scène de Schrader et