En ce moment G20 Revue de film Nous discutons d’un thriller d’action avec les émissions d’un géopolitique Mourir durla réalisatrice Patricia Riggen place le front et le centre de l’Oscar, victoriel de Davis, en tant que présidente américaine forcée de retourner à ses racines militaires lorsque les terroristes prennent le contrôle d’un sommet international à enjeux élevés. Malgré une prémisse opportune et un casting rempli de talents, le film offre plus de formule que la puissance de feu. Avec un script lourd, un dialogue maladroit et un rythme inégal, G20 Finalement, les mèches de son potentiel, devenant une entrée de genre intermédiaire qui s’appuie trop sur les tropes sans gagner la tension dont ils ont besoin. Installation: La configuration est indéniablement audacieuse. La présidente Danielle Sutton (Viola Davis) est non seulement un vétéran militaire décoré, mais aussi un chef d’État assis pris dans un siège brutal lors d’un sommet du G20 à Cape Town. Lorsqu’une équipe de mercenaires, dirigée par le méchant Edward Rutledge (Antony Starr), prennent d’assaut le lieu, Sutton doit s’appuyer sur sa formation au combat pour protéger les dirigeants mondiaux, sa propre famille et l’équilibre fragile du pouvoir mondial. Au centre de cette tempête se trouve Davis, dont la gravité ancre le film, élevant même ses scènes les plus clichées. Qu’elle regarde le canon d’un pistolet ou prononce un discours excitant sur l’équité économique, Davis incarne une femme équilibrant la férocité avec la diplomatie. Sa performance physique est aussi convaincante que sa gamme émotionnelle, et sa présence continue G20 de l’inclinaison dans la médiocrité directe à la diffusion. Cependant, même son excellence ne peut pas surmonter un scénario qui se sent surchargé et sous-développé. Un script faible: Les écrivains Caitlin Parrish, Erica Weiss et les Miller Brothers chargent le scénario avec des préoccupations d’actualité – la crypto-monnaie, la corruption mondiale, l’inégalité économique et la désinformation via Deep Fakes – mais ces thèmes sont explorés à la surface. Plutôt que de plonger dans la nuance d’un problème, le film les utilise comme habillage de fenêtre pour justifier des battements d’action. Le résultat est un patchwork de angoisses modernes filtrées à travers le spectacle de genre, avec peu de place pour respirer. Les séquences d’action sont compétentes mais rarement inventives. Il y a une sensation utilitaire pour la chorégraphie, les armes à feu, les corps tombent et l’alto davis envoie des méchants avec une efficacité brute – mais il y a peu de pièces hors pair. Une confrontation en hélicoptère en retard de fin Le rythme est inégal, rebondissant du drame familial à la diplomatie mondiale en passant par les pompiers sans une forte tonale à travers la ligne. Le premier acte est embourbé par l’exposition et le développement des personnages minces, en particulier en ce qui concerne les enfants de Sutton Serena (Marsai Martin) et Demetrius (Christopher Farrar), et son mari Derek (Anthony Anderson). Alors que la première famille ajoute des enjeux, leur dynamique se sent plus esquissée que la vie. Soutenir les acteurs qui se sentent sous-utilisés: Antony Starr, mieux connu pour Les garçonsjoue Rutledge avec intensité, mais le personnage se sent décevant. Son cyber-terrorisme, enraciné dans la trahison et le chagrin, aurait pu être convaincant, mais le film le réduit à des macguffins de haute technologie. Les joueurs de soutien comme Ramón Rodríguez (agent Manny Ruiz) et Elizabeth Marvel (secrétaire du Trésor Joanna Worth) sont compétents mais sous-utilisés. L’ensemble, dont Clark Gregg, Sabrina impacciatore et Douglas Hodge, sont principalement mis à l’écart comme des otages ou des bavardages d’arrière-plan. Direction terne: La plate-forme, connue pour Le 33dirige avec compétence mais sans flair. La cinématographie est plate et l’hôtel manque de personnalité. Les tentatives de montrer l’urgence mondiale via les coupes médiatiques tombent à plat. Le score offre des tambours et des cordes de gonflement, mais ajoute peu d’émotion ou de