★★ Londres, 1934. Le critique de théâtre acide du Daily Chronicle tourmente une actrice populaire mais d’un manque d’assurance paralysant à travers une séquence de critiques joyeusement au vitriol. Il s’appelle Ian McKellen, elle s’appelle Gemma Arterton. Ensemble, ils élèvent un effort autrement médiocre du Bissextile réalisateur Anand Tucker. Eux, et une poignée de barbes extrêmement méchantes dans un scénario de Patrick Marber, faisant son retour tant attendu au cinéma. Où Le critique possède une ligne de force, cependant, l’ensemble plus large n’a pas la moitié du zeste et de la saveur. Jimmy Erskine n’est pas qu’un critique de théâtre. Doté d’un don verbeux pour le vocabulaire, Erskine est un pilier du Chronicle depuis quatre décennies et le favori de son rédacteur en chef effréné de droite. De plus, Erskine est également un homosexuel enragé et sans vergogne à une époque où l’être, c’était être un criminel de premier ordre. Cela ne dérange pas le grand écrivain lui-même. Pas du tout. En effet, l’apparente indifférence d’Erskine lui offre le luxe de vivre avec son amant – et secrétaire – Tom (Alfred Enoch), tout en assaisonnant leur relation avec des relations sexuelles régulières avec une prostituée du parc. Erskine est connu pour aimer ça « dur ». On ne sait pas vraiment pourquoi Erskine s’en prend avec autant de ferveur à Nina Land d’Arterton, dont la présence scénique ne semble justifier ni l’adoration populaire ni la fustige critique. De son côté, Nina ne se soucie que du jugement d’Erskine. Après tout, c’est la lecture de ses réflexions sur l’art du théâtre qui a inspiré Nina à se produire sur scène. Mais ici et maintenant, Nina ne trouve plus de joie dans une telle lecture. “Au cours des dix dernières années, déplore-t-elle, vous m’avez comparée au bétail, aux créatures marines et à un oiseau disparu”. Ceci, à la suite d’un travail de hache particulièrement macabre, dans lequel Erskine se moque de Nina en la qualifiant de « couverture mouillée » avec un « gros cul ». C’est en explorant la relation entre star et critique que Tucker trouve son film le plus convaincant. Le besoin désespéré de Nina de plaire s’intensifie à chaque nouvelle critique, mais la négativité du Chronicle semble avoir peu d’influence sur son succès commercial et le flux de rôles qui lui sont proposés. En consultant Erskine – en soi une curieuse manifestation d’une conversation qui se produit rarement dans la vraie vie – Nina découvre la racine de sa négativité. Erskine ne déteste apparemment pas Nina, mais éprouve une profonde déception chaque fois qu’elle ne répond pas à ses attentes exigeantes. Malheur à ceux qui ne correspondent pas à l’image d’Erskine d’une petite Angleterre très particulière. Et pourtant, en explorant cette dichotomie, Le critique lui-même déçoit. Trop tôt, les questions ouvertes sont abandonnées. Il est entendu ici que les acteurs recherchent l’approbation du critique, mais que l’inverse de la dichotomie reste intact. Pourquoi Jimmy écrit-il ? Est-ce un pur plaisir ou une revanche pour une carrière qu’il n’a pas pu soutenir. Hélas, trop vite, la conversation cède la place à quelque chose de plus soupe. C’est le reste d’une intrigue tirée du roman d’Anthony Quinn – Curtain Call – sur lequel est basé le film. Une histoire de plus en plus moribonde de chantage, de subterfuge et de suicide. Marber laisse présager des frissons mais se replie sur les drames les plus doux. Alors que des mélodies morbides jaillissent d’une partition de touches de piano enfoncées, il est difficile de ne pas manquer le crépitement plus aigu de la tierce d’ouverture. Imperturbable, McKellen maintient sa part de pétillant tout au long, dévorant l’opportunité dramaturgique d’embrasser les penchants de plus en plus malodorants d’Erskine. Arterton, lui aussi, s’épanouit dans une ostentation performative alors que Nina sombre dans un désespoir de plus en plus rapide. Tucker a moins de chance de capitaliser sur le potentiel de son ensemble plus large, Lesley Manville, Romola Garai et Mark Strong étant tous sous-utilisés. À cette fin, il s’agit d’un instrument à deux mains qui passe à la pièce de chambre sans vraiment toucher au cœur de l’un ou l’autre. TS