tension. Viola Davis est la vedette: Viola Davis est la raison de regarder G20. Elle livre la gravité, la physicalité et l’équilibre qui élèvent le matériau. Sa performance rend l’absurde possible, du moins un instant. Malheureusement, le reste du film monte rarement pour atteindre son niveau. Thématiquement, G20 veut dire quelque chose sur la technologie, le leadership et la confiance. Mais avec des caractères minces et une exécution dispersée, il en dit peu de valeur durable. Dans l’ensemble: G20 se sent comme une occasion manquée. Avec Viola Davis en tête et une prémisse pertinente à l’échelle mondiale, il a eu la chance d’être quelque chose de génial. Au lieu de cela, c’est un thriller d’action générique avec quelques points forts et beaucoup de potentiel gaspillé. G20 A les os d’un thriller politique intelligent, et Viola Davis lui donne tout ce qu’elle a. Mais l’écriture maladroite et la direction plate la retiennent de la grandeur. Ça vaut la peine de surveiller pour les fans de Air Force One ou Le roi femmemais tempérez vos attentes. Revue du G20: a du mal à s’élever au-dessus de sa propre prémisse Agir – 5/10 Cinématographie / effets visuels – 4.5 / 10 Plot / scénario – 5/10 Réglage / thème – 6/10 Watchability – 5/10 REWATCHABILITÉ – 3/10 Révision des utilisateurs 0 (0 votes) Résumé G20 Décourmente avec une prémisse audacieuse et une performance puissante de Viola Davis, jouant un président américain forcé de redevenir un soldat lorsque des terroristes reprennent un sommet mondial. La réalisatrice Patricia Riggen fabrique un thriller intense et spanning qui mélange le suspense géopolitique avec une action à haute octane. Mais malgré de solides performances et des décors dynamiques, le film a du mal à équilibrer son concept net avec des intrigues secondaires souscrites et des rôles de soutien qui s’estompent en arrière-plan. Finalement, G20 atterrit quelque part entre Air Force One et Le roi femme– ambitieux, opportun, mais pas aussi explosif qu’il vise à l’être. Pros Viola Davis commande l’écran avec une performance physiquement et émotionnellement fondée. Fusion unique du drame politique et du thriller d’action. L’utilisation cinématographique du Cap apporte un flair international. Inconvénients Les personnages de soutien manquent de profondeur. Le
Rami Malek ancre un thriller d’espion lisse mais inégal
Dans James Hawes ‘ L’amateurun cryptographe cérébral se transforme en un justicier frappé de chagrin, déclenchant une chaîne sanglante de rétribution dans les couloirs secrètes de la CIA. Basé sur le roman de Robert Littell en 1981 – adapté à la même année dans un film canadien – ces tentatives de réinventure de mélanger le drame psychologique avec une action granuleuse. Le résultat est un thriller d’espionnage utile, quoique incohérent, soutenu par de fortes performances et une direction visuelle frappante, même si elle trébuche sous le poids de ses aspirations de genre et de ses artifices narratifs. La configuration: Rami Malek joue le rôle de Charles «Charlie» Heller, un brise-code de la CIA avec peu d’intérêt pour le travail sur le terrain ou la confrontation – jusqu’à sa femme Sarah (Rachel Brosnahan, percutant en temps d’écran limité) est tué dans un bombardement terroriste à Londres. Le chagrin de Heller est immédiat, brut et perturbateur. Il regarde, impuissant, comme une grêle bureaucratique interne et un calcul géopolitique empêchent l’agence de poursuivre les responsables. Lorsque Charlie se rend compte que la justice ne passera pas par les canaux officiels, il prend les choses en main – d’abord en faisant chanter la CIA avec des dossiers classifiés, puis en les contraignant pour le former en tant qu’opérateur sur le terrain. De là, L’amateur Lance dans un territoire familier d’espionnage: les villes étrangères baignées dans l’ombre, les jeux de surveillance des couteaux et les assassinats brutaux réalisés dans des ruelles serrées et des ambassades opulent. Mais Hawes, dans son deuxième long métrage après une carrière qui a dirigé la télévision de prestige (Chevaux lents, Miroir noir), maintient un ton plus restreint et réfléchi que le genre à haut octane ne le suggère souvent. Le film ne pose pas seulement la question de ce que le chagrin peut faire à un homme – il se fixe, traitant la détérioration émotionnelle de Charlie autant partie de l’arc narratif comme son progrès tactique. Rami Malek offre une performance solide: La performance de Malek est au cœur de cet acte d’équilibrage. Il y a un désespoir tranquille sous sa livraison de ligne mesurée, une tension nerveuse dans sa posture. Charlie n’est pas un tueur naturel, et il n’est jamais vraiment à l’aise dans le rôle d’action Hero. En fait, les séquences les plus efficaces du film mettent en évidence son imprécision – ses hésitations, ses trébuchements et ses crises de panique contrastent fortement avec le professionnalisme cool de ceux qui l’entourent. Dans une mission précoce exceptionnelle, Charlie botche une tentative de queue, et la caméra s’attarde sur son visage alors qu’il traite à quel point il est danger. Ces moments font L’amateur plus engageant psychologiquement que la plupart des entrées de son genre. Cependant, le script, crédité à Ken Nolan (Black Hawk Down) et Gary Spinelli (Made américain), a souvent du mal à intégrer les nuances de caractère aux battements attendus d’un thriller d’espionnage. La transformation de Desk Jockey en Assassin Lone n’est ni plausible ni aussi convaincant que les cinéastes. Alors que le film prend des douleurs pour souligner les vulnérabilités de Charlie, elle s’attend également à ce que nous achetions son évolution en un agent capable au cours d’un montage d’entraînement et de quelques scènes de mentorat avec Robert Henderson (une forte Fishburne, forte à Laurence, qui existe de la chaleur et de la gravité). Il y a une dissonance cognitive pour regarder Charlie envahir les tueurs formés avec une précision proche du Bourne tout en tremblant des flashbacks du SSPT. Couloir de soutien: Le casting de soutien aide à porter le poids émotionnel et thématique. Caitríona Balfe est énigmatique en tant qu’enquiline Davies, dont le pragmatisme froid joue bien contre l’urgence morale de Charlie. Michael Stuhlbarg transforme une performance discrètement menaçante alors que Sean Schiller, dont les interactions avec Charlie offrent certains des dialogues le plus en couches du film – des conversations qui font allusion à une pourriture éthique plus large au sein de la communauté du renseignement. Julianne Nicholson, bien que sous-utilisée, ajoute Gravitas dans ses brèves scènes, rappelant le monde que Charlie laisse derrière lui. Moody et sombre: Le directeur de la photographie Martin Ruhe donne au film une palette élégante et muette qui complète son ton sombre. Londres et Prague deviennent des terrains de jeux fantomatiques pour la guerre secrète – des rues clignotantes, des couloirs faiblement éclairés et des bureaux à parois de verre qui semblent conçues pour refléter les loyauté fracturée des personnages et leur isolement. Les scènes d’action, lorsqu’ils arrivent, sont efficaces et brutales, plus fondées sur le désespoir que le spectacle. Un morceau de jeu en fin de film dans une forêt enneigée a une beauté étrange qui élève momentanément le film en quelque chose de plus mythique. Rythme et autres défauts: Malgré ces forces, le rythme vacille dans le deuxième acte. Alors que Charlie se rapproche de ses cibles, le film s’intéresse moins à explorer les conséquences de la vengeance et plus soucieuses de terminer un arc narratif familier. Les battements émotionnels sont précipités, les motivations floues et une intrigue secondaire impliquant une taupe potentielle au sein de l’agence se sent sous-développée. Il y a aussi une incohérence tonale qui afflige le film tout au long – il veut être une méditation axée sur les personnages sur la perte, mais aussi un thriller de vengeance élégant, et il ne réconciliait jamais complètement ces ambitions. Ce qui est peut-être le plus frustrant, c’est que L’amateur Flirte avec un territoire thématique plus profond – ce que cela signifie de rechercher la justice par la violence, comment les institutions cooptent le chagrin et le coût des vendettas personnelles – mais se retire souvent dans la formule tout comme elle approche quelque chose de profond. Le film semble le plus vivant lorsqu’il est fondé sur la tension psychologique, et le moins efficace lorsqu’il se penche dans la sténographie du film d’action. On ne peut s’empêcher de souhaiter qu’il se soit engagé plus pleinement aux questions existentielles qu’elle soulève dans