Beetlejuice Beetlejuice | Revue | Le blog du cinéma
★★★ Ils ne les font plus comme ça. L’ont-ils déjà fait ? Si la convention veut qu’un film moyen suive au moins une certaine forme de progression logique, la réponse ne peut être que non. Jus de Beetle Jus de Beetle – la suite au titre plutôt merveilleux du « juice » original de 1988 – est une offre aussi loufoque que tout ce qui figure dans le catalogue de Tim Burton à ce jour, et tant mieux pour cela. Tant mieux et, à bien des égards, pire encore. Certes, il n’y a rien ici pour attirer les nouvelles venues ni convaincre les sceptiques d’origine. En termes simples, Jus de Beetle doublé est tout aussi puéril, flou et étrange que son ancêtre, et non moins dépendant des talents de son ensemble glorieusement gothique pour ancrer ses bases. Plus classique culte que l’une des variétés Stone Cold, l’original Jus de Beetle n’était que le deuxième film de Burton à sortir. Avec le recul, ce sont des trucs terriblement familiers de la part du réalisateur, tous profondément exagérés et incroyablement pratiques dans sa présentation d’une approche stylistique saccadée. Comme il est facile d’oublier qu’il s’agissait autrefois d’une nouvelle vision audacieuse de l’horreur comique venant d’une nouvelle voix cinématographique dynamique. Trente-six ans plus tard, c’est un exploit bien plus mesquin que d’essayer de vendre la boîte à malices folle de Burton comme étant fraîche. Certes, dès Ombres sombres à DumboBurton semble avoir eu du mal ces derniers temps à captiver l’imagination du public et des critiques. À cette fin, il y a quelque chose d’assez louable dans l’approche de Burton Jus de Beetle Jus de Beetle. Une suite héritée s’il en est une, cette seconde Jus de Beetle brûle moins exclusivement le carburant de la nostalgie que la plupart, se vantant d’un récit qui, bien que extrêmement bourré, démontre un désir d’essayer quelque chose de nouveau avec la franchise. Cela ne veut pas dire que le retour de Burton à Winter River, son royaume modèle et ceux au-delà des limites, n’est pas arrosé de bons souvenirs. Les plans d’ouverture à eux seuls, adaptés à un millésime familier de Danny Elfman, rappellent l’apogée de Burton avec un élan de chaleur pleine de nostalgie. Même si l’intrigue s’éloigne de la familiarité, il y a des clins d’œil aux concepts, aux visuels et aux verbatim directement issus de l’original. Peu importe le casting de retour, une présence plus forte pour les raides à tête réduite de Burton s’avère un frisson. Comme auparavant, c’est Winona Ryder qui constitue le cœur battant du film, reprenant le rôle de Lydia Deetz, autrefois adolescente gothique. N’étant plus une adolescente, mais non moins gothique, Lydia gagne désormais sa vie en tant que médiatrice psychique pour l’émission de télé-réalité paranormale ‘Ghost House’. Elle est plus fragile maintenant, plus fragile et moins sûre d’elle. « Où est cette odieuse fille gothique qui m’a torturé ? » crie la belle-mère Delia (Catherine O’Hara). Elle s’est torturée, semble-t-il. N’oublions pas que Lydia voit des morts. Elle a aussi une fille maintenant. Il s’agit d’Astrid de Jenna Ortega, un rôle pas si éloigné de Wednesday Addams ou CrierC’est Tara Carpenter mais superbement réalisé. Également sur la scène se trouve Rory, instantanément antipathique de Justin Theroux – le petit ami producteur new age de Lydia. Quant à son père, les inquiétudes liées au casting problématique sont rapidement apaisées par la séquence la plus drôle du film, un intermède en stop-motion qui laisse Charles Deetz à moitié mutilé par un requin d’argile. C’est la mort de Charles qui ramène la famille trigénérationnelle à Winter River, les trois femmes unies dans la mort et pour des funérailles au vieux repaire de Maitland. Sur ce point, Beetlegeuse attend. Un rôle plus costaud pour Michael Keaton ne fait qu’augmenter le fou, son schtick agaçant de Robin Williams repris avec une précision impressionnante. Il y a toujours eu le sentiment avec celui-ci que la partie, toute en fanfare et en énergie loufoque, devrait vraiment se sentir plus emblématique. Peut-être que c’est le cas pour certains. Toujours déterminé à obtenir Lydia pour son épouse, Beetlegeuse a sa propre intrigue secondaire à affronter cette fois-ci – il y en a beaucoup. Une méchante introduction pour l’ex-épouse éconduite, Delores (Monica Bellucci), voit la mariée agrafer ensemble les parties de son corps disséquées et sucer l’âme d’un Danny DeVito en camée dans un paquet plat. Elle est froide sur son cas. De plus en plus de Burton se lancent dans ses secondes de soupe. Le plaisir est frénétique mais décevant, chaque menace vermifuge étant enveloppée sans la moindre trace de poids. Ils viennent juste de se terminer. Et pourtant, s’il est difficile d’imaginer un film comme Jus de Beetle captant la lumière dans l’arène moderne, c’est trop facile à imaginer Jus de Beetle Jus de Beetleune suite bien interprétée et opportune, qui fonctionne à merveille. Une aversion pour la génération informatique confère aux effets du film une esthétique agréablement artisanale, tandis que la musique de pointe renforce l’ambiance foraine. Un troisième tour de grande roue semble désormais improbable, mais on ne sait jamais quand il s’agit de bioexorcisme. TS
Lee | Revue | Le blog du cinéma
★★★ La même année, Kirsten Dunst prend son nom en hommage au film d’Alex Garland. Guerre civilele photojournaliste phare du milieu du siècle, Lee Miller, reçoit le traitement biographique, grâce au premier film succinctement intitulé d’Ellen Kuras. Se déroulant entre 1937 et 1945, terminé par un flirt avec 1977, Lee retrace le voyage de Miller au cœur de la Seconde Guerre mondiale et ses fouilles des dégâts qu’elle a causés. Ses images restent aussi puissantes que jamais. S’il n’est pas si extraordinaire dans sa propre exécution, le film mérite d’être reconnu pour les efforts qu’il prend, ce qui explique pourquoi Miller seul aurait pu les prendre. Dans le même but, Lee doit sa propre existence en grande partie aux efforts acharnés d’une Kate Winslet visiblement passionnée, qui dirige elle-même le film dans le rôle de Miller. Une production de huit ans, dont deux semaines pendant lesquelles Winslet a payé les salaires, est une réalisation éreintante. Compte tenu d’un processus de gestation aussi long, on pourrait s’attendre à ce que le film ait acquis une base plus solide sous la peau de son sujet. Et pourtant, malgré toute la visibilité éminente de Winslet tout au long du film – elle est en effet formidable – son Miller semble plutôt trop performatif. LeeLee de est acerbe, endommagé et trompeusement intuitif, mais plus une herbe à chat pour un bon acteur qu’une étude de personnage enracinée. C’est peut-être quelque chose qui compte. Certes, l’intervieweur de Josh O’Connor a du mal à casser la coquille. Aux questions sur le rôle et la signification de ses photos, Miller de 1977 ne propose que le rejet. Ce ne sont que des images. Bien moins que ne le suggère un voyage quarante ans auparavant. On ne parcourt pas une zone de guerre active simplement jusqu’à la fin des images. En effet, notre première observation de la jeune Miller la voit trébucher à Saint-Malo, sur des décombres et sur fond de poussière bien trop active. Un paysage sonore claustrophobe concentre les respirations rauques de Miller, ponctuées de battements de cœur palpitants. La peur est brûlante sur son visage. Il n’y a aucun doute quant aux efforts qu’elle fera pour capturer la vérité visuelle du monde changeant qui l’entoure. Kuras nous ramène encore plus loin. Retour à une époque de somnambulisme ensoleillé, du moins c’est ce qu’ont semblé Miller et son groupe d’amigos artistes parisiens, et un monde trébuchant dans une seconde Grande Guerre. Une dispute seins nus avec son futur mari, Roland Penrose, emmène Miller à Londres et aux portes du Vogue britannique. Recrutée comme photographe de guerre, après avoir été mannequin de l’autre côté de l’objectif, l’odyssée de Lee sur le continent est davantage alimentée par la force de la nature que par les caprices d’un établissement