Un retour amusant mais inégal dans l’esprit de Riley
Pixar Animation Studios revient dans le monde coloré et inventif de À l’envers avec Productions de rêveune mini-série animée de quatre épisodes diffusée sur Disney+. Développé par Mike Jones comme une interquelle entre À l’envers (2015) et sa suite À l’envers 2 (2024), la série plonge dans le royaume des rêves, explorant une nouvelle dimension de l’esprit de Riley Andersen. Bien que la série réussisse à mettre en valeur la créativité et l’humour caractéristiques de Pixar, elle faiblit parfois en raison d’un rythme inégal et d’arcs de personnages sous-développés. Un concept imaginatif avec une exécution mixte : À la base, Productions de rêve présente aux téléspectateurs Paula Persimmon (exprimée avec un esprit délicieux par Paula Pell), une réalisatrice de rêves accomplie mais surmenée dans l’esprit de Riley. Chargée de créer des rêves significatifs pour Riley alors qu’elle traverse l’adolescence, le monde de Paula est bouleversé lorsqu’elle s’associe à Xeni (exprimé par Richard Ayoade), un réalisateur de rêverie prétentieux avec des idées grandioses sur la refonte du paysage onirique. Ensemble, ils se lancent dans un voyage de rivalité, de collaboration et de découverte de soi. La prémisse est pleine de potentiel, offrant un regard fascinant sur une partie jusqu’alors inexplorée de l’esprit de Riley. L’animation capture le monde onirique avec des visuels vibrants et surréalistes, mélangeant des éléments familiers de À l’envers avec des designs audacieux et expérimentaux. Des décors de rêve fastueux aux personnages fantaisistes comme Rainbow Unicorn, la série déborde de créativité. Cependant, le rythme de la série semble parfois précipité, car elle tente de condenser le développement important des personnages et l’exploration thématique en seulement quatre épisodes. Un nouveau casting brille, mais les personnages hérités se sentent sous-utilisés : Le casting de voix est un moment fort de Productions de rêve. Paula Pell insuffle à Paula Persimmon du charme, de l’humour et une touche de vulnérabilité, faisant d’elle une protagoniste attachante. Xeni de Richard Ayoade est tout aussi mémorable, équilibrant arrogance et charme avec un esprit sec qui met à merveille la performance de Pell. Maya Rudolph dans le rôle de Jean Dewberry, la directrice pragmatique de Dream Productions, offre une performance remarquable, ajoutant des couches à son personnage qui font d’elle plus qu’un antagoniste stéréotypé. Kensington Tallman fait également un travail absolument fantastique en interprétant Riley Andersen, reprenant son rôle de voix dans À l’envers 2. Cependant, les fans de l’original À l’envers peut trouver décevante la présence limitée de personnages hérités comme Joy (Amy Poehler). Leurs apparitions ressemblent plus à des clins d’œil obligatoires à la franchise qu’à des contributions significatives à l’histoire. Bien que l’accent mis sur les nouveaux personnages soit une évolution bienvenue, une intégration plus forte de la distribution originale aurait pu ajouter une profondeur émotionnelle. Explorer les thèmes de la créativité et de la collaboration : En son cœur, Productions de rêve explore les thèmes de la créativité, de la collaboration et des défis liés à l’équilibre entre innovation et tradition. Le parcours de Paula est passionnant, mettant en évidence la tension entre le maintien de son intégrité créative et l’adaptation aux nouvelles idées. La dynamique entre Paula et Xeni souligne l’importance du compromis et du travail d’équipe, même face à des personnalités conflictuelles. La série se penche également sur la psyché changeante de Riley alors qu’elle entre dans ses préadolescentes. Bien que Riley elle-même reste en grande partie hors écran, sa croissance émotionnelle se reflète dans les scénarios de rêve créés par Paula et son équipe. Cette narration indirecte est un dispositif narratif intelligent, mais elle laisse parfois la présence de Riley trop périphérique à l’intrigue principale. Humour et cœur à parts égales : Le mélange d’humour et de cœur caractéristique de Pixar est pleinement exposé dans Productions de rêve. La série équilibre les moments légers et poignants, capturant souvent l’essence douce-amère du fait de grandir. Les remarques sarcastiques de Xeni et les réponses exaspérées de Paula suscitent beaucoup de rires, tandis que des scènes plus calmes, comme Paula réfléchissant à sa connexion avec Riley, ajoutent une résonance émotionnelle. Cela dit, l’humour vire parfois en territoire prévisible, s’appuyant sur des gags qui perdent de leur charme avec le temps. Par exemple, les faux pas fréquents de Rainbow Unicorn, bien qu’amusants au début, commencent à se sentir surutilisés à la fin de la série. Un peu plus de variété dans les rythmes comiques aurait pu améliorer l’expérience globale. Le spectacle visuel rencontre l’éclat musical : Visuellement, Productions de rêve est un régal pour les yeux. Les séquences de rêve sont remplies de décors imaginatifs, des salles de bal étincelantes aux paysages oniriques chaotiques débordant d’images surréalistes. L’équipe d’animation excelle à repousser les limites de ce à quoi peuvent ressembler les rêves, en créant un kaléidoscope de couleurs et de textures qui maintiennent l’attention du spectateur. La série bénéficie également de la partition envoûtante de Nami Melumad, qui complète parfaitement le ton fantaisiste. Des mélodies ludiques lors de moments comiques aux thèmes orchestraux radicaux dans des scènes émotionnelles, la musique améliore la narration et ajoute une couche supplémentaire de magie aux visuels. Une finale précipitée laisse des questions sans réponse : Alors que Productions de rêve commence fort, sa conclusion semble précipitée et trop pratique. Les conflits clés sont résolus trop rapidement et certains arcs de personnages ne reçoivent pas la récompense satisfaisante qu’ils méritent. Par exemple, l’évolution de la relation entre Paula et Xeni, bien qu’agréable, aurait pu être explorée plus en profondeur avec plus de temps. De même, le scénario de Jean Dewberry, qui commence par une promesse, se termine sur une note quelque peu anticlimatique. La brève durée d’exécution de la série est à la fois une force et une faiblesse : elle permet un récit concis et ciblé, mais laisse également peu de place à la riche construction du monde et au développement des personnages que les fans attendent de Pixar. Un pas en avant pour la franchise : Malgré ses défauts, Productions de rêve est un ajout bienvenu au À l’envers univers. Il développe le concept du film original de manière créative, offrant
Spaceman Review : Un voyage inégal à travers l’espace et les sentiments
Celui de Johan Renck Astronauteadapté du roman de Jaroslav Kalfař de 2017 Astronaute de Bohême, se lance dans un voyage céleste visant à explorer non seulement les vastes inconnues de l’univers, mais également le labyrinthe complexe des émotions et des relations humaines. Alors que sa prémisse promet un mélange d’intrigue de science-fiction et de drame profond, l’exécution serpente malheureusement, ce qui donne lieu à un film aussi désorienté que son personnage principal. Le casting de stars, dirigé par Adam Sandler et Carey Mulligan, offre des performances louables mais se bat contre un scénario qui ne parvient pas tout à fait à décoller. L’intrigue est centrée sur Jakub Procházka, interprété par Adam Sandler, un astronaute tchèque envoyé en mission solo pionnière pour enquêter sur le nuage Chopra, un mystérieux phénomène cosmique. Le film tente de manière ambitieuse de naviguer dans la dynamique interstellaire et interpersonnelle complexe de la vie de Jakub, en mettant l’accent sur son isolement et son désir de connexion avec son