désuet. Elle y retrouvera son collègue photojournaliste David Scherman, juif dans l’Europe hitlérienne et incarné de manière impressionnante par Andy Sandberg, dans ses débuts dramatiques. C’est l’expérience de Scherman de Buchenwald et de Dachau, racontée avec tant de sérieux par Sandberg, qui donne au film son exemple le plus puissant. Sa réaction à la désormais tristement célèbre séance photo dans la baignoire de Miller – dans le propre appartement d’Hitler et prise sans le savoir quelques instants après sa mort – est la plus perverse du film. Sandberg n’est pas le seul visage célèbre recruté pour le projet passion, mais lui seul brille. Certes, la présence totémique de Winslet ici jette des ombres. Marion Cotillard, Andrea Riseborough et Alexander Skarsgård apparaissent chacun, recrutés pour des apparitions étrangement brèves, mais ne trouvent pas grand-chose à faire. Skarsgård, surtout, se sent plutôt perdu, aggravé par un bouchon terriblement horrible pour un accent britannique. Riseborough fait faillite dans le rôle d’Audrey Withers, rédactrice en chef excentrique de Vogue, tandis que Cotillard s’inscrit à peine dans le rôle de son homologue française, Solange d’Ayen. Ce sont les rôles plus petits, moins voyants, qui fondent la pièce, comme l’interaction de Miller avec un soldat grièvement blessé dans un hôpital sous tente américain. Elle peut à peine cacher son horreur, il veut simplement voir à quel point il a l’air drôle. Il y a du cran. Curieusement, peu de temps est consacré à l’impact des années de guerre de Miller sur sa vie ultérieure. Ce furent des années de déclin de la santé mentale et de stress post-traumatique dévastateur. Un échange d’actes tardifs quelque peu maladroit offre un aperçu trop bref d’un traumatisme d’enfance que Miller a porté avec elle jusqu’à ses derniers jours. De telles allusions à l’état d’esprit sobre avec lequel Winslet a abordé sa performance, sans extrapoler sa résonance dramatique dans le film dans son ensemble. Lee dépeint des événements remarquables dans une vie remarquable, mais ne trouve jamais vraiment un tissage convaincant pour les faire traverser. Un peu moins de prestige, un peu plus de saleté sous les ongles et beaucoup plus de vision humaniste de Miller auraient pu faire des merveilles avec celui-ci. TS
Bande-annonce officielle de Moana 2 – Jason’s Movie Blog
Moana 2 Bande-annonce officielle Ses ancêtres l’appellent chez elle alors que Walt Disney Studios publie la bande-annonce officielle de leur prochaine suite animée Moana 2. Voir la bande-annonce ci-dessous. La comédie musicale animée épique « Moana 2 » de Walt Disney Animation Studios réunit Moana (voix de Cravalho) et Maui (voix de Johnson) trois ans plus tard pour un nouveau voyage expansif aux côtés d’un équipage de marins improbables. Après avoir reçu un appel inattendu de ses ancêtres, Moana doit voyager vers les mers lointaines d’Océanie et dans des eaux dangereuses et perdues depuis longtemps pour une aventure sans précédent. Oh wow… une nouvelle bande-annonce ! Tout comme ce que j’ai dit à propos de la bande-annonce de ce prochain film, le premier Moana Le film était génial et était tout à fait « conforme » à l’identité de Disney, qui a été réalisé d’une manière divertissante et engageante. Alors, bien sûr, étant donné le succès rencontré par le film, Disney apporterait un jour une suite au film. Moana to light, qui a commencé à l’origine comme une série télévisée pour Disney+, mais a ensuite été décidé de devenir un long métrage. Cette nouvelle bande-annonce présente de nombreuses nouvelles images du nouveau projet de film, y compris plus de détails sur l’intrigue du film ainsi que plusieurs nouveaux personnages qui rejoindront Moana et Maui dans leur voyage. Dans l’ensemble, j’ai vraiment hâte de voir ce que Moana 2 a à offrir et comment il sera reçu par les cinéphiles du monde entier pendant cette période des fêtes. Moana 2 arrive en salles le 27 novembre 2024 Comme ça: Comme Chargement… En rapport marqué avec Auliʻi Cravalho, David G. Derrick Jr., Disney, Dwayne Johnson, En vedette, Contenu en vedette, Films, Moana, Moana 2, bandes-annonces de films, films
Torsades | Revue | Le blog du cinéma
★★ Si le souvenir omniprésent de l’agitation de Jan de Bont en 1996 Tornade est une image de l’aéronautique bovine, il est difficile d’imaginer à quel point sa suite de 2024 instantanément moins emblématique, de à la douleur le réalisateur Lee Isaac Chung, restera dans les mémoires. Peut-être seulement dans des rétrospectives examinant la forte ascension de Glen Powell vers la célébrité. Deux décennies de corruption sont à l’origine du succès supposé du jour au lendemain du Texan ciselé. Après avoir fait ses débuts dans le troisième film Spy Kids de 2003, Powell a réussi à se frayer un chemin à travers tout cela depuis Le chevalier noir se lève à Consommables 3. Les vents ont changé avec Top Gun : Maverick et N’importe qui sauf toi mais maintenant, ils sont vraiment en pleine tempête. Powell fait partie d’un petit groupe de grâces salvatrices dans Torsades, une suite pluralisée dans tous les sens. Il incarne le « cow-boy scientifique » qui lutte contre les tornades, Tyler Owens, un montagnard avec plus d’un million d’abonnés sur YouTube et des marchandises à déplacer. Et pourtant, il y a peut-être plus dans le sourire parfait et le charisme qui sautent aux yeux. Peut-être que, derrière son mépris occasionnel pour sa propre sécurité, ce bœuf s’y connaît en météorologie. La vulnérabilité semble être un créneau gagnant pour Powell, les faillibilités étant juste assez mises en avant, mais jamais au point de saper l’image du héros d’action. Personne n’a jamais qualifié Tom Cruise de « fille sexy en forme ». Cela fonctionne pour Powell. Kate Carter de Daisy Edgar-Jones, un bel esprit pas si éloigné du dernier et seul autre rôle majeur de la star au cinéma dans Où chantent les Crawdads. Tout comme Kya Clark, Kate danse sur la fine ligne entre un scientifique à la tête froide et un chuchoteur aérien. Comme avec Kya, Kate parcourt un monde cruel avec des traumatismes qui bouillonnent pas si loin sous la surface. C’est le souvenir du prologue teinté d’horreur du film et de ses meilleures scènes. Une jeune et naïve Kate entraîne ses jeunes et naïfs amis au cœur d’une tornade EF5, soutenue par l’éclat de ses propres recherches, pour que chacun soit éliminé par des vents de plus de 200 mph. C’est dévastateur et trop morbide à regarder. Un saut vers le futur voit Kate se tailler une nouvelle vie dans la ville en tant que météorologue new-yorkaise. C’est plus sûr mais moins organiquement elle. Nous le savons parce qu’elle a l’air misérable, même lorsqu’elle déjoue ses collègues. L’attrait de l’Oklahoma est cependant fort. Effectivement, il ne faut pas beaucoup de persuasion de la part de son compatriote survivant Javi (Anthony Ramos), un autre chasseur de tempête devenu col blanc, pour la ramener. En réalité, c’est l’amour de la terre et des vastes étendues de l’État qui l’appelle, mais on parle beaucoup de faire une différence et de sauver des vies. Les tornades sont de plus en plus fortes, plus meurtrières et plus fréquentes. Le génie de Kate est la pièce manquante dans l’équipe de chasseurs de rafales de Javi. Mis à part les références de bonne volonté du film – une grande partie est faite d’efforts caritatifs et de soutien communautaire – quelque chose ne va pas. Face à l’évolution des conditions météorologiques, personne ne fait une seule référence au changement climatique. Il est simplement admis que vingt-huit ans et un « s » supplémentaire dans le titre rendent la situation encore plus dangereuse. De plus, Torsades oppose la science à l’expérience dans son flux narratif. Il y a peut-être lieu de se méfier d’un film qui présente des experts comme étant froids, fallacieux et motivés par des arrière-pensées profiteuses, contre les vrais justiciers américains au sang rouge, le sel de la Terre. Cela aurait peut-être moins d’importance, certainement pour le cinéphile moyen, si le film était plus engageant. Des séquences de tempêtes bien exécutées accélèrent le pouls par à-coups, mais Torsades manque de solidité dans ses fondations. Quand le vent tombe, le rythme suit. Quant à Powell et Edgar-Jones, il y a un frisson en tête-à-tête assez agréable mais à peine plus convaincant que le film de Noël Hallmark moyen, avec lequel le film partage son ADN de base – mais avec moins de pain d’épice. TS