ex-épouse, Lenka, interprétée par Carey Mulligan. Cependant, il trébuche dans la traduction à l’écran de la gravité émotionnelle et de la profondeur psychologique de son matériau source, sacrifiant souvent la cohérence au profit de l’abstraction artistique. Alors que la solitude de Jakub s’intensifie, il rencontre Hanuš, une araignée extraterrestre télépathique exprimée par Paul Dano, à bord de son vaisseau spatial. Hanuš cherche à comprendre l’humanité à travers les expériences et les souvenirs de Jakub, ouvrant la voie à ce qui aurait pu être une exploration approfondie de la condition humaine. Pourtant, les interactions entre Jakub et Hanuš, censées être le cœur du film, semblent souvent forcées. Il leur manque la résonance émotionnelle nécessaire pour impliquer pleinement le spectateur. La performance vocale de Dano est l’un des points forts du film, apportant chaleur et curiosité au personnage de Hanuš. Cependant, la qualité de la représentation CGI de Hanuš fluctue. Tirant parfois le spectateur de l’immersion que le récit cherche désespérément à réaliser. Le choix d’Adam Sandler dans le rôle de Jakub est une arme à double tranchant. Alors que Sandler a prouvé ses capacités dramatiques dans des films tels que Pierres précieuses non tailléessa performance dans Astronaute oscille inégalement entre véritablement touchant et maladroitement déplacé. Le fait que le film s’appuie fortement sur Sandler pour porter le poids émotionnel et philosophique de l’histoire expose ses faiblesses structurelles, en particulier dans son rythme et sa cohésion narrative. Carey Mulligan, dans le rôle de Lenka, livre une performance nuancée qui est malheureusement limitée par le développement limité de son personnage. L’histoire ne fournit pas suffisamment de contexte ou de temps d’écran pour le point de vue de Lenka. Ainsi, son rôle semble sous-utilisé et sa relation avec Jakub sous-développée. La présentation visuelle et les effets spéciaux du film sont mitigés. Si certaines séquences sont visuellement époustouflantes, d’autres souffrent d’apparentes contraintes budgétaires. Ils entravent l’ambition esthétique globale. La mise en scène de Johan Renck s’efforce d’adopter un ton lyrique et contemplatif. Malheureusement, cela finit souvent par des méandres, perdant de vue la dynamique et la clarté narratives. Le scénario, écrit par Colby Day, aborde de manière ambitieuse les thèmes de l’isolement, de la rédemption et du besoin humain de connexion. Cependant, il a du mal à équilibrer les éléments de science-fiction avec les questions émotionnelles et philosophiques plus profondes qu’il pose. Le dialogue, qui vise la profondeur poétique, atterrit parfois avec un bruit sourd, gêné par sa propre gravité. Le point culminant du film cherche à fournir une résolution cathartique mais laisse au lieu de cela de nombreux fils thématiques frustrants non résolus. Dans l’ensemble: Malgré ses défauts, Astronaute n’est pas sans mérite. L’ambition du film, tant dans ses aspirations thématiques que dans sa narration visuelle, est louable. Lorsqu’il parvient à aligner son récit, ses performances et ses visuels, il réalise des moments d’une véritable beauté et d’une résonance émotionnelle. L’enquête du film sur la fragilité des liens humains par rapport au cosmos infini est louable. Astronaute atteint les étoiles mais ne parvient finalement pas à saisir pleinement la profondeur thématique et la cohérence narrative à laquelle il aspire. C’est un film qui oscille entre des moments de véritable potentiel et des segments de sous-performance décourageante. Certains trouveront peut-être que ses performances et sa splendeur visuelle occasionnelle valent la peine d’être vues. Cependant, d’autres pourraient trouver cela décevant comme un voyage à travers l’espace et l’émotion humaine. Spaceman trouve sa place dans la vaste zone inconnue entre le succès et l’échec. Spaceman Review : Un voyage inégal à travers l’espace et les sentiments Agissant – 7/10 Cinématographie/Effets visuels – 6,5/10 Intrigue/Scénario – 4/10 Cadre/Thème – 4/10 Observabilité – 5/10 Re-regardabilité – 4/10