MaXXXine | Revue | Le blog du cinéma
★★★ À partir du moment où elle se pavane dans son premier cadre dans MaXXine, moulante en silhouette et en denim, Mia Goth est tout. Dans un film sur l’exploitation et la soif de gloire, elle seule a les crocs pour le boire. Il y a juste quelque chose dans sa propriété de l’écran de Ti West qui crie star, même sans les yeux de Bette Davis et les lèvres de Betty Boop. Sans aucun doute, le film lui-même, qui est probablement le plus faible des trois X films, ne sert pas le courage de Goth. Certes, c’est un effort inégal, qui monte bien mais se replie fort. Et pourtant, tant qu’il y a du mordant dans ces crocs, il y a un rythme convaincant à trouver. Quelques années se sont écoulées depuis les événements de X, dans lequel Maxine Minx (Gogh) a vaincu son propre sosie ratatiné en lui écrasant brutalement la tête. Les années 70 ne sont plus qu’un lointain souvenir, les années 80 ne pourraient guère être plus bruyantes pour faire connaître leur présence. C’est dans la coiffure, le maquillage, le grain fin de la cinématographie d’Eliot Rockett. Déjà réputée pour sa notoriété pornographique, Maxine aspire à un attrait plus grand public. Les hommes sur le plateau savent qui elle est mais, mon garçon, ce serait vraiment bien si leurs femmes le faisaient aussi. Non pas qu’elle ait honte de ses origines, laissant tomber effrontément sa fermeture éclair à la fin d’une audition à couper le souffle, rappelant la contre-dépouille similaire d’Emma Stone. La La Terre vitrine. Brooke Shields, note-t-elle, rayée “et maintenant elle est dans un putain de film sur les Muppets”. La grande rupture de Maxine s’accompagne d’un rôle dans une suite d’horreur gore fest de l’impérieuse réalisatrice d’Elizabeth Debicki, Elizabeth Bender, une pionnière aux normes exigeantes. “The Puritan II” se vante d’être “un film B avec des idées A”, mais sert en réalité de porte dérobée à un hommage à l’époque – littéralement, le Bates Motel a été rénové pour les années 1983. Psycho II est au coin de la rue. Il y a beaucoup de cela, même si cela n’est pas toujours lié à une logique narrative ou à une signification contextuelle. C’est très amusant, mais West frappe plus fort avec des clins d’œil de genre moins flagrants, comme la scène dans laquelle Maxine est moussée de latex pour la création d’un casting facial. L’effet est extrêmement claustrophobe mais dégouline autant de métatextualité que de caoutchouc alors que le double aîné de Goth apparaît. La menace la plus tangible ici est le caprice du véritable tueur en série local et délinquant sexuel, le Night Stalker, ou, plutôt, un imitateur suivi par les détectives du LAPD Williams (Michelle Monaghan) et Torres (Bobby Cannavale). Même le diable incarné est un artiste ici. C’est contagieux. Tandis que le dét. Torres se prend pour Axel Foley – Cannavale passe un moment inoubliable – l’enquêteur louche de Kevin Bacon ne peut pas résister à une partie de cowboys lorsque le plateau hurle midi. Personne ne joue au jeu comme Maxine, bien sûr, avec Goth à son meilleur dans les moments exigeant la domination. Ceci contraste avec deux de ses relations les plus serviles au sein du film. Ils ne sont jamais vraiment enthousiastes. Comme pour X et Pearl, on parle beaucoup de spécificité de l’époque dans MaXXXinel’esthétique et le ton, où X canalisé l’exploitation sexuelle du grindhouse des années 70, et perle l’éclat visuel technicolor d’Oz, MaXXXine atterrit dans le sinistre et le néon. Frankie Goes To Hollywood et Kim Cairns constituent des ajouts évidents à la bande originale et il n’y a aucun défaut sur l’attention portée aux détails à l’origine des succès du film en matière de coiffure, de maquillage et de costumes. Même l’inclusion même de bacon ne peut s’empêcher de ressembler à un œuf de Pâques, comme il en existe de nombreux. Certains d’entre eux semblent un peu fallacieux et superficiels – rappelant peut-être celui de Tarantino. Il était une fois à Hollywood – mais c’est une période formidable pour ceux qui se souviennent de l’époque de la location de vidéos. MaXXXine culmine quelque part au milieu, un démarrage lent qui prend du temps pour trouver son mojo compulsif. Goth électrise. Et pourtant, la déflation est aussi rapide dans sa descente, une finale mal cuite qui ne mérite pas les capacités de Goth et la force d’être de son personnage. De grands pas ont été franchis pour réécrire le modèle de la « fille finale » de l’horreur des années 80, faisant marche arrière à mesure que Maxine tombe soumise au flux de son ennemi. Personne ne sait où elle ira ensuite, mais vous pouvez être sûr que la propre trajectoire de Goth sera la plus intéressante. TS
Bande-annonce officielle de Gladiator II – Jason’s Movie Blog
Bande-annonce officielle de Gladiator II Ce que nous faisons dans la vie…. résonne dans l’éternité alors que Paramount Pictures publie la bande-annonce officielle de la suite du prochain film Gladiateur II. Voir la bande-annonce ci-dessous. Plusieurs décennies après les événements de Gladiator (2000), Lucius, petit-fils de l’ancien empereur de Rome Marc Aurèle et fils de Lucille, vit avec sa femme et son enfant en Numidie. Les soldats romains dirigés par le général Marcus Acacius envahissent, forçant Lucius à l’esclavage. Inspiré par l’histoire de Maximus, telle que décrite dans le film original de 2000, Lucius décide de se battre en tant que gladiateur tout en s’opposant au règne des jeunes empereurs Caracalla et Geta. Il y a eu beaucoup (et je veux dire beaucoup) de battage médiatique pour ce projet particulier, beaucoup réclamant tout type d’informations et de nouvelles du film. Maintenant, le premier aperçu officiel est tombé, et il a l’air glorieux. Mon plus gros reproche à propos de ce film est peut-être qu’il semble vraiment superflu. Il ne fait aucun doute que le film original était spectaculaire et fantastique et continue d’être intemporel en soi cinématographique. C’est un film incroyablement vendu, « one and done », qui n’a pas eu besoin d’une suite ou d’une franchise construite autour de lui. C’était tellement bon. Alors pourquoi rouvrir quelque chose qui était parfait en soi. Je ne dis pas que la suite sera mauvaise (je prie pour que ce ne soit pas le cas), mais c’est un véritable exploit à essayer de surmonter ou même de se rapprocher de la grandeur cinématographique. Pourtant, pour le meilleur ou pour le pire, l’anticipation de ce projet de suite est primordiale et j’attends avec impatience de savoir ce qui se passera. Gladiateur II a à offrir. En gros, bon ou mauvais…. Je suis excité pour ce film. Gladiateur II sort en salles le 22 novembre 2024 Comme ça: Comme Chargement… En rapport marqué avec Connie Nielsen, Denzel Washington, Contenu en vedette, Films, Gladiator, Gladiator 2, Gladiator II, bandes annonces de films, films, Paul Mescal, Pedro Pascal, Ridley Scott
Bande-annonce officielle de la F1 – Jason’s Movie Blog
Bande-annonce officielle de la F1 Une voiture construite pour le combat (et la vitesse) alors que Warner Bros. et Apple Original Films ont publié la bande-annonce officielle du prochain film dramatique sur les courses sportives intitulé F1. Voir la bande-annonce ci-dessous. Suit un pilote de Formule 1 qui sort de sa retraite pour encadrer et faire équipe avec un pilote plus jeune Je me demandais quand le premier aperçu de ce film allait paraître. Je me souviens avoir toujours entendu parler de ce film en ligne, mais je me demandais quand la bande-annonce du long métrage allait sortir. Le teaser de ce film semble intéressant et présente certains des moments de course les plus intenses que promet le long métrage. Cependant, je pense que la bande-annonce (la façon dont elle a été coupée) semble un peu moins que souhaitable. Qu’est ce que je veux dire? Eh bien, quelque chose semble un peu bizarre. Les images montrées étaient fantastiques et le choix musical de la chanson de Queen était excellent, mais le montage de tout cela semble parfois décalé. Qui sait…. c’est peut-être juste moi. Indépendamment de cela, F1 semble assez prometteur et sera certainement l’un de mes meilleurs choix parmi l’un des films les plus attendus de 2025. F1 courses en salles le 25 juin 2025 Comme ça: Comme Chargement… En rapport marqué avec Brad Pitt, F1, Contenu en vedette, Films, Formule 1, Javier Bardem, Joseph Kosinski, Kerry Condon, bandes annonces de films, films, Courses, Drame sportif
Alien : Romulus – Bande-annonce officielle – Jason’s Movie Blog
Alien : Romulus – Bande-annonce officielle Dans l’espace… personne ne peut vous entendre crier alors que 20th Century Fox publie la bande-annonce officielle du prochain film de science-fiction Extraterrestre : Romulus. Voir la bande-annonce ci-dessous. Situé entre les événements d’Alien (1979) et d’Aliens (1986), l’histoire concerne un groupe de jeunes colonisateurs de l’espace qui, tout en fouillant les profondeurs d’une station spatiale abandonnée, se retrouvent face à face avec la forme de vie la plus terrifiante de l’univers. Je me demandais quand une nouvelle bande-annonce de ce film allait paraître. Cela semble en effet assez intense et terrifiant à la fois. Tout comme ce que j’ai dit précédemment pour la bande-annonce officielle du film, le Extraterrestre la franchise a certainement connu des hauts et des bas, avec les récents efforts (Prométhée et Engagement) créant une division parmi les fans avec ses arrière-plans narratifs exposants de l’histoire de la série. D’après cette nouvelle bande-annonce, les images montrées semblent revenir aux racines cinématographiques plus « traditionnelles » et s’intéressent davantage aux rencontres de survie avec des extraterrestres plutôt qu’à essayer d’expliquer les informations de l’histoire, ce qui est plutôt une bonne chose. Comme beaucoup le savent, je ne suis pas seulement un grand fan de films d’horreur, mais je suis également curieux de voir ce que Romulus a à offrir. Extraterrestre : Romulus arrive en salles le 16 août 2024 Comme ça: Comme Chargement… En rapport marqué avec Alien, Alien : Romulus, Cailee Spaeny, David Jonsson, Contenu en vedette, Fede Alvarez, Films, Isabela Merced, bandes-annonces de films, films, Science-fiction
Beetlejuice Bande-annonce officielle de Beetlejuice – Jason’s Movie Blog
Beetlejuice Bande-annonce officielle de Beetlejuice C’est l’heure du spectacle alors que Warner Bros. Pictures publie la bande-annonce officielle de la suite du film à venir et tant attendue Jus de Beetle Jus de Beetle. Voir la bande-annonce ci-dessous. Beetlejuice est de retour ! Après une tragédie familiale inattendue, trois générations de la famille Deetz rentrent chez elles à Winter River. Toujours hantée par Beetlejuice, la vie de Lydia est bouleversée lorsque sa fille adolescente rebelle, Astrid, découvre la mystérieuse maquette de la ville dans le grenier et que le portail vers l’au-delà s’ouvre accidentellement. Alors que des problèmes se préparent dans les deux royaumes, ce n’est qu’une question de temps avant que quelqu’un prononce le nom de Beetlejuice trois fois et que le démon espiègle revienne pour déclencher son propre chaos. Je me demandais quand sortirait une nouvelle bande-annonce de ce prochain film… et cela n’a pas déçu. Cette nouvelle bande-annonce présente de nombreuses nouvelles images, dont quelques détails de l’intrigue (et l’absence d’un personnage du film précédent), tout en présentant également quelques nouveaux personnages. Cela ressemble vraiment beaucoup à une véritable suite du classique bien-aimé et voir Keaton et Ryder dans des scènes ensemble semble une fois de plus incroyable. Dans l’ensemble, je suis très intéressé de voir comment ce film se déroule et comment les cinéphiles du monde entier recevront cette suite longtemps tardive. Jus de Beetle Jus de Beetle sort en salles le 6 septembre 2024 Comme ça: Comme Chargement… En rapport marqué avec Beetlejuice 2, Beetlejuice Beetlejuice, Catherine O’Hara, Contenu en vedette, Films, Jenna Ortega, Michael Keaton, bandes-annonces de films, films, Tim Burton, Winona Ryder